O Oscar 2026 na categoria de Melhor Filme Internacional reafirma o cinema como espaço de memória, conflito e invenção ao reunir obras vindas de diferentes geografias que refletem, com rigor estético e densidade narrativa, as tensões do mundo contemporâneo. São filmes que entrelaçam dramas íntimos e contextos históricos, recusam o espetáculo fácil e apostam na força do olhar autoral. Mais do que uma disputa por estatuetas, a seleção deste ano destaca o cinema fora do eixo hollywoodiano como território de resistência. O POPULAR ouviu críticos, cineastas e outros profissionais goianos ligados ao audiovisual para falarem sobre as obras que concorrem ao prêmio.

O AGENTE SECRETO (BRASIL)

Direção:&nbsp;Kleber Mendonça Filho

Para um filme que almeja tamanha envergadura histórica, funcionando quase como um contraplano de Ainda Estou Aqui, chega a ser frustrante a superficialidade com que O Agente Secreto estabelece seus antagonistas. Construídos na base de um maniqueísmo de fácil associação e absorção, os vilões acabam operando sob a lógica do ressentimento, muito em voga no cinema brasileiro dos últimos anos. Assim, uma pequena armadilha é criada: se esse fácil antagonismo contribui na busca pelo aplauso emocionado do público, também acaba sabotando parte de sua complexidade narrativa e histórica. Por outro lado, O Agente Secreto certamente demonstra habilidade em criar vínculo com o público de outras formas, tanto por meio da elaboração de um suspense narrativo, quanto, especialmente no caso do espectador brasileiro, por meio de um olhar muito cinematográfico no diálogo com a cultura popular, como a integração do carnaval pernambucano à narrativa. Além disso, brilha intensamente quando a direção de Kléber Mendonça Filho manifesta sua cinefilia, seja na forma de certos planos e movimentos de câmera, seja no Cine São Luiz do Recife como palco importante de parte da história e dos personagens. O carinho pelos filmes e pelo fazer cinema é evidente.

Fabricio Cordeiro é diretor do Cine Cultura

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VALOR SENTIMENTAL (NORUEGA)

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Valor Sentimental (Noruega) (Divulgação)

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Direção: Joachim Trier

É um filme sobre a possibilidade de atravessar distâncias afetivas. O que está em jogo não é a reconciliação como catarse, e sim o lento reconhecimento do outro. A narrativa se constrói a partir de encontros interrompidos e uma melancolia que não busca consolo fácil. Superar a distância, aqui, não significa anulá-la, mas aprender a habitá-la com alguma dignidade. A aposta formal, no mínimo, encontra eco direto nas atuações, marcadas por uma economia expressiva e rigorosa. Os atores não sublinham emoções: elas ficam em suspensão, como se o afeto fosse algo a ser negociado eticamente. Nesse sentido, o filme recusa o sentimentalismo e parece propor o afeto como responsabilidade, como cuidado com o que não se diz, como atenção ao impacto que a presença, ou a ausência, exerce sobre o outro.

Jarleo Barbosa&nbsp;é cineasta e roteirista

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FOI APENAS UM ACIDENTE (FRANÇA)

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Foi Apenas um Acidente (França) (Divulgação)

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Direção: Jafar Panahi

Toques de bom humor e uma abordagem humana a partir do trauma. O que você faria se capturasse seu torturador do passado? Foi Apenas um Acidente explora esse dilema a partir de um vasto repertório de vivências de opressão no Irã e um trabalho sólido do diretor e roteirista Jafar Panahi, com o carisma e a interpretação magnética do elenco. A aparente banalidade de um acidente na estrada durante uma viagem em família ativa uma série de memórias de opressão. Ex-presos políticos do regime iraniano buscam seguir em frente, até que um deles “reconhece” seu provável torturador pelo som da perna protética dele ao caminhar - destaque para as sutilezas da trilha sonora e o cuidado com os diálogos, cruciais para a narrativa. A dúvida na identificação e os traumas revividos no corpo articulam os personagens, um a um, num impasse moral fundamental: justiça será feita perpetuando a violência? Aclamado pela crítica e premiado com a Palma de Ouro no Festival de Cannes, o filme foi filmado nas ruas de Teerã de forma clandestina e com equipe reduzida. Foi Apenas um Acidente demonstra que a realidade continua superando a ficção: o co-roteirista Mehdi Mahmoudian foi detido no último sábado (31), e o próprio Jafar Panahi continua sofrendo perseguição política e censura pelo governo iraniano. Assim como os personagens ou a equipe do filme, o espectador também não sairá ileso dessa experiência sobre dor, incertezas e esperança.

Geórgia Cynara é professora e coordenadora do Laboratório Universitário de Memória Audiovisual da UEG

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A VOZ DE HIND RAJAB (TUNÍSIA)

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A Voz de Hind Rajab (Tunísia) (Divulgação)

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Direção: Kaouther Ben Hania

Em uma sala do Crescente Vermelho Palestino em Ramallah, chega uma ligação pedindo socorro. A ligação é de Hind Rajab, uma menina de cinco anos, sozinha em um bairro em Gaza no meio da guerra. Um único cenário e uma voz ao telefone. Esse recurso narrativo não é novo no cinema e já foi utilizado em vários filmes, desde Por um Fio (2002), passando pelo dinamarquês Culpa (2018), ou pelo clássico do cinema indie norte-americano Denise Está Chamando (1995). Mas em A Voz de Hind Rajab, a diretora, Kaouther Ben Hania usa esses dois elementos para fazer uma reflexão sobre a invasão de Israel na Palestina, o horror do conflito e a impotência do Crescente Vermelho diante da crueldade da guerra. Há um tensionamento entre a fronteira do documentário e da ficção: logo no começo há uma cartela dizendo que o filme é uma dramatização do que aconteceu naquele dia de 29 de janeiro de 2024; a voz que escutamos do outro lado da linha é de Rajab; e, em vários momentos, a diretora revela sua preocupação em encenar, realisticamente, a dinâmica dentro do Crescente Vermelho, contrapondo as cenas encenadas com os vídeos gravados com celulares pelos personagens no momento dos acontecimentos.

Daniel Nolasco é diretor e roteirista

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SIRÂT (ESPANHA)

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Sirât (Espanha) (Divulgação)

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Direção: Oliver Laxe

Sirât é para não esquecer e guardar na memória. O filme mais impactante dos últimos anos. Uma metáfora da Europa e sua agonia, confrontada tanto pelos EUA como pela Rússia. Mas é também sobre o impasse existencial de todos nós. Pai e filho buscam a filha em festas raves ilegais. E acompanham os festeiros com música eletrônica no meio do deserto: o que eles querem? Eles buscam algo para amenizar o “cansaço existencial” de uma geração que não vê saídas. O filme me impactou o tempo todo: câmera na mão, os ‘ravers’ e o pai e o filho rodando o deserto e a busca pelo sentido de uma vida que talvez não tenha mais significado. Sirât é uma jornada espiritual com uma câmera inquieta que deixa perplexo o seu olhar. E assistindo o filme você se pergunta: “será que esses olhos são meus para estar vendo tanta miséria humana?” Junto com Dias Perfeitos, Sirât é o melhor filme dos últimos dois anos.

Lisandro Nogueira&nbsp;é professor e crítico

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Especialistas analisam os filmes indicados ao Oscar 2026 em Melhor Filme Internacional

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Cinema

Não é à toa que os clássicos são clássicos. Obras que atravessam gerações, séculos, que ganham interpretações bem diferentes no decorrer do tempo em comparação de quando foram escritas. Livros que parecem estar impregnados no nosso imaginário, retornando o tempo todo para nos lembrar que, sim, são fundamentais. E se há uma arte que sabe muito bem disso é o cinema. Na telona, as grandes obras literárias ganham outra vida, são apresentadas a vastos públicos, propõem novas leituras. E, claro, suscitam polêmicas. Toda adaptação de um livro para o audiovisual é um risco calculado, tendo chances de fazer estrondoso sucesso ou ser apedrejada como uma heresia. Ou as duas coisas ao mesmo tempo. E estamos com uma safra generosa de filmes que proporcionam esse debate.

Lançamento recente, a nova versão para o cinema de O Morro dos Ventos Uivantes, baseada no romance de Emily Brontë, tem dividido opiniões. Lançado em 1847, o livro é considerado uma das principais obras góticas do período vitoriano. Ao contrário do que muita gente pensa, várias vezes em razão das adaptações idealizadas ou mesmo um tanto melosas para a telona, não se trata de uma história de amor romântico. Na verdade, a trama é pauleira. Inclui uma série de elementos pesados, que vão de obsessões e tragédias, passando por necrofilia, xenofobia e racismo. A paixão entre o ambíguo e violento Heathcliff, um dos personagens mais complexos da literatura do século 19, e Catherine Earnshaw é uma sequência de enfrentamentos, rancores e atos impulsivos.

Para além do casal principal, as personagens secundárias são igualmente ricas, quebrando paradigmas em várias situações. O marido traído, a empregada fiel, herdeiros malditos, o funcionário humilhado, todos eles se encontram em um cenário inóspito – os ventos que uivam não são meras figuras de linguagem –, agindo de forma contraditória, amoral, fazendo o leitor sempre desconfiar de suas reais intenções e de seu caráter. Um livraço, em resumo. Ele seria tão grandioso assim que poderia não caber em duas ou três horas de projeção? Muitas adaptações parecem temer isso e enveredam por outros caminhos que, de alguma forma, amenizam diversos de seus aspectos. A nova versão, agora em cartaz, da diretora Emerald Fennell, aposta na faceta erótica da história.

Essa opção reavivou a velha rivalidade entre literatura e cinema nos momentos em que as duas expressões artísticas resolvem dialogar. O erotismo existe no livro de Brontë, mas não como principal linha narrativa. Ele ajuda a construir a psique dos personagens, mas aparece como um desejo obsessivo ou o retrato de uma ausência que tortura. Em contrapartida, a diretora, como vários antes dela, não enfrentaram algo crucial na trama: o fato de Heathcliff ter pele escura. Esse branqueamento do personagem está presente na nova versão, com o galã Jacobi Elordi interpretando o protagonista. Outros atores brancos viveram o anti-herói de Brontë, como Laurence Olivier, Richard Burton, Ralph Fiennes, Tom Hardy, Robert Cavanah, Jorge Mistral e Ian McShane. A exceção ficou por conta de James Howson.

Esse não é um mero detalhe. Na verdade, a discriminação que o personagem sofre é essencial para sua formação. Ele é excluído, visto como um estrangeiro, atacado desde a infância e tudo isso vai cultivar os sentimentos de vergonha e de vingança que vão repercutir nas suas ações, algumas extremadas, por toda a vida. A relação dele com a família Earnshaw também passa por esses traumas criados nessas experiências vividas desde o momento em que ele é encontrado no porto de Liverpool e levado para a famigerada propriedade de Wuthering Heights. Brontë não chega a definir sua origem, mas salienta que ele tem a pele escura e em alguns momentos é chamado de cigano. Em uma das adaptações, a de 1992, ele chega a assumir essa etnia, mas a pele não muda de cor.

Essa discussão sempre retorna quando uma nova adaptação de O Morro dos Ventos Uivantes surge. Uma das editoras que publicam a obra no Brasil, a Penguin/Companhia das Letras, reativou o debate em uma postagem em suas redes sociais. No seu perfil no Instagram, o selo editorial enfatiza esse ponto que continua a suscitar polêmicas. “Fosse indiano, chinês, romani ou negro, ele (Hathcliff) era visto como estrangeiro, como diferente, como a ameaça em uma terra (e em uma época) onde a branquitude era rainha e a escravização era a lei.” É interessante notar que Brontë situa a história em um período em que a escravidão ainda vigorava na Inglaterra, na primeira metade do século 19, sendo extinta no Reino Unido no período entre 1834 e 1838. A autora foi ousada também aí.

Todas as ressalvas que podem ser levantadas em relação à adaptação do livro pela diretora Fennell não são exclusividade sua. Um dos concorrentes ao Oscar deste ano é a versão de Frankenstein, dirigida pelo cineasta mexicano Guillermo del Toro, que afirmou que esse projeto era um sonho de infância. Por coincidência, a produção também conta com Jacobi Elordi no elenco, em mais uma adaptação de um romance gótico de uma autora inglesa: Mary Shelley. Ainda que tenha sido mais elogiado que a maior parte das numerosas transposições anteriores do clássico para o cinema, o filme não passou incólume. Alguns apontaram que Elordi era bonito demais para o papel, tirando a face monstruosa do ser criado com partes de cadáveres. Outros não gostaram de um certo glamour que o filme tem.

Mais um postulante à estatueta dourada de Hollywood é Hamnet, de Chloé Zhao, baseado no romance de Maggie O’Farrell, que não apresenta uma versão de um clássico, mas de um enredo que traz um dos principais personagens da literatura e do teatro universais para o centro da cena. É um mergulho nos possíveis bastidores da criação da peça Hamlet, de William Shakespeare, que teria motivos pessoais trágicos em sua construção. Já o livro que baseia outro concorrente ao Oscar, Uma Batalha após a Outra, de Thomas Paul Anderson, é o romance Vineland, do aclamado escritor Thomas Pynchon, numa leitura cheia de incursões pela contracultura e pelos sentimentos revolucionários de uma sociedade praticamente em convulsão. Anderson captou bem o espírito de Pynchon na adaptação.

E neste ano chega aos cinemas uma das mais aguardadas adaptações dos últimos tempos. Todos estão curiosos para conferir como será a leitura de Christopher Nolan para Odisséia, de Homero. Esse é um desafio digno da própria epopeia que acompanha os anos de retorno do herói Ulisses (ou Odisseu) depois de ter elaborado o artifício que propiciou a queda de Troia, fatos narrados em Ilíada, também de Homero. A idade dos atores já designados para certos papéis, as origens étnicas de alguns deles, os mistérios que cercam a superprodução, tudo isso tem atiçado a fantasia e a língua de quem já está disposto a criticar ou a elogiar o resultado final. Repetimos: não é à toa que os clássicos são clássicos. Há uma aura sagrada em torno deles e mexer com isso provoca reações apaixonadas.

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Grandes trunfos e enormes desastres

O cinema tem muitos casos de adaptações que deram certo e se tornaram, elas próprias, clássicos da telona, assim como verdadeiros desastres no desafio de transpor obras literárias para as salas de projeção ao redor do mundo. Dois fenômenos indiscutíveis foram as adaptações das sagas de Harry Potter, de J.K. Rowling, e de O Senhor dos Anéis, de J. R.R. Tolkien. Os imaginários criados nessas séries de livros, da Escola Hogwarts à Terra Média, foram fabulosamente reproduzidos e enriquecidos nas superproduções dedicadas a essas obras. O mesmo pode ser dito das Crônicas de Nárnia (pelo menos dos primeiros filmes), de C.S. Lewis, apesar de não ter obtido a mesma repercussão, uma vez que igualar a idolatria causada pelo bruxinho de óculos e pelos hobbits é quase impossível.

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Ao longo da trilogia 'O Senhor dos Anéis', dirigida por Peter Jackson, o Hobbit Frodo foi vivido por Elijah Wood (Divulgação)

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Alguns filmes ficaram até mais famosos que os próprios livros. É o caso de O Poderoso Chefão, de Francis Ford Coppola, que construiu esse clássico do cinema sobre o romance homônimo de Mário Puzo, que também participou da adaptação do roteiro. Outro exemplo nesse sentido é Tubarão, produção capitaneada por Steven Spielberg e que se tornou uma referência em thrillers de suspense. Quase ninguém se lembra que há um livro que baseou o roteiro, chamado Jaws (ou Mandíbulas), de Peter Benchley. O mesmo Spielberg adaptou outros livros interessantes, como A Cor Púrpura, a partir do romance de Alice Walker, A Guerra dos Mundos, levando para o cinema o clássico de H.G. Wells, e Parque dos Dinossauros, que concretizou a ficção científica elaborada no livro de Michael Crichton.

Um autor muito adaptado para o cinema é Stephen King, com suas histórias de mistério e horror. Geralmente as adaptações dão certo porque o estilo do escritor favorece releituras, com cenas rápidas e personagens potentes. Um dos trabalhos mais lembrados é O Iluminado, de 1980, estrelado por um endemoniado Jack Nicholson. Cemitério Maldito, Louca Obsessão e a franquia It: A Coisa são outros sucessos nessa intersecção. Aliás, histórias de arrepiar costumam ser bem sucedidas quando levadas para a telona. Basta lembrar quantos filmes foram feitos a partir dos contos de Edgar Allan Poe ou com Drácula, o vampiro mais famoso da cultura pop criado por Bram Stoker. Eles podem ser bons, como Nosferatu, de Murnau, ou deixar a desejar, como o Drácula de Francis Ford Coppola.

Clássicos do porte de Moby Dick, de Herman Melville, ou Anna Kariênina, de Liev Tolstói, vira e mexe, são readaptados para o cinema. Os enredos, que ajudaram a moldar as formas da própria literatura, auxiliam na conquista de público em outras linguagens. Essas adaptações podem vir na forma de musicais, como aconteceu em 2012 com Os Miseráveis, de Victor Hugo, sob a direção de Tom Hooper, ou como dramas capazes de desidratar qualquer platéia, a exemplo de David Copperfield, de Charles Dickens, transformado em filme e séries algumas vezes. Também deram muito certo adaptações de obras do século 20, como O Nome da Rosa, de Umberto Eco, e Bonequinha de Luxo, de Truman Capote – quem não se lembra de Audrey Hepburn como a protagonista?

Outros projetos, porém, não foram tão felizes assim. A força do excelente livro A Casa dos Espíritos, de Isabel Allende, perdeu muito em sua adaptação feita por Bille August, em 1993. Personagens foram mesclados e uma geração inteira do romance foi suprimida no roteiro. Já o Amor nos Tempos do Cólera, de Gabriel García Márquez, que até contou com Fernanda Montenegro vivendo a mãe do protagonista interpretado por Javier Bardem, não empolgou o público. Há filmes que até conquistam a crítica, mas não as plateias. É o caso de Grandes Esperanças, de Alfonso Cuarón, baseado no clássico de Charles Dickens. Houve também adaptações equivocadas de Os Três Mosqueteiros, de Alexandre Dumas, e de vários títulos de Agatha Christie, Arthur Conan Doyle e Júlio Verne.

 
Clássicos em papel e na película

E O Vento Levou… – Maior bilheteria da história do cinema por décadas, o filme de Victor Fleming impulsionou o romance de Margaret Mitchell sobre a guerra civil nos EUA.

As Vinhas da Ira – Romance de proa de John Steinbeck, sua adaptação para o cinema foi outro grande acerto, sob a batuta de John Ford e com Henry Fonda como protagonista.

Doutor Jivago – O autor russo Boris Pasternak ganhou o Nobel de Literatura e não pôde recebê-lo por conta do regime soviético, mas o filme com Omar Sharif ficou na memória.

Um Bonde Chamado Desejo – Marlon Brando e Vivien Leigh estão eletrizantes nesse filme de Elia Kazan, adaptação da peça teatral de Tennessee Williams.

Saló ou os 120 Dias de Sodoma – O italiano Pier Paolo Pasolini coloca todos os demônios para fora neste que é seu último filme, baseado na obra polêmica do Marquês de Sade.

 
Nossas letras, nossa tela

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Cena do filme ‘Ainda Estou Aqui’, de Walter Salles, estrelado por Fernanda Torres e Selton Mello (Divulgação/Alile Dara Onawale)

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A literatura brasileira também é uma fonte inesgotável de inspiração para o cinema e alguns de nossos filmes mais representativos vieram das páginas de livros marcantes.

Dona Flor e Seus Dois Maridos – A produção de Bruno Barreto foi lançada em 1976 e segurou o recorde de maior bilheteira de nosso cinema por mais de três décadas. O romance de Jorge Amado já era um sucesso nas livrarias quando foi adaptado.

Gabriela – Outro livro de Jorge Amado que teve Sônia Braga como protagonista em sua adaptação foi Gabriela. A atriz já tinha conquistado o Brasil com o papel na novela da Rede Globo e repetiu a dose na telona, agora fazendo par com Marcello Mastroianni.

Vidas Secas – O drama da estiagem e da fome descrito por Graciliano Ramos num dos livros mais emblemáticos de nossa literatura foi para o cinema e conquistou o mundo. A adaptação de Nelson Pereira dos Santos concorreu no festival de Cannes.

Memórias do Cárcere – Nelson Pereira dos Santos voltou a adaptar uma obra de Graciliano Ramos ao filmar este volume de memórias, no qual o autor relata o período em que ficou preso na Ilha Grande durante a ditadura Vargas. Carlos Vereza é o protagonista.

Macunaíma – Joaquim Pedro de Andrade, ao levar ao cinema o clássico do Modernismo escrito por Mário de Andrade, escalou Grande Otelo para o papel principal. Uma das cenas mais icônicas é a de seu parto, com Paulo José vivendo a mãe do protagonista.

Os Sertões – Em 1997, o grande conflito no interior da Bahia ocorrido no final do século 19 e descrito no livro de Euclides da Cunha chegou à telona pelas mãos de Sérgio Rezende. Foi uma superprodução na retomada de nosso cinema, filmada na própria Canudos.

Lavoura Arcaica e Um Copo de Cólera – Os dois únicos romances de Raduan Nassar foram adaptados para o cinema, o primeiro por Luiz Fernando Carvalho e o segundo por Aluizio Abranches. Filmes de baixo orçamento, mas que captaram a intensidade dos livros.

Cidade de Deus – O romance de Paulo Lins era um grande desafio para qualquer roteirista. A imensa quantidade de personagens e o longo período de tempo abordado na trama não intimidaram o diretor Fernando Meirelles. Sucesso de público e 4 indicações ao Oscar.

Ensaio Sobre a Cegueira – Essa produção internacional, também comandada por Fernando Meirelles, foi assistida e aprovada pelo autor do livro na qual é baseada, José Saramago. No elenco, estrelas de Hollywood, como Julianne Moore e Mark Ruffalo.

Abril Despedaçado – Em 2001, o diretor Walter Salles fez sua leitura do romance do escritor albanês Ismail Kadaré. Ele transporta a ação para o interior do Nordeste, contando com a excelente interpretação de Rodrigo Santoro para contar aquela história de violência.

Ainda Estou Aqui – O filme que trouxe o primeiro Oscar para o Brasil é uma adaptação do livro de mesmo nome, de Marcelo Rubens Paiva. A história de Eunice Paiva, mãe do autor, também rendeu o Globo de Ouro de Melhor Atriz em Drama para Fernanda Torres.

Ninho de Periquitos – Um dos melhores contos do volume Tropas e Boiadas, do autor goiano Hugo de Carvalho Ramos, foi adaptado sob a direção de Wilmar Ferraz. O ator Chico Diaz interpreta o sertanejo que precisa tomar uma decisão drástica para se salvar.

O Tronco – O romance histórico escrito por Bernardo Élis, único autor goiano a ingressar na Academia Brasileira de Letras, foi adaptado pelo cineasta João Batista de Andrade. O conflito sangrento que a história conta foi filmado em Goiás, com atores daqui e de fora.&nbsp;

Veias e Vinhos – O mesmo João Batista de Andrade transpôs para o cinema o romance de Miguel Jorge que retrata um dos crimes mais famosos e cruéis da história de Goiânia: a chacina da família Matteucci, quando um casal e 4 filhos pequenos foram assassinados.

A Enxada – Conto de grande poder simbólico escrito por Bernardo Élis foi transformado em filme por Iberê Cavalcanti, com Lucélia Santos e Stepan Nercessian no elenco. A narrativa mostra a opressão contra trabalhadores rurais, iconizada no seu instrumento de trabalho.

As Tranças de Maria – Uma das obras mais bonitas de Cora Coralina, ela foi adaptada para o cinema por Pedro Carlos Rovai, com roteiro de Miguel Borges. Patrícia França vive a protagonista da obra e as tomadas foram gravadas na cidade de Goiás.

Do livro ao cinema: adaptações de clássicos reacendem debate

Ficou melhor ou pior?

Veja os filmes em cartaz nos cinemas de Goiânia e Aparecida (26/2 a 4/3)

Grade de cinema

Qual o rosto mais assustador do cinema? O sorriso congelado de um palhaço, a expressão fria de um psicopata ou aquela máscara branca, de boca escancarada em um grito eterno. Há 30 anos, quando o primeiro filme chegou às telonas, Pânico transformou o terror adolescente em fenômeno mundial sem perder o fôlego. Ghostface está de volta no sétimo capítulo da franquia, que entra em pré-estreia nesta quarta-feira (25), nas salas de Goiânia e Aparecida.

Mais do que sustos, Pânico reinventou o slasher ao brincar com as próprias regras de um dos gêneros mais amados pelo público, e fez do Ghostface um dos ícones mais reconhecíveis da cultura pop. Entre telefonemas ameaçadores, perseguições e reviravoltas, o assassino mascarado construiu uma identidade própria: violenta, sarcástica e metalinguística. Juntando o faturamento dos seis filmes, dá quase um bilhão de dólares, num orçamento que não soma nem 200 milhões.

Sob direção de Kevin Williamson, criador da franquia ao lado do mestre do terror Wes Craven, que morreu em 2015, Pânico 7 chega três anos após o último capítulo e marca o retorno de Neve Campbell ao papel de Sidney Prescott. Na trama, anos depois de deixar Woodsboro, a protagonista leva uma vida tranquila em uma nova cidade, ao lado da filha, vivida por Isabel May. Mas a paz chega ao fim quando um novo Ghostface surge e transforma a jovem em alvo.

O filme também promove retornos que dialogam diretamente com a mitologia da franquia. Matthew Lillard reaparece como Stu Macher, um dos assassinos originais do primeiro Pânico, personagem que marcou os anos 1990 com seu humor caótico e violência imprevisível. Já Scott Foley volta ao universo da saga como Roman Bridger, o vilão do terceiro longa e responsável por uma das revelações mais controversas da série. Ainda não há detalhes de como o retorno deve acontecer, já que ele foi dado como morto ao final da trama.

Para assistir ao sétimo filme, talvez não seja necessário uma maratona, o ideal é entender uma regra básica da franquia: a máscara muda, mas o jogo é sempre o mesmo. Desde 1996, diferentes assassinos assumiram a identidade de Ghostface para promover ondas de crimes inspiradas em filmes de terror e, quase sempre, ligadas ao passado de Sidney Prescott. A cada capítulo, amigos, namorados e familiares se revelaram por trás do disfarce, transformando a desconfiança em peça-chave da narrativa. O mascarado nunca é apenas um assassino, mas um símbolo que pode ser encarnado por qualquer um. Vem daí sua imortalidade.

SAIBA MAIS

INSUBSTITUÍVEL&nbsp; 
Presente desde o primeiro filme, a atriz Courteney Cox, que vive a jornalista Gale Weathers, é a única do elenco original que participou de todos os longas da franquia.&nbsp;

RETORNO&nbsp; 
“Hello, Sidney!” A ligação mais icônica do terror slasher está de volta. Neve Campbell retorna como Sidney Prescott em Pânico 7, depois de ficar fora do sexto filme. O reencontro com Ghostface promete reacender o legado da personagem que virou símbolo da franquia.&nbsp;

ESTREIA NA DIREÇÃO 
Pela primeira vez, Kevin Williamson, criador da franquia ao lado de Wes Craven (1939–2015), assume a direção de um filme da saga.&nbsp;

Ghostface está de volta no sétimo capítulo da franquia

Pânico 7

O longa norueguês Valor Sentimental é hoje o grande adversário de O Agente Secreto na categoria de Melhor Filme Internacional no Oscar. A vitória no Bafta, principal prêmio britânico, não apenas fortalece a campanha do filme dirigido por Joachim Trier, como também equilibra a corrida pela estatueta, que até então parecia inclinar-se a favor do título comandado por Kleber Mendonça Filho, após o triunfo no Globo de Ouro. A votação final dos membros da Academia começa quinta-feira (26) e segue até 5 de março, enquanto a cerimônia de entrega acontece em 15 de março.Apesar de também concorrerem o franco-iraniano Foi Apenas um Acidente, o tunisiano A Voz de Hind Rajab e o espanhol Sirât, a disputa pela estatueta se concentra entre O Agente Secreto e Valor Sentimental. O principal indicativo dessa polarização é o fato de que ambas as produções também garantiram espaço na categoria principal, de Melhor Filme, feito que as coloca oficialmente entre as dez obras mais votadas do ano pelos mais de 10 mil membros da Academia. Na prática, isso reduz o fôlego dos demais concorrentes e transforma a corrida em um duelo direto entre Brasil e Noruega.Ganhar o Globo de Ouro, como foi o caso de O Agente Secreto, não garante o favoritismo ao Oscar, já que os votantes são distintos, mas coloca o filme no centro do radar da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, o que amplia sua visibilidade na fase decisiva da campanha. O mesmo raciocínio se aplica a Valor Sentimental, impulsionado pela vitória no Bafta. Embora nenhum desses prêmios seja determinante por si só, ambos funcionam como importantes termômetros da temporada e ajudam a consolidar a percepção de força junto à indústria hollywoodiana.O Agente Secreto passou pelo mesmo problema de Ainda Estou Aqui no Bafta em 2025 - que perdeu para Emilia Pérez. O longa brasileiro estreou no Reino Unido apenas na última sexta-feira (20), quando as votações finais já haviam sido encerradas, no dia 17, o que naturalmente limita o alcance junto aos eleitores britânicos e reduz o impacto de uma possível mobilização de última hora. Por outro lado, Valor Sentimental chegou aos cinemas britânicos em 26 de dezembro, cumprindo uma janela estratégica importante para a temporada. A briga entre eles promete ser acirrada nesta reta final.O Oscar será o tira-teima entre os dois filmes. No Globo de Ouro, O Agente Secreto venceu Valor Sentimental na categoria de Melhor filme em língua não-inglesa. Já no Bafta, o brasileiro foi superado. No Oscar, o norueguês foi indicado a nove categorias, frente a quatro do título de Kleber Mendonça Filho (Filme, Internacional, Escalação de Elenco e Ator, para Wagner Moura), o que indica uma boa vontade de Hollywood. Por outro lado, o brasileiro vem com uma carreira bem-sucedida nas premiações, tendo vencido o Critics Choice e o Independent Spirits Awards.O Agente Secreto estreou mundialmente em maio de 2025 e chegou aos cinemas brasileiros no início de novembro e segue em cartaz nas salas de Goiânia e Aparecida. Na carreira, são mais de 50 prêmios e diversos elogios da mídia especializada internacional. Na trama, no Brasil de 1977, Armando (Wagner Moura) se junta a um grupo de refugiados no Recife após ser ameaçado de morte por um empresário ligado ao governo. Com outra identidade (Marcelo), ele busca respostas do seu passado e luta para sobreviver.Já Valor Sentimental estreou mundialmente no Festival de Cannes, em 2025, onde foi ovacionado pelo público. No evento, também conquistou o Grand Prix, o segundo maior prêmio da mostra - O Agente Secreto levou de Diretor e Ator. A narrativa acompanha o retorno de Gustav Borg (Stellan Skarsgård), um cineasta renomado, à sua cidade natal após a morte da mãe, e seu encontro com as duas filhas com quem tinha uma relação distante. A trama retrata o impacto da ausência paterna, as feridas familiares que se abrem após uma perda significativa e os caminhos para a reconciliação. O longa está em exibição nos cinemas de Goiânia.