Rogério Borges

Não parece ser a mesma pessoa. Quando assistimos as trapalhadas do mais atabalhoado inspetor policial da história do cinema, não conseguimos conter gargalhadas em alto volume causadas pelas confusões que envolvem o Inspetor Clouseau, da franquia A Pantera Cor de Rosa. Quando nos deparamos com os óculos escuros do celerado protagonista do filme Doutor Fantástico, do diretor Stanley Kubrick, temos asco daquele capitão fanático que vê comunistas em todos os cantos durante a Guerra Fria. Mas esses dois personagens foram interpretados pelo mesmo ator, o britânico Peter Sellers, que nasceu em 8 de setembro de 1925 e que, apesar de ter morrido já há 45 anos, em 24 de julho de 1980, ainda é lembrado e considerado uma referência na arte de atuar com maestria e versatilidade.

A morte precoce de Peter Sellers pegou o mundo do cinema de surpresa, causando choque e tristeza entre fãs e colegas de ofício. Afinal, ele vivia seu auge de popularidade. Ele havia acabado de disputar o Oscar de melhor ator por sua fantástica performance no belo Muito Além do Jardim, no qual dá vida a um bondoso jardineiro que, diante da perda de seu mundo particular, enfrenta novas situações que vão mudar não só a sua vida, mas a de todos que com ele convivem. Aquela era a terceira vez que concorria à estatueta dourada de Hollywood. Em 1965, ele também foi indicado a melhor ator por Doutor Fantástico. Antes, em 1960, esteve na disputa de melhor curta-metragem por produzir e codirigir a comédia experimental Correndo, Pulando e Parando, que custou menos de 100 libras.

Nos anos anteriores, sobretudo na década de 1970, plateias do mundo inteiro rolavam de rir com seu tempo perfeito para a comédia nos filmes da franquia da Pantera Cor-de-Rosa, sob a batuta de um dos maiores gênios desse gênero cinematográfico, o diretor Blake Edwards. Ao todo, foram cinco produções vivendo o personagem Jacques Clouseau, sendo o primeiro de 1963. Nele, o inspetor de polícia francês tem a missão de prender um ladrão de joias que pretende surrupiar um diamante raro, o Pantera Cor-de-Rosa. A figura esguia do felino em formato de desenho animado, desfilando na abertura da produção e os acordes da trilha sonora composta por Henry Mancini davam o toque final a um filme despretensioso que acabou virando um clássico da comédia, muito em função do talento de Sellers.

Ao aceitar fazer esse trabalho, Sellers sabia que não seria a principal estrela do filme. Afinal, no elenco estavam os charmosos David Niven e Robert Wagner. Mas o detetive virou o ladrão, no caso, de todas as cenas em que aparece. Não é possível assistir o filme sem ter a nítida impressão que Peter Sellers coloca todos no bolso, compondo um tipo cheio de nuances e tiques. Seu inglês britânico foi transformado com um sotaque francês muito carregado, dando várias oportunidades a piadas e trejeitos. Seu olhar carismático ganha novas conotações ao se transmutar num detetive que é inteligente, mas ingênuo, com altas doses de humor físico, o que nem sempre é algo bem visto por atores de prestígio. Sellers, porém, se entregava totalmente, fazendo jus a sua exitosa carreira de comediante.

Os filmes seguintes tiveram Peter Sellers liderando o elenco e sendo o principal chamariz dos cartazes. Era impossível não se encantar com aquele detetive confuso e dono de blefes engraçados que, por caminhos muito tortuosos e acidentados, acabava resolvendo os casos mais intrincados. Em 1964, foi lançado Um Tiro no Escuro, com Clouseau investigando um assassinato. Houve um hiato e A Volta da Pantera Cor-de-Rosa só chegou aos cinemas em 1975, com Sellers contracenando com Christopher Plummer. Logo em seguida vieram as duas últimas produções das quais participou: A Nova Transa da Pantera Cor-de-Rosa, de 1976, que deu uma indicação ao Oscar para o maestro Henry Mancini na categoria canção original, e A Vingança da Pantera Cor-de-Rosa, de 1978.

Ao mesmo tempo que todos esses sucessos lhe davam fama global, o Inspetor Clouseau não foi uma camisa-de-força para um ator inquieto e cheio de dilemas. Antes, durante e depois daquele fenômeno, Sellers explorava outros terrenos, alguns bem surpreendentes. Não é todo mundo que se lembra que ele fez comédias de forte teor político, como O Rato que Ruge, na qual encarna um duque caricato que leva sua pequena nação a declarar guerra aos EUA para que possa perdê-la, com o conflito servindo como cortina de fumaça para outras questões. Inesperadamente, porém, o equilíbrio de forças se inverte. Em outra produção menor, o curta-metragem Insônia É Boa para Você, ele vive um vendedor que fica 62 horas sem dormir pela ansiedade de encontrar o chefe na segunda-feira.

Ele foi uma figura constante em séries e filmes de TV britânicos. Em 1954, interpretou vários personagens na série And So to Bentley, que enfileirava esquetes cômicas. Também participou de teleteatros da BBC de Londres e emprestou a voz ao narrar outras produções. Sim, Peter Sellers esteve em muitos trabalhos de baixa qualidade, filmes efêmeros que não deixaram muitas lembranças, mas até nessas escolhas duvidosas, ele não deixava de mostrar um talento espantoso. A comédia parecia estar em seu sangue, dominando totalmente as técnicas para fazer rir, mas também no drama ele se destacou, como em Um Dia Na Praia, de 1970, em que um dos roteirista foi o diretor Roman Polanski. Sellers faz uma pequena participação, mas com uma composição certeira, milimétrica.

Em O Grande McGonagall, comédia britânica icônica, Sellers surge simplesmente como a Rainha Vitória. E o pior é que convence! Muitas vezes, o ator encarnava um personagem cômico que tentava golpes ou era metido a conquistador, mas quase sempre se envolvendo em encrencas. Em tantas outras, integrava comédias ácidas, com situações e tipos com insinuações, na melhor tradição do humor britânico. É o caso do filme Quinteto da Morte, que chegou a beliscar uma indicação de melhor roteiro no Oscar de 1957, no qual Sellers contracenou com Sir Alec Guinness. O ator começou fazendo narrações no início dos anos 1950 e se despediu com uma produção própria que não corresponde ao seu talento, o bizarro O Diabólico Dr. Fu Manchu, de 1980, ano em que morreu de ataque cardíaco.

Os problemas de coração de Peter Sellers se arrastavam desde 1964, quando ele, com menos de 40 anos, sofreu uma série de enfartes enquanto começava a filmar a produção Beija-me, Idiota, de outro diretor que está no panteão dos maiores: Billy Wilder. Em determinado momento, o gênio difícil de Sellers chocou-se com o estilo de Wilder e eles tiveram uma briga feia. Algumas versões dão conta de que Sellers teria abusado de alguns medicamentos depois da discussão, o que teria contribuído para que ele tivesse nada menos que oito paradas cardíacas sucessivas. Quase que por milagre, ele escapou, mas precisou ser afastado do filme. Dean Martin entrou no seu lugar, fazendo par com Kim Novak. Dois dos maiores iluminados no gênero cômico não voltariam a trabalhar juntos.

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Vida mais dramática do que cômica

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Peter Sellers como Dr. Fantástico, o cientista com sotaque alemão, preso a uma cadeira de rodas (Divulgação)

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Mesmo sendo lembrado por seus personagens hilários, Peter Sellers não teve uma vida tão engraçada e leve assim. Pelo contrário. Seus dramas pessoais não foram poucos. A cinebiografia A Vida e Morte de Peter Sellers, lançada em 2004, mostra essa jornada cheia de atribulações. Na produção, baseada na biografia escrita por Roger Lewis, o oscarizado Geoffrey Rush vive o ator em sua fase de sucesso, que foi também a de seus maiores desafios. Um deles era controlar o próprio ego, que não raramente se expressava em ataques de fúria, criando a fama de ser uma pessoa difícil de trabalhar. Outra foi a de conquistador, algo que também procedia. Mais de uma vez, ele se apaixonou pela atriz com a qual contracenava, chegando a terminar casamentos em nome dessas aventuras.

A mais ruidosa delas ocorreu nos bastidores da comédia Cem Milhões e sem Carinho. Seu par era ninguém menos que Sophia Loren. A estonteante beleza da atriz italiana tirou Sellers do eixo e lá se foi seu matrimônio com a atriz de origem indonésia Anne Hayes, que fez poucos trabalhos nos anos 1950. Não muito tempo depois, ele se uniu a Britt Ekland, atriz sueca que chamava atenção por sua beleza nórdica e que atuou em algumas produções populares entre os anos 1960 e 1980, como o filme 007 contra o Homem com a Pistola de Ouro. No início dos anos 1970, Sellers engatou seu terceiro casamento, dessa vez com Miranda Elizabeth. Por fim, em seus últimos três anos de vida, Sellers estava casado com Lynne Frederick, que trabalhou com ele na paródia O Prisioneiro de Zenda.

Seus casamentos não foram tranquilos, mas sim repletos de muitas brigas, e isso também influiu na convivência com seus três filhos, frutos de seus dois primeiros casamentos. Com um deles, Michael Sellers, o primogênito, ele chegou a romper, reconciliando-se apenas poucos dias antes de morrer. Ele também é o pai de Sarah Sellers e Victória Sellers, sendo esta última uma personalidade conhecida de reality shows do Reino Unido. Todas essas facetas mais tristes do grande comediante são abordadas em A Vida e a Morte de Peter Sellers, filme produzido para a TV, o que lhe deu a possibilidade de ganhar nada menos que nove prêmios Emmy, além de dois Globos de Ouro. Seu diretor, Stephen Hopkins, também foi indicado para a Palma de Ouro, no Festival de Cannes.

Toda essa repercussão demonstra o poder magnético que a personalidade de Peter Sellers ainda exerce. Um reconhecimento que ele pôde desfrutar em vida. Há uma cena famosa de um encontro dele com outro nome de referência na comédia, o ator Steve Martin, que por coincidência herdou o papel de Inspetor Clouseau em produções mais recentes. Na breve conversa que têm, Martin demonstra sua admiração por Sellers, que por sua vez se mostra surpreso que o astro de Hollywood tenha assistido seus filmes. Fãs famosos, porém, não eram uma novidade para ele. O atual rei Charles III fez questão de dizer que, ao ver um dos filmes da Pantera Cor-de-Rosa, chorou de tanto rir. Elvis Presley levava as produções da franquia para assistir em suas turnês e tinha em Sellers um dos seus atores preferidos.

Outra amizade notória do comediante era com os quatro rapazes de Liverpool. Peter Sellers tinha tanta proximidade com os Beatles que frequentava o lendário estúdio da Abbey Road, em Londres, ganhando, certa vez, uma das matrizes do Álbum Branco, um dos discos mais famosos de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison e Ringo Star. Quando Stanley Kubrick o convidou para estrelar Doutor Fantástico, ele sabia o que estava fazendo. Não era qualquer um que poderia interpretar quatro personagens diferentes em uma mesma produção. Ele não só deu conta do recado, como se tornou o primeiro ator da história a ser indicado ao Oscar por quatro performances diferentes em um mesmo trabalho.

Todos esses talentos não o livraram de uma vida privada problemática. Sellers passou por períodos de profunda depressão e tinha aterradoras variações de humor. Poderia ser uma pessoa doce num minuto e no outro transformar-se num profissional irascível, difícil de conviver. Ao mesmo tempo, seu talento era tão evidente que muitos nomes conhecidos não mediam esforços para trabalhar com ele. Woody Allen, por exemplo, foi roteirista de um filme no qual Sellers contracenou com Peter O’Toole, que no Brasil ganhou o título O Que é Que Há, Gatinha? Quando John Huston, Val Guest e Ken Hughes decidiram parodiar os filmes de James Bond em Cassino Royale, de 1967, além do próprio Woody Allen, eles convidaram Peter Sellers para uma participação, ao lado, vejam vocês, de Orson Welles, David Niven, Ursula Andress, Deborah Kerr e Jean-Paul Belmondo.

Rolês aleatórios como esse nunca foram uma excentricidade na carreira de Peter Sellers. Conseguia fazer filmes descartáveis e era escalado para produções mais ambiciosas, como a versão de Stanley Kubrick do polêmico livro Lolita, de Vladimir Nabokov. Em 1962, dividiu a cena com Bing Crosby e Bob Hope em Dois Errados no Espaço. Enquanto sua vida pessoal desmoronava e era reconstruída algumas vezes, ele criava uma reputação que atraía admiradores, do pessoal do Monty Python – foi amigo de John Cleese, por exemplo – a toda uma geração de comediantes norte-americanos, como Robin Williams e Eddie Murphy. Nem isso o convenceu totalmente sobre sua importância. A insegurança e a necessidade de elogios eram comportamentos constantes. Além de uma tristeza recorrente.

Muitos o definem como um “gênio atormentado”, um homem tão cheio de idiossincrasias que era difícil saber lidar com todas elas. Uma imagem contrastante com seu personagem mais famoso, o inspetor francês que era derrubado por um globo terrestre giratório, que despencava de escadas, se enrolava com armaduras e tinha lutas engraçadíssimas com inimigos e até com aliados. Mas se colocássemos a lupa que o Inspetor Clouseau levava a tiracolo sobre a alma daquele britânico que consta em listas de maiores atores de todos os tempos, veríamos o vírus da melancolia, o bacilo de dependências químicas, a patologia do temor de uma morte que parecia espreitá-lo. Ela o encontrou num hospital de Londres, quando aquele coração inquieto e criativo deixou de bater após um coma de dois dias.

Infância artística e início no rádio

Os pais de Peter Sellers eram atores, fazendo com que a descoberta de sua vocação não fosse algo inesperado. Sua tendência para os palcos, porém, precisou ser conjugada com algo bem mais pesado. O mundo de sua juventude estava conflagrado por uma guerra mundial e em 1943, aos 18 anos, ele se alistou na Real Força Aérea da Inglaterra, mas não se tornou um dos combatentes dos céus contra a aviação da Alemanha nazista e seus aliados. Sellers tinha problemas de visão que impossibilitaram que se formasse como piloto. No lugar disso, foi entreter os colegas de farda, participando da trupe que levava lazer e distração aos quartéis da Força Aérea. Ele tinha talento como baterista e, claro, como comediante. As apresentações faziam sucesso entre os soldados naquele período sombrio.

Após a Segunda Guerra Mundial, no final dos anos 1940, Sellers estreou no rádio. Na emissora BBC, gravava programas de humor. Aquele nicho foi sua porta de ingresso para o meio artístico. Por muitos anos, continuou a participar de atrações que tinham mais ou menos o mesmo formato, com quadros cômicos inocentes, mas inteligentes. O seu programa The Goons gerou uma série de frutos em sua carreira, das primeiras participações em trabalhos no cinema, à gravação de discos. Um deles foi produzido por George Martin, que viria a ser o homem que lançaria os Beatles no mercado fonográfico. Seus principais parceiros não só no início da jornada, como durante toda a vida, foram Spike Mulligan e Harry Secombe, companheiros dos tempos do rádio. Eram sua turma.

Peter Sellers foi um artistas que sabia atuar e escrever. É autor de roteiros e seus métodos de trabalho incluíam uma participação mais efetiva nos sets, dando ideias nas filmagens. Essa foi a chave para a parceria com Blake Edwards, que adorava adotar suas sugestões, o que deve ter contribuído bastante para os filmes da Pantera Cor-de-Rosa ficarem tão engraçados. Um talento que servia igualmente para as sombras, como em sua atuação como o homem que se apaixona por uma adolescente em Lolita, de Stanley Kubrick, personagem difícil e polêmico, mas que lhe rendeu uma indicação ao Globo de Ouro. Suas expressões faciais hipnóticas, o domínio absoluto do ritmo das falas, o trabalho corporal sem tabus e um olhar engraçado e também melancólico fizeram de Sellers um ator único.&nbsp;

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Centenário de Peter Sellers: relembre a trajetória do ator versátil que marcou gerações

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O ator completo

Nas comemorações dos cem anos do surgimento do estilo art déco, que tem forte influência na identidade histórica de Goiânia, é importante refletir sobre o estado do patrimônio arquitetônico da capital. Com mais de duas dezenas de prédios tombados, a cidade não tem no entanto, garantia da preservação de imóveis que representam a memória do surgimento de um novo centro urbano no Planalto Central.

Prédios importantes, como o belo Teatro Goiânia, e a imponente estação ferroviária, sofrem frequentemente a ação de vândalos, o desgaste do tempo e a falta de uma manutenção frequente, que poderia manter vivo um tesouro arquitetônico de grande relevância histórica e turística. A atual gestão da Prefeitura de Goiânia, sob o comando de Sandro Mabel, anunciou nesta semana a desapropriação do Jóquei Clube, para reforma e conservação do logradouro, dentro do projeto de revitalização do Centro.

A proposta é bem-vinda e deve ser conduzida com firmeza e vontade, para que não haja o risco de ser outro projeto dos mais de dez que nunca saíram do papel. A área central é o coração da capital, que guarda um patrimônio rico, o registro de como tudo começou, e um potencial gigante para o turismo e lazer.

Cem anos de história

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O Colégio Santa Clara, instituição educacional que é um emblema de Campinas, bairro pioneiro de Goiânia, completa cem anos de funcionamento neste domingo. A data será lembrada com uma missa, às 9 horas, na capela da escola, que será transmitida ao vivo pelo canal do colégio no YouTube. O 9 de janeiro marca a data em que a escola começou as atividades, atendendo inicialmente 14 alunas.O colégio surgiu depois que os padres redentoristas, que já eram missionários em Campinas, solicitaram a vinda para Goiás de irmãs franciscanas para ficarem responsáveis pela educação de meninas. Quatro delas deixaram Au am Inn, cidade na Alemanha, dando início no interior do Brasil a uma saga educacional e cultural que ainda perpetua.Até 1970 o Colégio Santa Clara atendia somente mulheres, depois passou a matricular também alunos do sexo masculino. Milhares de estudantes já passaram pela escola, uma das principais referências de educação em Goiás, que atende do ensino infantil ao médio. Para comemorar o ano jubilar, a escola inicia o ano letivo no dia 17 deste mês com novo uniforme. Memorial Em 2010 a Congregação das Franciscanas da Ação Pastoral inaugurou o Memorial Santa Clara, com o objetivo de eternizar a memória das realizações das irmãs que construíram a história da escola. São fotografias, documentos e objetos que falam da trajetória das religiosas e da cidade que as acolheu. As quatro irmãs pioneiras, as quatro Marias - Maria Bonifácia Vordermayer, Maria Benedita Tafelmeier, Maria Ludmilla Schoropp e Maria Willibalda Mayer - ganharam seções especiais que falam da dedicação delas à vida religiosa e das funções que assumiram no Santa Clara.

Missa marca centenário do Colégio Santa Clara em Goiânia

Cidades

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Matéria - Cidades

Há exatos 100 anos nascia, no Rio de Janeiro, uma atriz que marcaria em definitivo a história da dramaturgia e da luta antirracista no Brasil: Ruth de Souza. Primeira atriz brasileira indicada a um prêmio internacional de cinema, Ruth também é reconhecida como a primeira negra a construir uma respeitada e sólida carreira no teatro, cinema e TV. Não por acaso, os especialistas consideram sua trajetória como fundamental.“Ruth de Souza foi uma desbravadora. Deixou um legado para todas as atrizes, atores e artistas brasileiros, além do reconhecimento em vida, algo tão raro e, portanto, tão precioso na vida de mulheres negras”, analisou a ativista e filósofa Djamila Ribeiro, em artigo publicado após a morte da atriz em 2019, aos 98 anos. No meio acadêmico, a biografia de Ruth de Souza é utilizada para jogar luz na luta antirracista no País e a representação do negro na ficção.Em 2007, a artista foi homenageada com a edição especial da Coleção Aplauso, lançada pela Imprensa Oficial, organizada pela produtora-executiva e diretora Maria Ângela de Jesus. Ruth de Souza costumava dizer que em sua carreira aconteceram vários milagres. De origem simples, ela quebrou preceitos e preconceitos para seguir a carreira artística. “Contrariando aqueles que diziam que não havia futuro para uma menina negra que sonhava ser artista, ela soube conduzir sua carreira para o sucesso, com a firmeza e a obstinação que são sua marca registrada”, avalia Maria Ângela.Quando criança, muitos riram e fizeram chacota do desejo da menina em razão da cor de sua pele. Afinal, não existiam artistas negros de sucesso devido à estrutura social racista do País. Ela se encantou pelo teatro e pelo cinema quando assistiu ao filme Tarzan, o Filho das Selvas (1932). Com ingressos que a mãe, lavadora de roupas, ganhava das patroas, passou a assistir a espetáculos no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Nem nas suas ambições mais otimistas poderia imaginar que seria a primeira artista negra a ocupar aquele palco.Em 1944, decidida a aprender teatro, Ruth de Souza conheceu a recém-criada companhia Teatro Experimental do Negro. O grupo foi criado por Abdias do Nascimento, na intenção de propor uma nova dramaturgia e valorizar os atores afrodescendentes. Na época, se algum grupo precisasse de um personagem negro, era comum pintar de preto um dos atores, já que todos eram brancos. A atriz estreou no primeiro espetáculo do grupo, a peça O Imperador Jones, quando fez o papel de uma escrava. A estreia ocorreu no Theatro Municipal, em 8 de maio de 1945.Percebendo o talento da jovem atriz, o teatrólogo e diplomata Paschoal Carlos Magno a recomendou para uma bolsa de estudos nos Estados Unidos, na Rockefeller Foundation. Lá estudou teatro e realizou um sonho de infância. “Eu não tinha dinheiro, não tinha nada, somente a certeza de que seria artista”, revelou a atriz. Com graça e talento, ela conquistou amigos importantes como o escritor Jorge Amado, que sempre a admirou e a indicou para o primeiro filme que fez – Terra Violenta, baseado no livro Terras do Sem Fim.Ao retornar ao Brasil depois do período nos Estados Unidos, a atriz dedicou-se bastante ao cinema, mas também viveu grandes momentos no teatro, como em 1952, quando contracenou com Sérgio Cardoso e Nydia Licia na montagem da peça Vestido de Noiva, de Nelson Rodrigues. Para Maria Ângela, nenhuma das conquistas de Ruth de Souza foi milagre, como ela costumava dizer. “Toda a ajuda que recebeu foi apenas uma recompensa a sua garra e talento”, define.Fora de cenaApesar do inegável sucesso da carreira de Ruth de Souza, a atriz foi por anos a única representante negra nos elencos das novelas. Aos atores negros, sempre foram reservados os papéis de serviçais ou de escravos nas produções de época. “Briguei e cobrei muito de todo o mundo. Mas foi a Janete Clair e o Dias Gomes que deram a mim e ao Milton Gonçalves a oportunidade de fazer todo o tipo de trabalho. Antes deles, era só a negra gorda alegre, feito a empregada do ...E o Vento Levou, contou em entrevista, em 2016.Ver trajetórias de sucesso e protagonismo como as dos atores Lázaro Ramos e Taís Araújo deu a certeza de que Ruth ajudou a pavimentar um importante caminho contra o racismo no Brasil. Ruth fez parte atuante da geração que iniciou o processo de ressignificação do que é “ser negro” no Brasil, que teve de provar que o negro podia ser ator.Postura de resistênciaEm uma das cenas mais marcantes do filme Sinhá Moça, lançado pelo estúdio Vera Cruz em 1953 e que abordava a luta abolicionista no Brasil, Ruth de Souza no papel de Sabina, uma mulher escravizada, arrebata o público. Agredida pelo capataz no lado de fora da casa grande, enquanto a sinhá toca piano no de dentro, ao se desvencilhar do opressor, a personagem altera a expressão facial, ergue a cabeça, modula o caminhar e segue altiva até a senzala em uma postura de resistência.Pelo papel, ela ganhou o prêmio Saci, conferido aos melhores do cinema nacional pelo jornal O Estado de São Paulo, e concorreu ao prêmio de melhor atriz no Festival de Veneza, em 1953, ao lado de Michèle Morgan, Katharine Hepburn e Lilli Palmer. Da magia do cinema ela passou para a TV. Fez os primeiros teleteatros da TV Tupi e da TV Record, ainda nos anos 1950, e mais tarde na TV Globo, onde estreou em 1969. Na Globo, interpretou, além de minisséries, diversas telenovelas, com destaque para A Cabana do Pai Tomás (1969), quando foi a primeira negra protagonista de uma novela, O Bem Amado (1973), Sinhá Moça (1986), quando mais uma vez contracenou com o amigo Grande Otelo, e O Clone (2001).<div attr-cid="policy:Image_1.2248552" attr-version="policy:Image_1.2248552" class="p-smartmidiabox">-<a class="p-smartembed" data-onecms-id="policy:Image_1.2248552" data-onecms-type="image" href="javascript:window.parent.actionEventData({$contentId:'Image_1.2248552', $action:'view', $target:'work'})" polopoly:contentid="policy:Image_1.2248552">Imagem (Image_1.2248552)</a></div>

Centenário: Ruth de Souza foi a primeira atriz negra a conquistar carreira no teatro, cinema e TV

Em 1946, quando era casada com o diplomata Maury Gurgel Valente, Clarice Lispector passou uma temporada no Rio de Janeiro, a cidade que amava. Na viagem de volta a Roma, onde o marido servia, ela tomou um itinerário que incluiu o norte da África. No Cairo, fez uma parada e foi visitar as pirâmides de Gizé. Lá, encarou a mítica Esfinge. “Não a decifrei”, escreveu aquela que seria a mais renomada escritora brasileira do século 20. “Mas ela também não me decifrou.” O episódio está narrado no início da biografia Clarice, do jornalista norte-americano Benjamin Moser, que ganhou este ano o Prêmio Pulitzer pelo relato da vida de Susan Sontag.Essa associação entre a figura da autora e do ser com cabeça humana e corpo de gato é recorrente. Seu rosto anguloso, sua voz grave, a língua presa que lhe dava um jeito de falar tantas vezes confundido com um sotaque estrangeiro, os olhos gateados, a beleza clássica e um tanto trágica. Clarice Lispector parece pronta a devorar aqueles que não conseguem decifrá-la, prestes a dar um bote, disposta a escrutinar as almas com seu olhar, com sua prosa. E que prosa! Uma literatura que revolucionou, como poucos podem dizer que conseguiram, a literatura de um país. País onde ela não nasceu em 10 de dezembro de 1920.Quando chegou ao Brasil vinda da Ucrânia junto com sua família, Clarice tinha pouco mais de um ano de vida. Viveu primeiro no Nordeste, antes de fazer a sua descoberta do mundo. Trajetória que foi uma aprendizagem, mas nem sempre um livro dos prazeres. E essa jornada cheia de obstáculos também reflete-se na densidade de uma obra que, ao estrear, causou estranheza e deslumbramento. Alguns críticos da época, como Álvaro Lins, achou seu primeiro romance, Perto do Coração Selvagem, mal ajambrado. Outros farejaram ali um fenômeno – estes estavam certos. A literatura brasileira não seria mais a mesma.No seu primeiro livro, o volume de ensaios Brigada Ligeira, o crítico Antonio Candido escreveu um texto sobre Clarice, a quem definiu como “uma tentativa de renovação”. Era 1945 e ela ainda não havia lançado sua segunda obra. Um ano antes, Candido havia comentado Perto do Coração Selvagem, afirmando que, “se deixarmos de lado as possíveis fontes estrangeiras de inspiração, permanece o fato de que, dentro de nossa literatura, é uma performance da melhor qualidade”. A alusão refere-se a uma propalada semelhança do estilo de Clarice com o da autora britânica Virginia Woolf, associação com a qual ela não concordava.Talvez tenha sido mais cômodo encontrar esse parâmetro do que encarar de frente o que Clarice, uma jovem de 23 anos, trazia de revigorante. É bom lembrar que o contexto não era dos melhores para alguém que propunha uma literatura que parecia intimista, mas que carregava uma universalidade refinada, com experimentos em focos narrativos, criando situações ousadas que rompiam paradigmas e enfrentavam complexos. Prosa feminina? Esse tipo de conceito redutor vitimou as primeiras apreensões das obras de Clarice, daí também as comparações com outras escritoras. Na verdade, era um novo tempo em nossa literatura.Depois da poderosa e influente Geração de 30 nordestina, após o surgimento de fenômenos como Jorge Amado, Graciliano Ramos e Érico Verissimo, entre outros, os anos 1940 revelaram um mundo que se esfacelava, no qual a humanidade buscava um sentido para tudo aquilo. A poesia de Drummond e a prosa de Clarice, naquele momento, conseguiram captar isso sem igual. Aquela jovem, que se mudou para o Rio de Janeiro antes de completar 15 anos, que ingressou no curso de Direito aos 19 e passou a trabalhar como jornalista aos 20, foi recebida num ambiente intelectual cheio de grandes referências, onde fez amigos para toda a vida.Lúcio Cardoso, Fernando Sabino, Antônio Callado foram alguns de seus cicerones. Eram tempos turbulentos na política e Clarice chegou a trabalhar no Departamento de Imprensa e Propaganda (DIP), órgão de censura do Estado Novo durante a ditadura Vargas. Ela era repórter e muitas vezes cobria os eventos do Itamaraty. É lá que conhece seu futuro marido, o diplomata Maury Gurgel Valente, com quem começa um romance em 1942. Para se casar com ele, porém, ela precisou fazer um grande lobby, com direito a carta pessoal enviada a Getúlio Vargas, pedindo sua naturalização. Isso aconteceu em 1943, ano especial para ela.