Dalton Paula não cansa de fazer história. O artista brasiliense radicado em Goiás há mais de 30 anos acaba de entrar para a seleção das 100 figuras mais influentes no mundo da arte feita anualmente pela publicação internacional ArtReview. O profissional ocupa a 87ª posição da chamada Power 100, que lista nomes que promovem a diferença nas artes visuais, como curadores, artistas, diretores, produtores e marchandes.

Idealizador do projeto Sertão Negro Ateliê e Escola de Artes, no Setor Sangrilá, na Região Norte de Goiânia, Dalton foi escolhido por promover residências artísticas em um diálogo aberto com o meio ambiente e conhecimentos ancestrais. Neste ano, ele recebeu outros prêmios importantes, como o Chanel Next Prize, o único brasileiro na lista, e expôs na 60ª Exposição Internacional de Arte da Bienal de Veneza.

“Ao criar imagens que evocam admiração, vejo minha prática como uma forma de reparação cultural e visual, devolvendo essas figuras ao imaginário social com presença e protagonismo”, afirma Dalton, que tem trabalhos permanentes nos acervos da Pinacoteca de São Paulo e no Museu de Arte de São Paulo (Masp). “Meu trabalho é guiado pela construção de uma iconografia negra, raramente retratada e frequentemente apagada por processos históricos”, completa.

Algumas obras de Dalton foram parar no acervo exposto do MoMa - Museu de Arte Moderna de Nova York. O artista também esteve no hall de expositores da Trienal 2017 do New Museum de Nova York, uma das galerias mais aclamadas da cena de arte contemporânea dos Estados Unidos.

“Minha prática artística é uma ressonância das experiências em terreiros e quilombos, essas vivências são a base que sustenta meu trabalho”, salienta o artista que, junto com a companheira, a professora Ceiça Ferreira, fundaram em 2021 o Sertão Negro Ateliê e Escola de Arte. “O projeto centraliza o conhecimento afro-brasileiro e da diáspora africana. Hoje, é uma comunidade com mais de 30 pessoas”, comenta.

Com tanto trabalho em mãos, Dalton ainda guarda tempo para criar pontes e abrir caminhos para os artistas mais jovens que atuam no Sertão Negro. “Para mim, o projeto é um pilar essencial em minha prática artística; é um exame do passado, uma construção do presente e o cultivo de um futuro justo e saudável para a comunidade negra”, explica o artista.

Internacional

Outros nomes do Brasil também estão no Power 100 ArtReview deste ano. É o caso, por exemplo, dos curadores Thiago de Paula Souza, que aparece na 90ª posição, e Raphael Fonseca, curador da 14ª edição da Bienal do Mercosul, que figura na posição de número 86. O profissional Adriano Pedrosa, que assinou a curadoria da Bienal de Veneza, está na 33ª posição.

Publicado pela primeira vez em 2002, o Power 100 da inglesa ArtReview é o ranking anual de influência mais estabelecido e amplamente divulgado no mundo da arte contemporânea. Quem lidera a lista é a diretora Sheikha Hoor Al Qasimi, da Bienal de Sharjah e fundadora da Sharjah Art Foundation.

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Dalton Paula entre na lista das 100 figuras mais influentes das artes

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RECONHECIMENTO

A exposição Autorretrato em Linhas Sólidas, que reúne desenhos, esculturas, objetos em relevo e fotografias, apresenta 50 obras que traduzem as diversas fases e inspirações do artista Evandro Soares, baiano de Morro de Chapéu radicado desde o final dos anos 1990 em Goiânia. Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra abre nesta quinta-feira (14), às 19 horas, no Centro Cultural Octo Marques.

O projeto, em cartaz até 5 de julho, está sendo realizado com recursos do edital da Política Nacional Aldir Blanc de Fomento à Cultura, por meio da Secretaria Estadual de Cultura de Goiás. A exposição é resultado, explica o artista, de uma reflexão de seus primeiros contatos com o ofício da serralheria, mas também de suas experiências mais recentes, com influência da fotografia e desenho, além do metal.

“A arquitetura também começou a influenciar meu trabalho à medida em que eu passei a viajar para várias cidades do País para apresentar as minhas obras. Nessas andanças fotografava os prédios e, a partir daí, passei a pesquisar, além da escultura e do desenho, também o bidimensional”, acrescenta. Endereço: Parthenon Center, Rua 4, Centro. Funcionamento: Das 9 às 11h30 e das 13 às 17 horas. Entrada gratuita.

Evandro Soares abre mostra no Centro Cultural Octo Marques

Gratuito

Pequi, veredas e ipês floridos inspiram a identidade visual e fazem parte da curadoria da oitava edição da Feira de Arte Goiás (Fargo). Realizada a partir desta quarta-feira (13), no Centro Cultural Oscar Niemeyer, a feira toma o bioma Cerrado como ponto de partida para discutir território, memória e projeção da arte produzida em Goiás. A principal novidade desta edição é a expansão física do evento. Além do salão principal, o foyer e as áreas externas do Museu de Arte Contemporânea (MAC) passam a receber os estandes da feira, que salta de 30 expositores para 50 nesta edição.

A Fargo promete reunir mais de 1,5 mil obras durante os cinco dias de programação. A expectativa da organização é que 30 mil pessoas circulem pelos espaços até o encerramento, no domingo. Para dar conta do aumento de público, a organização apostou em um projeto expográfico voltado à circulação e à experiência do visitante. “O planejamento foi feito com uma equipe de arquitetura e expografia para garantir que o fluxo de pessoas seja contínuo, sem gargalos”, afirma o curador Sandro Tôrres, que assina a seleção desta edição ao lado dos outros membros da comissão do Prêmio Estímulo, Paulo Henrique Silva e Cinara Barbosa.

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Sandro Tôrres: "Quando trazemos esse tema, atraímos o olhar de colecionadores de fora que buscam uma identidade própria do Centro-Oeste" (Guilherme Alves/O Popular)

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Segundo ele, áreas de descanso, cafés e sinalização reforçada foram incorporados ao percurso para tornar a visita mais fluida entre os estandes da feira. A curadoria deste ano elegeu o Cerrado como eixo conceitual, escolha que Torres define como política antes de estética. “Quando trazemos esse tema, atraímos o olhar de colecionadores de fora que buscam uma identidade própria do Centro-Oeste”, afirma. “Eles vêm buscar o que só Goiás tem, mas com um padrão de organização de nível nacional.”

Os 30% de visitantes provenientes de outros Estados – São Paulo e Distrito Federal concentram a maior parte – confirmam que a estratégia já encontrou seu público, e a proposta curatorial funciona como embalagem para que a produção goiana seja compreendida em qualquer praça sem perder a raiz. Entre os 50 estandes confirmados estão galerias de peso nacional, como a Luciana Brito e a Marília Razuk, vizinhas a espaços independentes, coletivos e instituições como a Faculdade de Artes Visuais da UFG. A disposição é proposital.

“No mapa da feira, você vai encontrar um espaço independente vizinho a uma galeria de renome internacional”, explica Sandro. O objetivo é que a proximidade force uma troca orgânica: o colecionador que se dirige a um estande consagrado acaba descobrindo um artista goiano no espaço ao lado. Para os independentes, aprendizado de profissionalização; para as grandes galerias, oxigenação do portfólio com o que está sendo produzido fora do eixo tradicional.

Uma das artistas presentes nesta edição é Karine Brasil, que leva para o estande obras em cerâmica inspiradas na Folia de Reis, no patrimônio art déco de Goiânia e em suas tradicionais peças em formato de coração, símbolo recorrente de sua trajetória. Para ela, participar da Fargo é sempre uma grande oportunidade. “É um espaço onde existe um encontro muito potente entre arte, público, mercado e trocas culturais”, define a artista, que transita entre joias cerâmicas, objetos e obras em que memória e afeto se confundem com o contemporâneo.

A conexão entre o trabalho de Karine e o eixo temático dessa edição não é acidental. O Cerrado, como ela o entende, carrega uma força silenciosa, de resistência, permanência e transformação e é justamente essa força que ela reconhece na cerâmica, material que parte da terra bruta para se tornar objeto de expressão. As referências à Folia de Reis e aos patrimônios históricos reforçam, em seu trabalho, a ideia de que resistir é manter vivas as histórias, os símbolos e as identidades de um lugar.

Impacto econômico 

O impacto econômico da Fargo também cresceu junto com a feira. A estimativa para esta edição é de R$ 15 milhões em volume de negócios, com parte significativa dos recursos circulando dentro de Goiás, seja por meio das galerias locais, seja pelas vendas realizadas diretamente pelos artistas e seus representantes. Além da comercialização durante os cinco dias de evento, a feira movimenta encomendas, contatos e negociações que seguem ao longo do ano.

A edição de 2026 marca ainda a retomada do Prêmio Estímulo, voltado a artistas em início ou consolidação de trajetória. Dez nomes foram selecionados por edital, em iniciativa patrocinada pelo colecionador Rogério Ranulfo. A proposta é ampliar o espaço para novos artistas dentro da programação comercial da feira e fortalecer a inserção desses trabalhos no circuito de colecionadores, galeristas e curadores que visitam o evento.

Criada em 2017, a Fargo chega à oitava edição, segundo os organizadores, consolidada como o principal evento de arte contemporânea do Centro-Oeste. “O acompanhamento que a gente faz é por intermédio de pesquisas pós-evento com os expositores. O impacto direto é a sustentabilidade: muitos artistas conseguem manter sua produção do ano inteiro com o que é comercializado nos dias de Fargo. Além disso, cria-se um networking que gera vendas meses após a feira terminar”, afirma o curador Sandro Tôrres.

SERVIÇO 
Evento: Fargo — Feira de Arte Goiás 2026 
Data: 13 a 17 de maio de 2026 
Local: Museu de Arte Contemporânea de Goiás (MAC), Centro Cultural Oscar Niemeyer e galerias D.J. Oliveira e Cleber Gouvêa&nbsp; 
Horário: Das 14h às 21h 
Entrada: Gratuita 
Mais informações: @fargogoias&nbsp;

Fargo promete reunir mais de 1,5 mil obras durante os cinco dias de programação

Cerrado como tela

A demolição do antigo prédio modernista da Celg tornou-se ponto de partida para a exposição Marcha Para o fim do Oeste, que será inaugurada nesta terça-feira (17), no Centro Cultural UFG. A mostra transforma restos da construção em obras de arte e propõe uma reflexão sobre o desaparecimento do patrimônio arquitetônico da cidade. No edifício também existia o painel do artista Frei Confaloni, retirado antes da demolição com promessa de restauro.

Idealizada pelos artistas Glauco Gonçalves e Henrique de la Fonte, a exposição nasceu de uma pesquisa iniciada em 2022, quando o prédio já apresentava sinais de abandono. Ao entrar pela primeira vez no local, Glauco conta que foi impactado pela estrutura do edifício e pelo estado de deterioração. “Me surpreendi com a forma da construção e com o assombro do abandono”, afirma.

Após a demolição, em janeiro de 2025, os artistas passaram a recolher fragmentos entre os escombros. Tacos de madeira, pastilhas e elementos da fachada foram cuidadosamente guardados para compor a instalação da mostra. Segundo Glauco, o processo também revelou a delicadeza do trabalho manual presente na construção original. “Pensávamos na manualidade que constituiu essa construção”, completa o artista.

A instalação principal que dá nome à exposição recria elementos marcantes do prédio, com destaque para os cobogós que formavam a fachada. As peças são reorganizadas no espaço expositivo como uma grande estrutura que remete ao desenho original do edifício e evidencia a força visual desses elementos arquitetônicos.

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Os tacos e outros resquícios do antigo prédio da Celg servem de elementos para a exposição (Fábio Lima/O Popular)

Outro núcleo da mostra reúne um conjunto de 1.602 tacos de madeira retirados do piso do prédio, peças que acompanharam a construção do primeiro ao último dia de sua existência. Dispostos como parte de uma instalação, eles funcionam como vestígios materiais da memória do edifício.

Entre os trabalhos apresentados também está o fragmento de um jatobá que ficava na entrada do prédio e que, segundo os artistas, teria sido envenenado antes de cair. A árvore era considerada um remanescente da antiga mata de galeria do córrego Capim Puba e fazia parte do projeto paisagístico atribuído a Gustav Ritter, possivelmente um dos primeiros projetos de paisagismo da cidade.

A exposição inclui ainda uma mesa de projetista, estrutura usada até o fim dos anos 1980 para projetar edifícios. Sobre ela, os artistas apresentam uma fórmula que relaciona dados históricos do prédio com informações sobre sua destruição, criando uma espécie de equação simbólica entre construção e desaparecimento.

Com curadoria de Paulo Duarte-Feitosa, a exposição reúne ainda trabalhos de Flávia Leme, Robert Valentim, Wesley Garcia e Fernão Carvalho, ampliando o debate sobre memória, arquitetura e cidade. Para Glauco, a proposta também chama atenção para o risco de apagamento da história urbana. “Uma cidade sem história é uma contra-cidade”, reitera.

E o painel que estava ali?

O destino do painel Energia Elétrica: a Origem, a Invenção e o Usufruto, do artista Frei Nazareno Confaloni, continua gerando debate entre agentes culturais em Goiás. A obra, criada em 1961 para a antiga sede da Celg, foi retirada do prédio em agosto de 2023, já em estado de deterioração após ter sido vandalizada em 2020. Desde então, os fragmentos do painel estão armazenados no Centro Cultural Oscar Niemeyer (CCON), sem que o processo de restauro tenha sido iniciado.

Para PX Silveira, biógrafo e representante da família do artista no Brasil, a situação é resultado de anos de descaso. “O painel foi vandalizado em fevereiro de 2020 e permaneceu por mais de três anos exposto ao abandono. Somados os danos do vandalismo, da ação do tempo e da falta de providências, sua recuperação vem se tornando cada vez mais difícil”, afirma.

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Os pedaços do painel seguem no CCON sem previsão de restauro (Guilherme Alves/O Popular)

PX também critica a demora na definição de uma solução definitiva para a obra. Segundo ele, havia propostas para transferir o painel ao Museu Histórico Dominicano Frei Nazareno Confaloni, na cidade de Goiás, onde existe um acervo dedicado ao artista. “É uma perda significativa e que empobrece enormemente o acervo histórico das artes visuais no Estado”, diz. Enquanto o restauro não começa, o painel permanece armazenado no CCON, sem previsão pública para o início das intervenções.

Segundo a Secretaria de Estado da Cultura de Goiás (Secult Goiás), a decisão de manter a obra no subsolo do Oscar Niemeyer foi tomada com base em pareceres técnicos de órgãos de preservação e do Conselho Estadual de Cultura de Goiás. A pasta afirma que o transporte do painel para a antiga Vila Boa poderia comprometer sua integridade.

“Os estudos apontam que o transporte da obra apresenta riscos elevados, uma vez que o painel já passou por processo de seccionamento e remoção do local original”, informou a secretaria em nota.&nbsp;A Secult também destaca que as estratégias para diagnóstico, limpeza e restauro ainda estão sendo avaliadas.

Serviço

Exposição:&nbsp;Marcha Para o fim do Oeste

Abertura:&nbsp;nesta terça-feira (17), às 19 horas

Visitação:&nbsp;Mostra fica aberta até o dia 24 de abril entre segunda e sexta-feira, das 10h às 17h30

Local:&nbsp;Centro Cultural UFG, Av. Universitária, 1533, Setor Leste Universitário

Entrada gratuita

Exposição transforma fragmentos do antigo prédio da Celg em reflexão sobre patrimônio e cidade

MEMÓRIA QUE ESCORRE

A história da arte moderna em Goiás ganha uma nova leitura com a mostra Um Modernismo no Oeste, aberta ao público nesta quinta-feira (12), na Cerrado Galeria. Com curadoria do crítico de arte Divino Sobral, a exposição reúne cerca de 80 obras produzidas entre 1940 e 1979 e propõe um mergulho na produção artística que acompanhou as transformações culturais e urbanas do Estado ao longo do século 20. O recorte apresentado ao público conecta os primeiros anos da construção de Goiânia à década posterior à inauguração de Brasília, período marcado por mudanças profundas na paisagem e na vida cultural da região. Organizado em diferentes núcleos temáticos, o conjunto revela a diversidade de linguagens que marcaram a produção moderna em Goiás. Pintura, escultura, gravura, fotografia e desenho aparecem lado a lado, destacando a obra de 25 artistas ligados às primeiras gerações do modernismo regional. Entre eles estão Antônio Poteiro, Goiandira do Couto, Gustav Ritter, Nazareno Confaloni e Siron Franco, nomes que ajudaram a construir um imaginário visual próprio para Goiás.Segundo Divino Sobral, compreender essa produção exige olhar para o processo mais amplo de modernização vivido pelo interior do País ao longo do século 20. “São plurais os tempos da modernidade, assim como são plurais os Brasis. O que ocorreu aqui foi um modernismo afinado com os movimentos de modernização do interior do país e que respondia às realidades culturais, sociais, econômicas e políticas de Goiás”, afirma o curador.Para Sobral, embora grande parte dessas obras tenha sido produzida na segunda metade do século passado, elas não devem ser interpretadas como um fenômeno tardio. O desenvolvimento artístico acompanhou as transformações vividas pelo Estado, impulsionadas pela fundação de Goiânia e posteriormente pelos efeitos da construção de Brasília sobre o Centro-Oeste. “Trata-se de um modernismo sem ruptura, sem manifestos, sem confrontos com a tradição e, em certo sentido, até caipira”, observa.A seleção também evidencia o papel formador de muitos desses artistas, responsáveis por estruturar espaços de ensino, formar novos pintores e consolidar os primeiros circuitos culturais da região. Vindos de cidades como Goiânia, Anápolis e Goiás, eles estabeleceram diálogos entre referências europeias e saberes locais, contribuindo para a construção de uma identidade artística ligada à paisagem e às tradições culturais da região.Como desdobramento da mostra, a galeria promove entre 19 de março e 2 de abril o seminário Encontros Modernistas, que reúne pesquisadores para discutir diferentes aspectos da produção moderna em Goiás. A programação inclui palestras sobre artes visuais, fotografia e cultura popular, além da exibição do filme Mudernage, da cineasta e pesquisadora Marcela Borela, que apresenta o olhar de artistas contemporâneos sobre o legado modernista goiano.Além de revisitar esse capítulo da história da arte regional, Um Modernismo no Oeste inaugura o programa de exposições de 2026 da Cerrado Galeria, intitulado Raízes Modernistas. O ciclo ocorre simultaneamente em Goiânia e Brasília e investiga a formação dos circuitos artísticos locais, reforçando o compromisso do espaço com a valorização da memória cultural do Centro-Oeste.SERVIÇOExposição: Um modernismo no OesteData: 12 de março a 11 de abril de 2026 Local: Cerrado Galeria - Rua 84, nº 61, Setor SulAbertura: nesta quinta-feira (12), das 17h às 21hVisitação: segunda a sexta-feira, das 10h às 19h; sábados, das 10h às 13hInformações: @cerrado.galeriaClassificação: livreEntrada: gratuita