Rogério Borges

A distância entre Roma e o balneário litorâneo de Ostia é pequena. São menos de 30 km que podem ser cumpridos por caminhos cheios de atrativos. Quem sai do Centro da capital italiana pode pegar a lendária Via Ostiense, que já ligava, milênios atrás, a sede do Império Romano ao seu principal porto no Mar Tirreno, na outrora Ostia Antica. O viajante passa pela Porta São Paulo, um dos limites da Roma Murada, com sua inequívoca pirâmide (monumento tumular do general Caio Céstio, construído entre os anos 18 e 12 antes de Cristo), ao lado do cemitério onde repousam os escritores John Keats e Antônio Gramsci, entre outros. Logo à frente está a Igreja de São Paulo Fora dos Muros, uma das quatro basílicas papais, e que marca o local onde o apóstolo Paulo foi assassinado e sepultado.

Na noite ou madrugada de 2 de novembro de 1975, um automóvel fez esse percurso rumo à tragédia. Era o carro do cineasta e poeta italiano Pier Paolo Pasolini, um dos gênios criativos mais inquietos de sua geração e um dos homens mais controversos de seu tempo. Anticlerical, antifascista, antinormas de qualquer natureza, era um homem que desafiava padrões com sua arte e sua forma de viver. O Alfa Romeo, modelo 2000 GT, teria um papel importante na cena do assassinato de seu proprietário, que por volta das 22h30 da véspera, 1º de novembro, foi visto nas proximidades da principal estação ferroviária de Roma, o Termini, conhecida zona de prostituição daquela época. Um jovem garoto de programa teria entrado no automóvel de seu cliente e o desfecho notório seria conhecido no dia seguinte.

O corpo de Pasolini foi encontrado na Praia de Ostia, com ferimentos brutais. Segundo a perícia constatou na ocasião, ele foi espancado, possivelmente por mais de uma pessoa, e depois atropelado com seu próprio automóvel. O acusado pelo crime foi identificado como um michê de 17 anos, chamado Giuseppe Pelosi, também conhecido como Pino. Detido, ele alegou que Pasolini tentara manter relações sexuais pouco ortodoxas, usando um pedaço de madeira para sodomizá-lo. Ainda segundo a versão do assassino confesso, ele se defendeu com o próprio objeto com o qual era ameaçado, acertando o diretor na cabeça e depois fugindo no carro, tendo passado por cima do cadáver involuntariamente. Muitas contradições sobre o crime continuaram pendentes, entretanto.

A versão de Pioli não batia exatamente com os sinais encontrados no exame cadavérico. Pasolini não morreu com uma simples pancada na cabeça. Havia muitas outras marcas de agressão no corpo, indicando que houve um espancamento. Outras pistas surgiram com o tempo e as novas tecnologias disponíveis. Em 2010, exames constataram nas provas arquivadas que existiam traços de DNA de pelo menos três indivíduos diferentes na cena do assassinato, pessoas que nunca foram identifcadas. O próprio Pino Pelosi, que foi condenado em 1976 a nove anos de prisão pelo crime, declarou, em 2005, ter sido coagido a confessar o homicídio, já que sua família estava sendo ameaçada. Ele morreu em 2017 sem indicar quem seriam os verdadeiros assassinos, mas chegou a dizer que eram três.

A família do cineasta nunca acreditou na versão do encontro sexual que terminou em sangue. Duas hipóteses são levantadas contra essa narrativa. A primeira é a de que ele caiu em uma emboscada do grupo fascista Banda Della Magliana, uma espécie de milícia de extrema-direita que também prestava serviços para a máfia italiana. Pasolini era um dos intelectuais mais ativos no combate a esse espectro político, escrevendo em jornais e dando entrevistas para alertar sobre os crimes cometidos dos que eram nostálgicos do fascismo de Mussolini. Outra possibilidade seria uma chantagem. Cópias de uma de suas obras-primas, Saló ou os 120 Dias de Sodoma, filme que ele estava finalizando naquele período, teriam sido roubadas e o diretor tentou negociar seu resgate na noite fatídica.

Apesar de pedidos de parentes e fãs do diretor e das declarações de testemunhas e do próprio assassino confesso de que a morte de Pasolini não teria sido da forma como se acreditava, o Ministério Público da Itália negou o pedido para reabrir o caso em 2023, alegando não haver evidências fortes o suficiente para uma nova investigação. Aos poucos, a ideia de que o assassinato foi um crime político em uma Itália então conflagrada por grupos extremistas de direita e de esquerda, que praticavam sequestros e execuções com bastante regularidade, foi se sedimentando. Naquela madrugada em Ostia, não houve testemunhas oculares do que aconteceu na praia. O corpo só foi encontrado de manhã, de bruços, ensopado de sangue, em uma parte da faixa de areia sem construções próximas.

Aos 53 anos de idade, terminava, da forma mais violenta possível, uma trajetória que ainda teria muito a dar para a cultura italiana e mundial, uma vez que seus trabalhos já eram conhecidos em vários países. Títulos como Teorema e suas versões particulares para clássicos como Decamerão, de Boccaccio, Medeia, uma das principais peças trágicas da Grécia Antiga escrita por Eurípedes, e Os 120 Dias de Sodoma e Gomorra, do Marquês de Sade, marcavam uma assinatura muito própria de um homem que não conseguia ver o cinema fora do diálogo com a poesia literária. Um gênio que, em suas criações, não conhecia tabus. Em um enredo que envolveu violência e sexo, ingredientes com os quais trabalhou tantas vezes em sua arte, Pasolini chocou o mundo com sua partida abrupta.

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Controvérsia era com ele mesmo

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Saló ou os 120 Dias de Sodoma: uma das obras-primas de Pasolini (Divulgação)

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No aparente caos, ele construía mundos que faziam sentido em seu imaginário cheio de simbologias, ousadias e alegorias. Sabia promover rupturas e contestar paradigmas. Este era Pier Paolo Pasolini, diretor que fazia parte daquele grupo que costuma ser definido como “maldito”, mas que extrapola em muito esse tipo de adjetivo redutor. Maldito para quem, cara pálida? Talvez para os mais conservadores e ortodoxos. Talvez para os que não admitiam seus próprios pensamentos secretos. Certamente para os reacionários de plantão. Quem sabe digam que caiu sobre a cabeça do cineasta pecador a fúria divina no momento em que ele foi trucidado meio século atrás. Que esse pessoal fique com suas teorias e maldições. A melhor opção sempre será extrair de Pasolini o que ele tem de frescor.

Em uma dissertação de mestrado defendida na Universidade Federal de Minas Gerais, chamada Pier Paolo Pasolini: O Cinema como Língua Escrita da Ação, o pesquisador Adão Fernandes da Silva destaca o quão vanguardista foi o diretor italiano. “Talvez nenhum outro cineasta do século 20 esteve tão ligado à literatura quanto Pier Paolo Pasolini. Prova disso é o conjunto de sua obra, criada a partir de roteiros originais baseados em suas próprias obras ou em clássicos da literatura universal”, sublinha. “Ao mesmo tempo, Pasolini foi um pioneiro, um autor multimídia, no sentido mais moderno do termo, e o cineasta italiano que mais mereceu, mesmo antes de sua morte, em 1975, o maior número de estudos, muitos deles marcados por uma curiosidade mórbida pelos aspectos escandalosos de sua vida.”

O homem e a obra mesclavam-se na forma como eram interpretados por um público que foi se acostumando a se espantar a cada filme. O mais ousado deles, sem dúvida, foi o último, aquele que a morte violenta lhe privou de lançar. Saló ou os 120 Dias de Sodoma estava finalizado quando o assassinato do diretor aconteceu e é um libelo contra o fascismo, já que os personagens perversos e pervertidos do livro Os 120 Dias de Sodoma, do Marqués de Sade, são retratados como partidários dessa linha política da extrema-direita. Claro que todos já sabiam da produção enquanto era feita e essa associação provocava a fúria dos radicais, o que se confirmou quando o filme foi lançado, apenas três semanas após a morte do diretor. A questão é que Pasolini não economizou nas cenas mais fortes possíveis.

Como está no livro, as vítimas dos libertinos eram adolescentes, meninos e meninas inocentes que são sequestrados para serem seviciados e depois massacrados por seus algozes asquerosos. A desumanização fetichista dos acontecimentos que se passam na mansão onde as autoridades da República de Saló, de Mussolini, mantêm esses 16 jovens, transformados em escravos e escravas sexuais, é explícita e leva às consequências mais trágicas. Com pleno domínio narrativo da linguagem cinematográfica, Pasolini ousa ao dividir a história em quatro segmentos que dialogam com outra obra clássica, A Divina Comédia, de Dante Alighieri. Nesse deslocamento de tempo e espaço, no qual permanece o sadismo como fio condutor das ações, Pasolini equipara o fascismo ao inferno.

A controvérsia, portanto, estava na essência daquele criador que quase não era visto com um sorriso no rosto. Seus traços angulosos denotavam uma seriedade quase intimidadora. Expressão taciturna que guardava um vulcão de desejos. O cinema e a literatura foram os meios que encontrou para dar vazão a toda essa potência em praça pública. Não lhe interessava contar histórias convencionais, conduzir obras insípidas ou padronizadas. Cada novo filme, cada novo livro precisava ser um acontecimento. E eram. O erotismo, a beleza dos corpos, a interação sem pudores entre os seres que transitavam em suas histórias eram marcas constantes. É assim na sua leitura das Mil e Uma Noites, de 1974. É assim em sua adaptação de Os Contos de Canterbury, de Chaucer, filmada em 1972.

Uma de suas produções mais cultuadas e referenciadas é Teorema, de 1968. O enredo é uma verdadeira maratona de sedução. O protagonista, vivido pelo excelente Terence Stamp – ator magnífico que nos deixou recentemente –, é um visitante misterioso que ao chegar ao seio de uma típica família burguesa de Milão começa a desarranjar aquela estrutura frágil, que só se sustentava por meio da hipocrisia e do temor em viver suas fantasias. Ele, então, inicia tórridos casos amorosos com literalmente todos os membros da casa: a mãe, o pai, o filho, a filha e a empregada. Ninguém escapa de seu poder hipnótico. Para uma sociedade católica, a produção foi vista como uma provocação contra a tradicional família cristã. E na verdade era mesmo. Pasolini era um provocador nato.

A superficialidade das altas classes, o falso puritanismo, a vontade de certos agentes públicos e sociais de impor condutas aos outros eram alguns dos alvos preferenciais de Pasolini. Para tanto, ele atualizava clássicos, deixava textos de séculos atrás mais contemporâneos para poder tecer suas críticas ácidas à sociedade na qual estava inserido. Sua comédia baseada nas narrativas de Decamerão, de Boccaccio, é um exemplo dessa dinâmica. E nem mesmo os textos bíblicos eram poupados. O filme O Evangelho Segundo São Mateus, de 1964, conta a história de Jesus e de como ele conseguiu reunir seguidores. Não há nada de profano na obra, mas o Vaticano ficou bastante desconfiado. Afinal, era Pasolini, militante marxista, homossexual assumido, anticlerical e ateu.

Por incrível que pareça, de todos os atritos que o diretor teve com a Cúria Romana – e não foram poucos –, o menos ruidoso foi exatamente com este filme. A recepção inicial da Igreja foi fria e até crítica, mas o tempo cuidou de mudar um pouco essa percepção. Hoje a obra é discutida até mesmo em espaços católicos, como comprova um debate sobre o filme que está disponível na página do Instituto Humanitas, da Universidade do Vale dos Sinos (Unisinos), Rio Grande do Sul, instituição confessional jesuíta. No conteúdo, a produção é chamada de “obra-prima sagrada de Pasolini”. Possivelmente o diretor dispensaria o elogio, mas ele sabia que todo filme é uma proposta e cada qual pode refutá-la ou aceitá-la ao seu modo. Talvez ele fizesse apenas uma recomendação nessa relação: exerça sua liberdade!

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O combate como filosofia

A liberdade absoluta de Pier Paolo Pasolini em relação ao que produzia passava por ignorar dogmas de qualquer espécie, sobretudo aqueles que vinham de uma certa cidade-Estado que ele, como habitante de Roma, via diariamente. O fascismo, como regime totalitário que busca controlar todo mundo em todos os aspectos, subtraindo a identidade e a autonomia, tinha companhia nas críticas do diretor e autor: a Igreja Católica. Ele percebia uma lógica próxima entre as duas correntes, ambas vistas como tributárias de um conservadorismo – quando não de linhas reacionárias – que vigiava e punia. Um poder que se exercia em comunhão com as altas classes econômicas, em um ambiente hipócrita, já que os que ditavam as regras costumavam não praticar exatamente o que pregavam.

No seu livro Escritos Corsários, lançado no ano de sua morte e que reúne diversos artigos e ensaios que escreveu na imprensa italiana, Pasolini dedica vários momentos e desancar os movimentos de direita e o Vaticano. Não à toa foi perseguido pela Igreja. Um dos textos, A ignorância Vaticana como Paradigma da Ignorância da Burguesia Italiana, contém uma polêmica explícita contra a DC, a Democracia Cristã, um dos principais partidos da Itália na época, de centro-direita. Com todas as letras, Pasolini chama a agremiação, ligada à Igreja Católica, de fascista, atacando uma dezena de líderes políticos de maneira frontal. Em outro, compara conservadores italianos ao presidente Richard Nixon, dos EUA, que pouco tempo antes havia renunciado ao cargo na esteira de um escândalo de espionagem.

Pasolini não escrevia apenas textos combativos, sendo capaz também de produzir obras de grande lirismo, mas geralmente com um tom melancólico. Seus versos atestam isso. No livro A Poesia é Uma Mercadoria Inconsumível, ele reflete: “Por que existe a poesia lírica? Porque só eu, e mais ninguém no meu lugar, sei quais são as longas tradições da dor que nasce da cor do ar que escurece; a tarde e as nuvens anunciam, juntas, a noite e o Inverno. Que olhos se enchem desta triste luz a não ser os meus?” Em outro, garantia: “Temos de queimar para chegarmos/ consumidos ao derradeiro fogo.” Sua preocupação com “vitórias fascistas” nunca deixaram de figurar em suas palavras, ditas e escritas, assim como sua paixão pela arte e pela beleza, mesmo que admitisse que o belo poderia ser temerário.

Incensado como um dos grandes cineastas europeus, a morte violenta eclipsou seu legado por algum tempo. Depois, quando as circunstâncias terríveis do assassinato foram deixando de ser tão destacadas, sua obra ganhou a chance de ressurgir da forma que merecia. Hoje Pasolini recebe várias homenagens e mesmo o governo de extrema-direita como o da Itália atual não deixou de tomar providências para preservar a memória do cineasta antifascista. Seu apartamento em Roma foi restaurado para receber visitantes que louvam sua carreira e sua personalidade. Já a Editora Cosac vai lançar para o público brasileiro uma coleção com peças de teatro de Pasolini. Por sua vez, o selo sobinfluência publicou neste ano o roteiro de uma obra inacabada do cineasta, chamada Porno-Teo-Kolossal. Título, definitivamente, bem Pasolini.

Há 50 anos, o assassinato de Pier Paolo Pasolini marcou para sempre o cinema e a Itália

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O homem e sua hora

Desde sua estreia arrebatadora no Festival de Cannes, O Agente Secreto, novo longa-metragem de Kleber Mendonça Filho, tem sido o assunto da vez no circuito internacional. O filme, protagonizado por Wagner Moura, transformou o Recife (PE) dos anos 1970 num palco de espionagem, paranoia e poder. O filme ganha pré-estreia em cinemas de Goiânia neste sábado (25). Ambientado em plena ditadura militar, a produção acompanha Marcelo, um técnico em eletrônicos que tenta se esconder durante o Carnaval e acaba mergulhando num labirinto de vigilância e segredos.

O sucesso foi imediato. Em Cannes, o longa saiu como o mais premiado da edição de 2025, conquistando os troféus de Melhor Diretor, Melhor Ator e o Prêmio da Crítica. O feito colocou Mendonça Filho, já reverenciado por Bacurau (2019) e Aquarius (2016), de volta ao centro das atenções, consolidando seu nome entre os diretores mais respeitados da atualidade.

Com fotografia densa, ritmo hipnótico e diálogos cortantes, o longa cria uma atmosfera que parece pulsar entre o real e o delírio. Críticos internacionais chamaram o filme de “um thriller político hipnotizante e visualmente magistral”, destacando o trabalho de Wagner Moura, que entrega uma de suas atuações mais contidas e intensas.

Agora, o filme começa uma nova fase: a corrida pelo Oscar 2026. Escolhido pela Academia Brasileira de Cinema para representar o País na categoria de Melhor Filme Internacional, O Agente Secreto surge como uma das apostas mais fortes do Brasil nos últimos anos. A campanha internacional será conduzida pela distribuidora americana Neon, a mesma por trás de sucessos como Parasita (2019) e Titane (2021), um reforço de peso para aumentar o alcance da produção.

A confiança é compartilhada pelos próprios realizadores. Em entrevistas recentes, Wagner Moura afirmou acreditar na força universal do filme: “É uma história sobre medo e vigilância, mas também sobre humanidade. Acho que o mundo vai se reconhecer nesse Brasil que o Kleber filmou.” A repercussão positiva em festivais e o crescente interesse do público internacional reforçam essa sensação de que o longa atravessou fronteiras.

Se o Oscar é um jogo de visibilidade e timing, O Agente Secreto parece estar no momento certo. Mais do que um filme sobre o passado, ele fala sobre o presente - sobre os ecos da vigilância, o poder da imagem e o custo da liberdade. E, se depender do talento de Kleber Mendonça Filho e Wagner Moura, o Brasil pode, mais uma vez, chegar à cerimônia de Hollywood não como coadjuvante, mas como protagonista.

Corrida

Com o sucesso internacional, O Agente Secreto também reacendeu uma conversa importante sobre o lugar do cinema brasileiro no mundo. Há quem diga que o filme inaugura uma nova fase da produção nacional - mais ambiciosa, mais política e ao mesmo tempo mais acessível ao público global.

Entre premiações, aplausos e análises, O Agente Secreto vai se consolidando como um marco do cinema brasileiro recente - um filme que mistura forma e conteúdo com elegância típica do cineasta. Sua força está no equilíbrio entre o entretenimento e a crítica, na capacidade de prender o público e, ao mesmo tempo, provocar reflexão.

Se o Oscar for apenas mais um capítulo dessa trajetória, tudo bem: o verdadeiro prêmio já está em ver o Brasil, mais uma vez, contar uma história que o mundo quer escutar, assim como foi feito em Ainda Estou Aqui (2024).

Estante de prêmios&nbsp;

O Agente Secreto vem colecionando prêmios e confirmando seu status de fenômeno cinematográfico. Desde sua estreia, o longa conquistou o público e a crítica, levando importantes troféus em festivais internacionais, como o Leão de Ouro em Veneza e o Globo de Ouro de Melhor Filme Dramático. A atuação do protagonista e a direção (elogiada pela precisão estética e pela construção de suspense) renderam ainda prêmios individuais, consolidando o filme como um dos favoritos na corrida pelo Oscar.

Além do reconhecimento internacional, o filme também tem se destacado nas premiações técnicas, arrebatando estatuetas por fotografia, trilha sonora e design de produção. O trabalho minucioso de recriar cenários e atmosferas densas, aliado à trilha envolvente que conduz o espectador em cada virada da trama, tem sido amplamente celebrado. O filme virou referência de excelência estética e narrativa, aparecendo entre os mais indicados em praticamente todas as listas da temporada.

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O diretor e o ator

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Divulgação (Laura Castor/Divulgação)

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Kleber Mendonça Filho e Wagner Moura formam hoje uma das duplas mais potentes do cinema brasileiro contemporâneo. Um vem da crítica e da câmera, o outro do palco e da atuação, mas ambos compartilham uma inquietação no audiovisual do País. Suas trajetórias, embora distintas, se encontram na vontade de narrar o Brasil com complexidade, feito que tem ecoado também fora das fronteiras da América Latina.

O cineasta Kleber Mendonça Filho começou sua carreira no Recife, como crítico de cinema e programador, antes de se lançar na direção. Seus primeiros curtas já revelavam um olhar autoral e uma sensibilidade para o cotidiano urbano e suas tensões. É dele, por exemplo, Vinil Verde (2004), que rodou por diversos festivais nacionais e internacionais, a exemplo da Goiânia Mostra Curtas.

Com O Som ao Redor (2012), Kleber conquistou o mundo: o filme foi aclamado em festivais internacionais e apontado pelo New York Times como um dos melhores do ano. Depois vieram Aquarius (2016), com Sônia Braga em um papel icônico, e Bacurau (2019), uma parceria com Juliano Dornelles que se transformou em símbolo de resistência política e sucesso global. O cineasta já esteve em Goiás durante o Festival Internacional de Cinema e Vídeo Ambiental (Fica).

Já Wagner Moura construiu sua reputação como um dos atores mais versáteis de sua geração. Do teatro baiano às novelas da Globo, o profissional se consolidou como dono de uma interpretação ora dramática, ora cômica, como Olavo de Paraíso Tropical (2007), novela de Gilberto Braga para a TV Globo. Seu papel como Capitão Nascimento em Tropa de Elite (2007) marcou uma geração. Moura expandiu suas fronteiras e brilhou em produções internacionais como Narcos (2015), da Netflix, e mostrou talento também por trás das câmeras, dirigindo Marighella (2021).

O encontro artístico entre Kleber e Wagner era quase inevitável. Quando anunciaram que trabalhariam juntos em O Agente Secreto, o projeto já nasceu cercado de expectativa. Fora das telas, ambos são vozes ativas nas discussões sobre cultura, liberdade e representatividade no audiovisual. Kleber é um defensor da preservação do cinema nacional e das políticas públicas para a área, enquanto Wagner tem usado sua visibilidade para levantar debates sobre a democracia.

“Eu tenho tido muita sorte de ter meus filmes em lugares muito prestigiosos pelo mundo. O Agente Secreto é um dos filmes com maior força desde o Festival de Cannes”, comentou Kleber Mendonça em coletivas de imprensa. “Teve uma reação incrível da imprensa internacional e saiu premiado como Melhor Diretor e Melhor Ator, com o Wagner Moura, e o prêmio da crítica internacional. O filme só vem crescendo em prestígio e força”, destaca.

Força do elenco

O elenco de O Agente Secreto é um dos grandes trunfos do filme, reunindo nomes de peso do cinema brasileiro em atuações marcantes. À frente, Wagner Moura interpretando um homem dividido entre o dever e a consciência. Ao seu lado, Alice Braga brilha em um papel de força e mistério, enquanto Seu Jorge e Gabriel Leone completam o time com interpretações carregadas de nuances. Há ainda nomes como Maria Fernanda Cândido, Udo Kier, Gabriel Leone e Thomás Aquino. A combinação de talentos equilibra experiência, carisma e entrega.

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Cinco atos de Kleber Mendonça Filho

1. Vinil Verde (2004)

Curta-metragem experimental, Vinil Verde mistura fábula e estranhamento. A história, contada com atmosfera onírica e tons surrealistas, já anunciava o olhar singular de Kleber para o cotidiano e o inconsciente. Pode ser visto no Youtube.

2. Recife Frio (2009)

Nesse falso documentário, o diretor imagina a capital pernambucana sob um clima gelado e melancólico. O humor sutil e a crítica social se entrelaçam, revelando uma Recife transformada e, ao mesmo tempo, profundamente reconhecível. Disponível no Prime Video.

3. O Som ao Redor (2012)

Primeiro longa-metragem de Kleber, foi um marco do cinema nacional. O filme retrata as tensões de classe e poder em um bairro de classe média do Recife, combinando suspense e realismo social em um retrato incômodo e preciso do Brasil urbano. Está no catálogo do Telecine.

4. Aquarius (2016)

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Divulgação (Divulgação)

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Com Sônia Braga em uma das atuações mais poderosas de sua carreira, Aquarius acompanha uma mulher que resiste à venda de seu apartamento frente à especulação imobiliária. O filme é um grito elegante sobre memória, resistência e dignidade e pode ser assistido na Netflix.

5. Bacurau (2019)

Co-dirigido com Juliano Dornelles, Bacurau mistura faroeste, ficção científica e crítica política em uma narrativa vibrante e imprevisível. Vencedor do Prêmio do Júri em Cannes, o longa consolidou Kleber como uma das vozes mais ousadas do cinema mundial. Está disponível no Globoplay.

'O Agente Secreto' ganha pré-estreia neste sábado (25) nos cinemas de Goiânia

Cinema

Não foram poucas as vezes em que Frankenstein, o clássico gótico da inglesa Mary Shelley, inspirou cineastas a adaptar o romance para as telas. Em geral, a história do cientista que sonha criar um homem imortal, mas acaba gerando um monstro, costuma compreensivelmente render filmes de horror. Mas não parece ter sido o caso do diretor mexicano Guillermo del Toro, cuja versão fílmica de Frankenstein está em cartaz nos cinemas e, no dia 7 de novembro, na Netflix. O cineasta prefere referir-se ao longa como um “filme de família”.“Eu o vejo assim: uma história sobre ser pai e ser filho”, disse o cineasta, no último Festival de Veneza, em setembro, quando apresentou o longa a jornalistas. “Por definição de gênero, seria de fato um filme de terror ou ficção científica. Eu adoro e produzo obras assim, não tenho problemas com isso, mas o que tento fazer é tornar essas histórias bem pessoais e biográficas.”Del Toro diz que sua versão para a trama de Shelley tem muitos traços de sua própria vida. Na história que ele apresenta, Victor Frankenstein foi criado por um pai severo e se torna um cientista obcecado com a ideia de criar um ser humano em laboratório. Junta pedaços de pessoas mortas, aplica a eles um tipo de energia vital e consegue o impossível: faz surgir uma criatura quase humana, embora com traços de monstruosidade.Mas o “pai” do novo ser logo o renega, achando que suas imperfeições eram maiores do que suas virtudes. O “filho” entra em conflito com quem o trouxe ao mundo, reproduzindo a relação que o próprio cientista havia tido com seu pai.“Se eu tivesse realizado o filme quando tinha menos de 40 anos, teria feito uma obra sobre a relação entre mim e meu pai, de certa forma. Aí teria sido o filme de um ‘filho’. Mas meus próprios filhos nasceram, então fui parando de me comportar como o ‘filho do meu pai’ e passando a ser ‘o pai dos meus filhos’. Então foi melhor fazer agora”, diz Del Toro, que já tinha a ideia de adaptar a obra havia décadas.Sua versão faz várias alterações no texto que Shelley publicou em 1818. A começar pelo pai de Victor, que no livro era um homem afável e bondoso, mas que no longa é bastante violento e exigente. Isso explica uma espécie de jogo de espelhos entre pai, filho e a criatura.“Esse é um livro e um mito que está enraizado em mim desde que eu era criança. Ele define quem eu sou. Quanto mais você sabe sobre Mary Shelley, mais percebe que o romance é profundamente autobiográfico, então pensei que o único compromisso que poderia ter assumido é o de tornar o filme profundamente autobiográfico”, afirma Del Toro.O cientista é vivido por Oscar Isaac, que faz um personagem menos amargurado e um bocado mais perverso do que o do livro. A produção andava a todo vapor quando o astro que interpretaria o monstro, Andrew Garfield, abandonou o projeto, priorizando outro compromisso. O papel ficou com Jacob Elordi, que mal podia imaginar a trabalheira que teria em suas poucas semanas de preparo.Para começar, havia a complexidade natural do personagem, que traz uma alta dose de doçura e inocência, mas também uma imensa revolta - ele precisa, ainda, passar por um processo de aprendizado até de locomoção, de um ser que vem ao mundo com partes do corpo já calejadas, mas com falta de conhecimento sobre como articulá-las, como se fosse um bebê.“A criatura traz em si dor, esperança, sofrimento e alegria extrema, tudo ao mesmo tempo. Tudo isso em cada pequeno músculo que tem nos dedos dos pés, atrás do globo ocular, na alma. Como você transforma isso em algo físico? Eu trabalhei com um ótimo treinador de butô, que é uma espécie de dança dos mortos japonesa”, conta o ator.Elordi também mostra que ver cinema mudo o ajudou bastante. “Prestei muita atenção aos gestos dos atores nesses filmes, porque eles tinham que contar a história toda com seus movimentos. Teve ainda o casaco do personagem, a maneira como as próteses pesavam e puxavam para trás. De alguma forma, tudo meio que se encaixou.”

Guillermo del Toro diz que seu Frankenstein é drama autobiográfico de pai e filho

Criador e criatura

Programação: confira as estreias da semana nos cinemas de Goiânia e Aparecida

A chegada de Mauricio de Sousa – O Filme aos cinemas, nesta quinta-feira (23), é um marco das comemorações pelos 90 anos de um dos maiores nomes da cultura brasileira. O longa, dirigido por Pedro Vasconcelos, revisita a vida do criador da Turma da Mônica desde a infância em Mogi das Cruzes (SP) até a consolidação da MSP Estúdios, em uma narrativa que mistura emoção, humor e a sensibilidade de quem transformou sonhos em profissão.

O lançamento é apenas parte de uma extensa celebração, que inclui exposições, relançamentos de gibis históricos e homenagens públicas. O aniversário é no dia 27. Protagonizado por Mauro Sousa, filho do cartunista, o filme adota um tom íntimo e afetuoso. Mauro interpreta o pai nas fases jovem e adulta, reforçando a natureza familiar do projeto.

“Ver a vida dele retratada no cinema, ainda mais interpretado pelo meu irmão Mauro, é muito emocionante. Acho que minha ficha ainda não caiu. Não assisti ao filme; vou ver na pré-estreia, junto com toda a família, a pedido do Mauro, que quis que fosse um momento especial. Estou com a expectativa lá em cima e já me sinto emocionada, porque é uma homenagem linda a um homem de 90 anos que marcou a vida de tantos brasileiros”, explicou Marina Sousa, diretora-executiva da MSP e filha mais nova de Mauricio, em entrevista ao POPULAR.

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Marina Sousa: “O simples fato de eu ser mulher participando das decisões já faz diferença no conteúdo” (CAUE MORENO/Divulgação)

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O elenco traz nomes como Thati Lopes (Marilene, primeira esposa de Mauricio), Elizabeth Savalla (Vó Dita), Emílio Orciollo Neto e Natália Lage (Tonico e Nila, pais do desenhista), além de Othon Bastos e Clara Galinari. As filmagens ocorreram em cinco cidades, Carrancas e Passa Quatro (MG), Lapa (PR), São Paulo e Rio de Janeiro, para recriar o Brasil dos anos 1950 com fidelidade histórica. A estética, com câmeras fixas e enquadramentos inspirados em quadrinhos, busca transportar o espectador para dentro das páginas que marcaram gerações.

Para Marina, o filme é também um espelho do que a MSP se tornou. “Nossa missão é equilibrar o legado do Maurício com a inovação. Ele sempre nos ensinou a entender o tempo em que vivemos, ouvir as crianças e conversar com o público atual. Só assim a marca continua relevante”, diz. Hoje, a empresa criada em 1959 é uma potência do entretenimento, com histórias publicadas em mais de 30 países, 3 mil produtos licenciados e presença constante em plataformas digitais e audiovisuais.

À frente da nova diretoria executiva, formada pelos irmãos Marina, Mauro e Marcos Sousa, ela reforça a importância da diversidade e da representatividade dentro do estúdio. “O simples fato de eu ser mulher participando das decisões já faz diferença no conteúdo. Queremos mostrar que o universo do Mauricio de Sousa se conecta com qualquer público”, afirma. Marina destaca que essa postura se reflete nas histórias recentes, que abordam temas como inclusão, sustentabilidade e respeito às diferenças, mantendo a essência dos valores que seu pai sempre defendeu.

Trabalhar em família, segundo ela, é parte do DNA da MSP. “Não há conflitos criativos. Há discussões construtivas, e isso é fundamental. Cada um tem seu talento e seu espaço. Nós nos complementamos”, diz. Essa harmonia é visível na nova fase da produtora, que se firma como empresa multiplataforma e mira o futuro com ambição criativa. “Meu sonho é que um dia seja possível viver em um mundo todo inspirado na Turma da Mônica, uma casa, produtos, experiências e histórias que façam parte da vida cotidiana das pessoas”, revela Marina.

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Mauro Sousa, filho do cartunista, interpreta o pai nas fases jovem e adulta (Divulgação)

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90 anos de Mauricio de Sousa 
Presença constante em Goiás, cartunista celebra nove décadas com um legado que se consolidou no imaginário do Brasil

Tudo começou com um cachorro azul 
Em 1959, Mauricio publicou sua primeira tira, estrelada por Bidu e Franjinha, no jornal Folha da Manhã. Era o início do universo que daria origem à Turma da Mônica.

 
Um repórter antes dos quadrinhos 
Antes de viver do desenho, foi repórter policial. Ilustrava as próprias matérias, até publicar sua primeira HQ - e nunca mais parou.

 
A Mônica nasceu em casa 
A personagem mais famosa do estúdio foi inspirada em uma de suas filhas. O hábito de usar nomes dos filhos nos personagens se repetiu com Magali, Marina, Nimbus e outros.

 
A MSP virou potência cultural 
Hoje, a empresa é um dos maiores polos de produção infantojuvenil do mundo, com histórias traduzidas para 14 idiomas, séries, animações, parques e produtos licenciados em 30 países.

 
A vida de Mauricio chega ao cinema 
Coproduzido pela Disney, Mauricio de Sousa – O Filme &nbsp;reúne arte, afeto e memória - celebrando um artista que fez do cotidiano brasileiro um clássico das HQs.&nbsp;