Rogério Borges

Quem já não ouviu esses versos em algum momento de sua vida escolar? “Minha terra tem palmeiras/ onde canta o sabiá./ As aves que aqui gorjeiam/ não gorjeiam como lá.” Sim, o poema A Canção do Exílio, de Gonçalves Dias, há décadas vem sendo citado e analisado na vida escolar de milhões de alunos por gerações. Algo que não é negativo, obviamente. As leituras escolares são fundamentais para a formação do hábito tão importante de consumir as obras de autores brasileiros e de fora. Mas esse processo tem seus riscos inerentes. Um deles, muito debatido, é o de que a leitura pode ser encarada como uma obrigação, não criando estímulo, mas até uma potencial aversão. Outro é organizar autores do passado em nichos muito estruturados, como se não houvesse variedade entre eles.

Os chamados românticos do século 19 sofrem com essa visão mais apressada sobre seus legados. Mas dois livros que acabam de ser lançados pela professora goiana Cilaine Alves, livre-docente de Literatura Brasileira na Universidade de São Paulo, mostra que não só Gonçalves Dias, mas muitos outros autores brasileiros daquele período não escreveram em uníssono. Eles exploraram temáticas, artifícios e estilos que extrapolam a imagem de que seriam necessariamente tributários a determinadas definições, como “românticos” (ver entrevista). Em Fragmentos de Humor, Cilaine trata das obras de Álvares de Azevedo, Bernardo Guimarães e Manuel Antônio de Almeida. Em Estranhezas do Século Romântico, os autores analisados são Gonçalves Dias, Sousândrade e Gonçalves de Magalhães.

Estudos como os de Cilaine, ambos publicados pela Editora da USP, são importantes por muitos motivos. O principal deles, talvez, seja descortinar as multiplicidades que existem na literatura brasileira em um século efervescente como foi o 19, no qual o Brasil formou-se, em grande medida, como nação. Se pensarmos nos grandes acontecimentos históricos que se deram naquele período – desde a Independência, em 1822, até a República, em 1889, passando pela abolição da escravatura, em 1888 –, não faltaram fatos que transformaram o País e, consequentemente, a literatura feita aqui. A implantação da imprensa, a partir de 1808, também colaborou para um cenário que se consolidou na área. O erro é acreditar que todo esse contexto provocou apenas movimentos estanques e autores que não saíam deles.

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No século dos romances indianistas de José de Alencar e do surgimento de Machado de Assis, dos versos de Castro Alves e Olavo Bilac, de estilos poéticos como os de Cruz e Souza e Fagundes Varela, de histórias passadas em cenários idílicos ou sob os perigos de um interior ainda pouco explorado, passando pelo teatro de Martins Pena e chegando aos enredos que expunham a miséria urbana de Aluísio de Azevedo, há obras muito diferentes entre si, que dialogam com tempos e mentalidades também distintas. Um mosaico muito mais rico do que classificações rígidas. Também é importante salientar que o século 19 continuou a ecoar pelas fases posteriores vividas por nossa literatura, criando referências, para serem seguidas ou rompidas. Em todo caso, para movimentar e criar.

Sob diferentes influências, com inquietações que estavam relacionadas ao tempo agitado que viveram, trazendo visões de mundo muito ecléticas e não raramente colhidos pela morte de forma precoce e trágica, esses autores sedimentaram um caminho essencial para que outros viessem. Alguns atuaram de forma mais tímida, outros foram revolucionários e basilares na construção de imaginários, criando personagens arquetípicos e ainda hoje citados em canções. Dizer que o século 19 produziu uma literatura datada, por exemplo, é injusto, bastando ver o quanto suas obras provocaram, décadas depois, adaptações em filmes e novelas. Entre indígenas e escravos, mocinhas e religiosos vilanescos, garimpeiros e homens da Corte, entre versos de denúncia e amor, o Brasil apreendeu sua literatura.

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Os autores

Álvares de Azevedo (1831-1852) – Nascido em São Paulo e falecido no Rio de Janeiro com apenas 20 anos de idade, o escritor é um emblema dos poetas românticos, que morriam cedo. Suas obras mais conhecidas são Lira dos Vinte Anos, Macário e Noite na Taverna, onde há alusões a um imaginário trágico. Também foi contista, dramaturgo e ensaísta.

Bernardo Guimarães (1825-1884) – Autor de A Escrava Isaura, um dos livros mais famosos daquele período e depois transformado em novela de sucesso mundial, ele era formado em Direito e morou em Goiás em dois períodos diferentes, exercendo a função de juiz. Também escreveu romances e contos com temáticas sociais e em cenários do interior brasileiro.

Gonçalves Dias (1823-1864) – Maranhense de Caxias, o poeta formou-se em Direito na Universidade de Coimbra, Portugal. Seus cantos ficaram famosos, sendo uma marca de sua produção literária, algo que fica patente em sua obra indianista, como Os Timbiras e I-Juca-Pirama. Morreu em um naufrágio na costa do Maranhão.

Gonçalves de Magalhães (1811-1882) – Poeta e diplomata, foi um nome muito influente não só na literatura de seu tempo, mas também na política, trabalhando diretamente com o Duque de Caxias. É autor de um manifesto romântico em relação às letras brasileiras. Publicou livros no exterior e atuou também como dramaturgo. Morreu em Roma.

Manuel Antônio de Almeida (1831-1861) – Outro autor de vida breve, ele escreve um dos clássicos de nossa literatura, o romance Memórias de Um Sargento de Milícias. Formado em Medicina, também trabalhou no meio tipográfico, quando conheceu Machado de Assis, então um aprendiz na função. Morreu tragicamente em um naufrágio em Macaé, RJ.

Sousândrade (1832-1902) – Associado à escola romântica em suas fases mais tardias, ele tinha uma visão social pronunciada, sendo também um conhecido republicano. Suas convicções nesse sentido ficaram mais fortes quando foi morar nos EUA em dois períodos diferentes. Foi nomeado prefeito de São Luís do Maranhão com o fim da monarquia.

“A ficção dialoga com seu tempo histórico”

Pesquisadora renomada na área literária, Cilaine Alves é uma referência nos estudos sobre a literatura brasileira, sobretudo do século 19. Com mestrado e doutorado pela Universidade de São Paulo e pós-doutorado pela Fundação Casa de Rui Barbosa, a pesquisadora, que é livre-docente pela USP, tem empreendido investigações acadêmicas sobre autores e movimentos da nossa produção literária, na poesia e na prosa. Nesta entrevista exclusiva para O Popular, Cilaine fala sobre as diversidades que existem no âmbito dos movimentos oitocentistas da literatura brasileira, revelando as surpresas, as riquezas e as ambiguidades que encontrou ao mergulhar em seis de nossos principais escritores canônicos, alguns deles já sob sua lente há algum tempo.&nbsp;

Seus dois novos livros abordam escritores brasileiros que ajudam a entender não apenas a nossa literatura, mas também a formação do País, contemplando períodos, episódios e temáticas que foram fundamentais para o Brasil. Gostaria de saber como você percebe essas relações entre a literatura e a História, como podemos conduzir estudos nessas duas trilhas concomitantes?

Em estudos literários, respeitar essa relação é fundamental não só porque a literatura, mesmo aquelas obras que criam reinos transcendentes, não se produz em um plano isolado. Ao contrário do discurso da História que, ao narrar um evento passado, procura eliminar versões conflitantes sobre como ele ocorreu, a ficção admite múltiplas interpretações. Ela narra não o que foi, mas o possível, fazendo parecer que é real, mesmo obras de natureza fantástica, como as de Kafka. Para criar essa ilusão, a ficção dialoga com seu tempo histórico: na composição do caráter das personagens, na explicação dos motivos pelos quais elas agem assim ou assado, ao estabelecer relações de causa e consequência entre um episódio e outro seguinte. Na construção desses aspectos, um escritor apropria-se das normas de ação e conduta, dos códigos e conflitos morais, sociais e políticos, de teorias éticas ou psicológicas sobre a consciência humana vigentes em seu tempo. Nesse sentido, a ficção se apoia nas opiniões que os sistemas discursivos da época consideram verdadeiro nos diversos campos da cultura. Para organizar a sua forma interna, leva ainda em conta as convenções sobre os gêneros artísticos, então estabelecidas. Em um exemplo de João Adolfo Hansen sobre o assunto, em O Guarani, Peri desce a um abismo repleto de cobras venenosas e de lá recupera o bracelete de Ceci que o vilão Loredano derrubou. Para tornar verossímil esse ato de Peri, José de Alencar explica que o protagonista imitou o canto da acauã. Nesse tempo, acreditava-se que essa ave espantava e se alimentava de cobras. Mas hoje já se sabe que o sistema auditivo das cobras não funciona assim.

Você é uma pesquisadora da história da literatura brasileira e já havia lançado um trabalho sobre Álvares de Azevedo, autor ao qual retorna em um de seus dois novos livros, Fragmentos de Humor. Como foi a escolha dos seis autores para os estudos contidos nessas duas novas obras?

No final do mestrado, já havia percebido que a dissonância caraterística da obra de Álvares de Azevedo, irônica e autoirônica, manifesta-se também em Bernardo Guimarães. Em 2002, Haroldo e Augusto de Campos reformularam e reeditaram seu ótimo livro Revisão de Sousândrade e realimentaram os debates sobre o abolicionismo e o republicanismo na obra desse poeta, e sobre o desvio que ele teria realizado do romantismo. Muitos estudos diziam que o humor de Memórias de Um Sargento de Milícias, de Manuel Antônio de Almeida, estaria também em desacordo com o estilo romântico. Naquele momento, quase nada se falava sobre Meditação, de Gonçalves Dias. Além disso, é lugar-comum dizer que, durante essa época, predominou apenas temas graves, a melancolia, o sentimento amoroso, o nacionalismo monárquico e escravocrata etc. etc. Na seleção desses autores, parti da compreensão de que de um acúmulo de exceções se forma uma regra: pressupus que, como ocorre em qualquer movimento estético da modernidade, o tempo romântico guarda contraditórias tendências artísticas em conflito, não necessariamente uma unidade de estilo e de pensamento poético. Se é verdade que a modernidade se inicia com o culto da crítica do passado e do presente histórico, e por uma consciência poética autocrítica, no tempo romântico, uns, como Gonçalves Dias, pensam que a história é dirigida por Deus e anseiam pela preservação de uma ordem social e política estável. Embora esse grande poeta tenha realizado modificações inesperadas na linguagem literária do tempo, preserva preceitos poéticos do tempo árcade. Mas Almeida, Azevedo e Guimarães pensam que a história se impulsiona pelos conflitos e ações humanas, sempre em transformação, que Deus estava morto e que a religião não mais regularia as relações humanas. Põem abaixo temas e regras artísticas tradicionais e outros do romantismo, como o poema de amor, a missão do gênio, o nacionalismo etc. muitas vezes ironizando a sua própria obra.

Você considera que o Brasil tem a dimensão correta de nomes como Gonçalves Dias, Manuel Antônio de Almeida ou Bernardo Guimarães, ou eles foram vítimas de certos estereótipos relacionados a críticas comuns sobre, por exemplo, o período romântico em nossa literatura, entre outros?

Houve um longo silêncio em torno da Meditação, de Gonçalves Dias, não apenas devido a sua reação contra a preservação da escravidão. Essa prosa poética ganha uma forma intencionalmente inacabada, o que é próprio do tempo, mas gera estranhamento. O romance de Manuel Antônio de Almeida recebeu pouca atenção desde que foi publicado até meados do século XX, embora a gente perceba a presença de alguns de seus traços em outros autores do tempo, como em contos de Machado de Assis. Num tempo de forte crença de que a nação seguia o rumo do progresso, uma das ironias de Memórias de Um Sargento de Milícias, que deve ter incomodado, é: como uma sociedade pode punir a vadiagem, como a de Leonardo Filho, se os poucos serviços disponíveis e o trabalho em geral não recebem salários? Como desenvolver a capacidade racional de seus habitantes sem a oferta de educação pública? Já a prosa de ficção de Bernardo Guimarães é pouco estudada. Por exemplo, sua novela Pão de Ouro narra uma falsa lenda tupi e as aventuras de um dos históricos colonizadores de Goiás, Gaspar Nunes, que se vê transformado em escravo sexual de uma tribo nomeada de “tatus”, pessoas bem brancas. É uma inversão cômica dos códigos raciais e sexuais do tempo e do indianismo de José de Alencar. Seu deboche pode não ter sido compreendido.

Quais são as principais surpresas que suas pesquisas encontraram em relação aos seis autores abordados nos livros?

Pude encontrar textos críticos da época com análise sobre os diferentes e concomitantes tipos de estilo romântico, um deles associando o pessimismo à derrota dos ideais revolucionários de 1789. Foi uma surpresa observar que, em Meditação, Gonçalves Dias estabelece uma simetria de sua forma inacabada com a previsão de que a história da nação brasileira independente, por preservar a escravidão, caminha rumo à decadência. E também reconhecer um conjunto de poemas de Bernardo Guimarães e Álvares de Azevedo que, por meio da teoria romântica da ironia, defendem a preservação do tempo do ócio, num momento em que se discutiam o fim da escravidão e a introdução, no Brasil, da ideologia hoje corrente de que o trabalho é sagrado, seja qual for o salário, e sem direitos. Foi uma alegria observar que para as Memórias de Um Sargento de Milícias, as instituições policiais, jurídicas, educacionais e religiosas do império corrompiam a formação do que se entendia por “caráter nacional brasileiro”. Valendo-se das ideias de Rousseau sobre o “bom selvagem”, o romance guarda traços de uma espécie de romance de formação às avessas. Também me causou estranhamento perceber como a obra de Sousândrade realiza uma ruptura com gêneros e linguagens poéticas tradicionais, enquanto repõe e atualiza formas poéticas medievais e clássicas, como canções de amor e de amigo, com uma paródia dos autos religiosos de Anchieta.

Qual o papel do humor em nossa literatura, como ele era trabalhado no século XIX? Um de seus livros trata desse elemento de forma mais detida quanto aos três autores.

É da natureza do humor zombar de normas de etiqueta e de conduta, de tópicas, formas, gêneros e convenções estéticas da arte em voga, sintetizando uma reflexão crítica sobre a arte. Em muitos poemas de humor, o poeta finge de início que preza algum valor moral e artístico, mas, sem que se espere, inverte negativamente o seu sentido. O humor também se presta a uma autocrítica. No soneto “Pálida, à luz...”, de Álvares de Azevedo, o eu lírico dirige-se à sua amada, até então apenas uma imagem vaporosa, e pede-lhe para que não ria dele. Com isso, ele impõe limites a seu próprio excesso sentimental. Diferentemente da sátira tradicional, o humor é livre, pois não pretende corrigir, educar ou repor alguma ideologia. É o riso pelo riso, das fraquezas e contradições humanas. Privilegiando uma permanente contradição, justapõe e confirma os dois lados contrários de uma mesma ideia. Uma prosa toda estruturada de acordo com o humor e a ironia tende a criar narradores que se distanciam de seu autor, cuja posição sobre o assunto tratado não se sabe. Esse tipo de narrador tende também a divergir de suas personagens, como é o caso dos de Machado de Assis, que instala o humor no plano ético e social, alvejando toda forma de compreensão da vida que se queira verdade única e absoluta.

Antonio Candido defendia a ideia de formação para tratar a história da nossa literatura, mostrando que todas as fases, movimentos e autores, inclusive de diferentes níveis de qualidade, foram todos muito importantes para que surgissem nossos clássicos, nossos gênios, sempre com fortes vínculos com a sociedade de cada tempo. Você percebe que essa visão sobre a produção literária brasileira deveria ser mais praticada, não deixando que autores de outras épocas sejam esquecidos e não se transformem em meros nomes em apostilas escolares, mas realmente lidos e interpretados com interesse genuíno?

Sim, para ele, na nação independente o paulatino diálogo de autores e obras com temas universais e locais, interligado com o surgimento do público moderno, formou a tradição literária nacional. Candido propõe que a arte, sem ter função didática, oferece uma experiência viva dos conflitos mais agudos da nação, contribuindo para o conhecimento de sua vida social, cultural e intelectual. Para ele, a fruição da arte fortalece o senso de liberdade e a capacidade de reflexão. No ato de apreender a forma artística, realizamos um jogo livre e lúdico de nossa imaginação e razão, libertas de interesses, do sentimento de propriedade e de demonstrações lógicas. Em Candido, “liberdade” significa o potencial do indivíduo para determinar com responsabilidade a própria vontade durante a ação no mundo prático e social, sem desconsiderar as forças sensíveis que o oprimem, sejam elas criadas por ele próprio ou por agentes externos, como um regime político autoritário. Trata-se de uma espécie de educação estética que proporciona ao indivíduo um processo de autocriação, em contínua transformação reflexiva e autorreflexiva. Hoje observa-se uma tendência, em alguns estudos literários, para ler obras produzidas em séculos anteriores ao nosso, buscando nelas respostas para questões que só hoje estão em circulação, além de uma atenção maior a temas do que à forma da ficção. A maioria dessas questões é importante, mas insuficiente para compreender o passado. Isso pode apagar a diversidade de outros estilos e diferentes questões históricas veiculadas pela literatura do passado. Por outro lado, no utilitarismo hoje reinante, a leitura, em aula, de resumos de obras suprime a experiência direta com o universo ficcional, sem se destinar à formação intelectual. Há ainda o controle de certas consciências pelas redes sociais, com programas de inteligência artificial “educando” muitos alunos. Além disso, o retorno de pensamentos políticos ultraconservadores nega os princípios civilizatórios do iluminismo. Espero que este tempo pobre seja passageiro e que a arte e as ciências humanas tenham seu lugar novamente reconhecido.

Livros lançados por Cilaine Alves enfatizam importância de seis autores brasileiros do século 19

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LITERATURA

Temas íntimos e universais com uma escrita que mistura humor, melancolia e uma acidez. São esses os predicados que fazem da escritora, roteirista e podcaster Tati Bernardi referência entre leitores de diferentes gerações. A autora integra o projeto Circuito Literário, do Sesc Goiás, que promove atividades gratuitas durante toda a semana em suas unidades de Goiânia. No sábado (13), Tati Bernardi participa de um bate-papo mediado por Helissa Soares, às 16 horas, no Sesc Cidadania, no Jardim América. Em entrevista ao POPULAR, a comunicadora fala sobre literatura e psicanálise, podcast e autoconhecimento.

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Qual o maior desafio de transformar experiências pessoais íntimas em narrativas que serão expostas para tantos leitores?

O maior desafio é que essas experiências pessoais e íntimas tenham cara de literatura, não pode ter cara de diário, não pode ser um texto sem nenhuma preocupação literária. Então eu conto as coisas sempre com uma tinta para que fique mais engraçado, para que fique mais, sei lá, se for para ser dramático, mais dramático, se for para ter humor, mais humor, ter um pouco de ficção misturada. Precisa ser interessante. Parto de uma base de realidade, mas isso precisa ser contado de uma forma muito interessante que prenda o leitor e que tenha uma preocupação literária com as palavras, não adianta só o conteúdo, a forma importa também.

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Existem outros obstáculos?

Tem, claro, uma preocupação também em não expor pessoas com os nomes. Eu sempre coloco um nome falso, uma idade falsa, pra não expor os nomes reais das pessoas. Apesar de partir de histórias verdadeiras, eu tomo sempre o cuidado de não expor a pessoa de um jeito tão escancarado. A minha eu exponho mesmo, e acho que exponho, conto ali o que me interessa contar, e enquanto isso eu não tenho nenhuma questão, não chega a ser um sofrimento pra mim não.

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De que forma você acha que o humor ajuda a tratar temas profundos como ansiedade e relacionamentos afetivos?

É muito importante mulheres se narrarem, contarem suas histórias, né? Isso é uma luta importante contra o machismo, contra toda violência que a mulher sofre, então quanto mais mulheres se narrarem, isso tem uma importância política, uma importância social. E, fora isso, especificamente se a gente levar em consideração o humor, tem uma cura para quem escreve e tem uma cura para quem lê. Na hora que você olha as situações tentando achar o humor naquilo, é uma catarse. Quando você consegue elaborar algum sofrimento na forma de humor, isso é uma grande cura para quem está escrevendo, organiza o sofrimento e põe ele para fora, e ainda faz o outro rir. É um processo tão forte quanto a análise e para quem lê com certeza também é muito bom, porque você poder ver o drama de outra pessoa igual ao seu ou pior que o seu, dá um certo alívio para a vida.

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O que a literatura pode ensinar sobre autoconhecimento e saúde mental?

Eu tenho um livro sobre crises de ansiedade, então acho que quem lê ali pode se reconhecer, pode perceber que crises de ansiedade, por exemplo, podem ser parecidas para várias pessoas, então tem um certo alívio em você não se sentir tão ET, tão diferente dos outros. Você se sente ali menos sozinho ao ler, aí você vê também que alguém teve coragem de expor alguma situação, alguma cena, sobretudo com humor, e aí talvez isso te gere vontade de falar sobre suas questões. A literatura é uma grande companhia quando a gente não está conseguindo dizer exatamente o que sente, o que pensa, e um livro diz para você, um autor diz para você. Isso te destrava e você fica capaz de poder falar na tua linguagem, do teu jeito.

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Você se tornou uma espécie de rainha do podcast (risos). Como enxerga essa sua presença no streaming e nas redes sociais?

Eu fiz o Calcinha Larga e me apaixonei pelo formato. É um formato muito autoral. Fazer podcasts, você cria um projeto, já coloca no ar, o seu público já escuta, já tem uma troca imediata. E eu trabalho também com cinema e com televisão, que é tão difícil colocar um projeto direto no ar. No podcast eu consigo fazer de uma forma muito instantânea, rápida, ter um resultado rápido, então é muito interessante. &nbsp;

Como é possível se transformar dentro do formato de podcast?

Estou sempre tentando pensar formatos novos e criativos também pra não cansar as pessoas e não ficar muito repetitivo. Mas eu gosto muito de fazer esse monte de podcast e acho importante divulgar todos os meus trabalhos nas redes sociais, então me beneficio demais das redes sociais. Não fico ali o tempo inteiro mostrando minha vida, mostrando minha filha, não sou uma influencer de lifestyle, essas coisas não me interessam nem ser, nem ver, nem consumir, mas acho que como escritora e criadora de conteúdo para podcasts e videocasts é muito interessante as redes sociais.

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Seus textos têm um tom de confissão, quase diário. Até que ponto isso é autobiográfico e até que ponto é invenção literária?

Tudo meu é uma mistura de uma base de coisas que aconteceram de verdade com um pouco de ficção, que é onde crio um pouco para que tudo fique mais engraçado, prenda o leitor, mas parte sempre de uma base de história real, então diria que tá meio a meio ali.

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Nos podcasts e nas entrevistas que você faz, há sempre uma troca íntima. Qual foi descoberta sobre você mesma ao ouvir outras pessoas?

Me fez descobrir que eu gosto demais de entrevistar, eu não sabia que eu gostaria tanto disso e que eu me daria bem fazendo isso. As pessoas sempre falam que contaram algo para mim na entrevista que nunca tinham contado antes, então eu descobri que eu gosto e tenho algum talento para fazer isso, foi muito interessante, muito bom.

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Em um mundo hiperacelerado, como você lida com a pressão por produtividade e relevância?

Eu estou o tempo inteiro pensando em produtividade e relevância. Então acho que eu estou doente junto com todo mundo, essa cabeça que não para de pensar, criar ideias e quer o tempo inteiro divulgar tudo, mas tenho pensado muito em puxar o freio de mão e desacelerar porque além disso adoecer a gente, fica pouco tempo para ler, fica pouco tempo para ir ao cinema, para viajar e isso é importante para poder criar.

"É muito importante mulheres se narrarem, contarem suas histórias", diz Tati Bernardi

Entre palavra e silêncio

Afonso Felix de Sousa, homem tímido e amoroso, traduzia em seus versos aquilo de mais íntimo e profundo da existência humana. O goiano de Jaraguá fez parte do grupo de poetas da chamada Geração de 45, ao lado de João Cabral de Melo Neto. Figura fundamental e premiada na história da literatura brasileira, publicou 12 livros de poesia, fundou revistas literárias e traduziu obras de Garcia Lorca, John Donne e Giacomo Leopardi. Sua vida e obra ganham uma série de celebrações especiais no mês de julho para marcar o centenário do autor, com início nesta quinta-feira (3), na Academia Goiana de Letras (AGL). A programação vai, na sequência, para as cidades de Jaraguá, Goiás e Rio de Janeiro.

No dia 5 de julho, é comemorado o centenário do poeta e tradutor que viveu em diferentes lugares do mundo, mas não deixou de evocar Goiás em seus versos. Especialmente Jaraguá e suas lendas com o livro chamado O Amoroso e a Terra (1953), com poemas que valorizam a tradição interiorana ao abordar o folclore de sua terra natal. Afonso Felix mudou aos 10 anos para Pires do Rio com a família. Ao lado de Domingos, um de seus nove irmãos, estudou no Colégio Anchieta de Silvânia, de onde veio para Goiânia fazer a segunda série. Nessa época, começou a publicar os primeiros poemas.

Em Goiânia, foi colaborador em jornais como o POPULAR, Folha de Goiaz e na revista Oeste. Prestou concurso para o Banco do Brasil e foi transferido para o Rio de Janeiro, cidade que tanto amava. Foi com uma bolsa de estudos de Economia para Paris e depois voltou para o Rio, onde conheceu sua mulher, Astrid Cabral, poetisa, com quem teve cinco filhos.

Na década de 1960 viveu em Brasília para dirigir o Banco do Brasil. Voltou para o Rio, de onde mais tarde foi para o Líbano como adido comercial. Foi de volta à capital carioca que passou os últimos momentos da vida e morreu, aos 77 anos, e onde sua viúva e três de seus filhos ainda moram.

Afonso Felix foi fundador da Associação Brasileira de Escritores – Seção Goiás e da Associação Nacional de Escritores, além de revistas literárias como a Revista Agora e o Ensaio. Organizou edições da obra do Barão de Itararé e, como tradutor, revelou aos leitores brasileiros autores como García Lorca, Sylvia Plath, John Donne, François Villon, Leopardi e outros.

Versos íntimos

A Geração de 45 define um grupo de autores brasileiros da terceira fase do Modernismo Brasileiro, caracterizado pela valorização de padrões estéticos e elementos narrativos sem perder de vista a sociedade à sua volta. A busca por uma literatura mais intimista, de sondagem psicológica e introspectiva dividiu espaço com a valorização do regionalismo.

Entre os representantes de Goiás deste novo modernismo estava Afonso Felix de Sousa, definido como um “mestre do soneto” por Maria Lúcia Felix Bufáiçal, poeta, cronista do POPULAR e sua sobrinha. “Como pessoa, era tímido e muito amoroso”, recorda Maria Lúcia. “Sem ser propriamente um religioso de qualquer denominação, transpirava espiritualidade em sua poesia. Escreveu também crônicas, principalmente ao tempo em que viveu em Brasília”, diz.

Desta timidez e quietude, cirurgia sua poesia capaz de tocar as regiões mais íntimas da existência. Apesar de filiado à Geração de 45, a sua obra se mostra independente no interior dessa geração, segundo José Carlos Barbosa Soares, autor de Morte e Transfiguração na Poesia de Afonso Felix de Sousa, que tem lançamento na abertura das comemorações do centenário nesta quinta-feira (3). O livro é uma dissertação de mestrado de José Carlos, orientada pelo professor doutor Heleno Godoy.

Na dissertação, o autor se concentra em abordar a temática da morte nas obras do poeta goiano. Ao analisar as temáticas dos livros de Afonso Felix, é possível compreender, ainda, os momentos da vida em que ele se encontrava e como ele observava questões como o tempo, o amor, as perdas e a solidão. Seu livro de estreia, O Túnel (1948), traz um eu lírico na condição de “pássaro exilado do mundo”, destaca José Carlos.

Com seu segundo livro, Do Sonho e da Esfinge (1950), Afonso Felix já chamava a atenção da crítica nacional e utilizava recursos de contemplação poética, assim como seus contemporâneos Carlos Drummond de Andrade e João Cabral de Melo Neto. José Carlos destaca a atmosfera parisiense que pode ser percebida nos poemas do livro Em Memorial do Errante (1956), no período em que ele morou na França, quando estudou Economia Internacional. Em Álbum do Rio (1965), o poeta se volta para a comemoração do quarto centenário do Rio de Janeiro, onde voltou a morar.

Um episódio trágico de sua vida também está marcado por uma de suas obras publicadas. À Beira de Teu Corpo (1990) é dedicado ao filho Giles, que morreu em um acidente de moto. No seu último livro, Sonetos aos Pés de Deus (1996), Afonso Felix revela todo o seu amor a Deus, ainda que não fosse propriamente religioso, como observa Maria Lúcia. O tom sagrado, no entanto, teria a ver com as perdas de sua vida, especialmente a do filho.

Para evocar a memória de Afonso Felix e comemorar o seu centenário de nascimento, que é no dia 5 de julho, a Fundação Frei Simão Dorvi e o Instituto Biapó instituíram uma comissão para organizar os eventos de comemoração, que conta com a viúva do autor, a também poetisa Astrid Cabral, como presidente de honra. Yuri Baiocchi, membro da Fundação Frei Simão Dorvi, e a filha de Afonso Felix, Isabela Cabral Felix de Sousa, ocupam as funções de presidente e vice-presidente da comissão, respectivamente.

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Programação do centenário

 
GOIÂNIA

3 de julho (quinta-feira)

Início das comemorações do centenário

Horário: 17h

Local: Academia Goiana de Letras (AGL) - Rua 20, 175, Setor Central

 
JARAGUÁ

4 de julho (sexta-feira)

Exibição do filme Afonso Felix de Sousa em Família, de Mariana Cabral Félix de Sousa

Horário: 19h

Local: Espaço Cultural Zuleika Lôbo de Castro Ribeiro (antigo Balança, Mas Não Cai)

 
5 de julho (sábado)

Missa em Ação de Graças pela alma de Afonso Felix de Sousa e em celebração ao seu centenário

Horário: 10h

Local: Igreja de Nossa Senhora da Conceição

 
CIDADE DE GOIÁS

11 de julho (sexta-feira)

Sarau com o Grupo Quebrando o Silêncio

Horário: 19h

Local: Fundação Frei Simão&nbsp;

 
12 de julho (sábado)

8h - Caminho de Letras e Artes - Plantio de mudas na Chácara Dona Sinhá, sede do Instituto Bertran Fleury

9h – Visita à Associação Casa de Goiandira

10h - Roda de conversa no Instituto Biapó

22h30 - Exibição do filme Afonso Felix de Sousa em Família , de Mariana Cabral Félix de Sousa

23h - Serenata em Goiás - Edição especial do Centenário

 
RIO DE JANEIRO

27 de julho (domingo)

Sarau Poético

Horário: 15 horas

Local: Casa de Maria Lúcia Gallotti Póvoa ( Rua Icatu 18, Humaitá )

Centenário de Afonso Felix de Sousa celebra o legado do poeta goiano

O mestre do soneto

Quando em 9 de dezembro do ano passado a notícia da morte do escritor Dalton Trevisan foi divulgada, houve uma espécie de choque no mercado editorial e literário brasileiro. Não que o falecimento de um homem com 99 anos de idade seja inesperado, mas é que o nome do escritor era pivô, naquele momento, de algumas das principais – e mais positivas – novidades da área. A Editora Record, que vem tradicionalmente publicando seus livros há décadas, tinha republicado três de seus principais trabalhos. O selo Todavia, por sua vez, anunciava a criação de uma coleção de títulos do escritor. A Arte e Letra havia preparado um box especial, com uma série de trabalhos da parceria dele com o ilustrador Poty Lazzarotto. E já existiam as primeiras informações sobre uma biografia dedicada a ele.

Todas essas iniciativas demonstram a dimensão de Dalton Trevisan, que completaria seus 100 anos neste 14 de junho. Não que ele propriamente fosse celebrar. Festa? Nem pensar. Ele foi, seguramente, o autor mais recluso de nossa literatura, ainda menos afeito a aparições públicas que outros colegas de ofício, como Rubem Fonseca ou Raduan Nassar. Não foi à toa que ganhou, ainda muitas décadas atrás, o apelido de Vampiro de Curitiba, uma brincadeira que o associava a um ser que não podia ver a luz do dia e que, talvez, rondasse as noites da capital paranaense, quem sabe acompanhando algumas de suas criações, que possuíam a capacidade de ser, ao mesmo tempo, sombrias e engraçadas. A ironia ácida e um olhar desconsolado e pouco indulgente sobre o mundo eram suas marcas.

A força narrativa e a criatividade singular deram-lhe uma assinatura reconhecível quase de imediato, condensada, na esmagadora maioria das vezes, em textos de curta – quando não curtíssima – extensão. Seus minicontos são famosos, pílulas de genialidade que têm o poder não de curar, mas de diagnosticar as mazelas que habitam a alma humana, os fetiches mais estranhos, os pecados mais assombrosos, os amores pouco convencionais. Essa inteireza em pouca prosa está contemplada nos três livros que a Editora Record relançou em 2024: Cemitério de Elefantes, Contos Eróticos e Macho Não Ganha Flor. Cada livro escrito em uma década – respectivamente em 1964, 1984 e 2006 –, não denotando exatamente uma evolução, mas um mergulho mais vertical em seus temas prediletos.

Em Macho Não Ganha Flor, por exemplo, Trevisan enumera uma galeria de crimes terríveis, mas sempre surpreendendo pela atitude dos personagens diante dessas situações. Em A Pior Morte, por exemplo, a vítima narra como foi atacada na rua por dois facínoras, numa cena de abuso. No final, porém, ela se indigna especialmente com a postura de um deles, rogando-lhe a pior das pragas. Em Três Ovos de Páscoa, uma mulher, para atender o pedido dos filhos, acaba cometendo um erro. Ela paga por isso, mas ninguém parece muito interessado em saber as razões de sua atitude, as dificuldades que passa, como contorna a ausência do pai da garotada. Em A Festa é Você, a temática é o assédio e como ele pode funcionar se os alvos forem vulneráveis, vivendo uma realidade que proporciona tal crime.

Trevisan não é politicamente correto em sua literatura. Nenhum de seus contos ou de suas novelas tem a pretensão de ser uma narrativa de fundo moral, que aponte quem é o vilão ou o mocinho. As desgraças que atravessam a vida de tantas pessoas de diferentes classes sociais e experiências – o marido que bate na companheira, o homem que avança contra menores de idade, a prostituta que apanha ou é assassinada na rua, o bêbado que destrói muitas existências, a opressão de quem tem grana e faz dos pobres gato e sapato – são reveladas não como denúncia propriamente, mas como fatos de vidas que se deparam com desafios que muitos de nós teríamos dificuldade de sequer imaginar. O escritor aponta que as sombras e a lama existem e afetam pessoas que podemos conhecer, por que não?

Cemitério de Elefantes, seu primeiro grande sucesso, já demonstrava que caminhos aquele autor magro, que usava óculos fundo de garrafa e se vestia um tanto desmazeladamente iria tomar. É um desfile de tipos, urbanos e rurais, que amedrontam, levam à reflexão e provam que vidas podem dar errado. Taras, vícios, decepções, autopiedade, maldade ou simplesmente um niilismo latente colocam tudo a perder para essas criações que fazem e sofrem o mal. O que poderia ser a receita de uma obra melancólica, entretanto, subverte essa expectativa graças à forma dinâmica da narrativa, com diálogos rápidos, frases certeiras e tiradas desconcertantes. É o tipo do autor que parecia se divertir em nos derrubar da cadeira, rompendo empatias e construindo personagens contraditórios.

Já o selo Todavia criou este ano a Coleção Dalton Trevisan, cujos primeiros sete títulos já estão disponíveis. As obras escolhidas foram Ah, é?, Chorinho Brejeiro, Desgracida, Educação Sentimental do Vampiro, O Beijo na Nuca, Pão e Sangue e O Vampiro de Curitiba, este último lançado pela primeira vez em 1965 e que lhe valeu o epíteto. Dessa vida noturna, com criaturas interessantes e perigosas, onde impera a violência e o erotismo, Trevisan fez um retrato não apenas de uma cidade, mas de uma civilização que pode ser muito impiedosa para quem está na base da pirâmide social. Para Trevisan, não há tabus, limites ou pudores. Todos são capazes de fazer qualquer coisa. E efetivamente fazem. Não só fazem, como se esbaldam ao fazer, deixando um rastro de fluidos corporais e traumas.

Nesse projeto da Todavia, os livros vêm acompanhados de uma seção chamada Canteiro de Obras, que reúne conteúdo inédito, como partes dos diários do escritor, possibilitando espiar um pouco de seu processo criativo e de seus métodos de escrita, além de trechos de outros textos esparsos e também algumas correspondências com amigos – sim, Trevisan tinha amigos com quem trocava impressões, por cartas ou bilhetes. Ele possuía conhecidos no meio jornalístico e literário, na pujante cena teatral curitibana, além de manter diálogo constante, por exemplo, com sua agente literária. E quando ia a uma livraria no centro de Curitiba, conversava com o proprietário da loja. Trevisan também foi muito desenhado por companheiros mais próximos e essas obras estarão na coleção, que terá 37 volumes.

Desde que lançou, em 1959, Novelas Nada Exemplares, Trevisan não deixou de escrever por longos períodos. Com títulos sugestivos, como O Maníaco do Olho Verde, Rita Ritinha Ritona, Crimes de Paixão, Pico na Veia e A Trombeta do Anjo Vingador, o escritor criou uma espécie de escola nas letras brasileiras, às vezes considerada maldita por supostamente ser muito apelativa, às vezes chamada de original por jamais recuar de seu projeto literário que tem o potencial de causar repulsa. Mas ele se manteve fiel a um estilo. Gerar amores absolutos ou ódios irrevogáveis não parecia incomodá-lo em absolutamente nada. Difícil saber, aliás, quais eram seus sentimentos quanto às críticas e aos elogios. Sabemos sua visão sobre o mundo e as pessoas e ela não era boa. Para a literatura, isso é ouro puro.

Quem tem medo do vampiro?

O título acima é também o nome de um dos livros de Dalton Trevisan, lançado em 1998. Esta é uma pergunta pertinente quando falamos deste autor tão cercado de mistérios e discrição, que foi pouco fotografado, que não dava entrevistas e que não ia receber os prêmios que lhe concediam. Nem mesmo para o Camões, a maior premiação da literatura em língua portuguesa, ele abriu uma exceção na cerimônia de entrega, em 2012. Ele não ia a feiras literárias, não participava de debates e mesas-redondas, não realizava sessões de autógrafos nos lançamentos de suas obras, não integrava círculos literários que fossem cercados de alguma publicidade. Vez ou outra era entrevisto andando anônimo em uma rua, mas quando ia a livrarias pedia para que ninguém o abordasse.

O engraçado é que todo mundo – uma Curitiba inteira e mais algumas pessoas – sabia de seu endereço, um local que ele ocupou durante muitos anos até o falecimento da esposa. Sua casa, um imóvel centenário de estilo eclético e cedros no quintal, consta até no guia turístico da capital paranaense. Fica na esquina das ruas Amintas de Barros e Ubaldino do Amaral, na região central. Os janelões que dão para a rua permaneciam fechados, fazendo com que muitos se perguntassem: será mesmo que ele dorme num caixão e chupa o sangue de jugulares de incautos nas frias noites curitibanas? Seus tarados, gigolôs, mendigos e assassinos certamente sim. Mas é fácil decifrar essas criaturas porque Trevisan as expôs para nossa apreciação, algo que não fez quanto a si mesmo.

O jornalista, tradutor e ensaísta Christian Schwartz topou o desafio de escrutinar essa personalidade e vai lançar no segundo semestre deste ano a primeira biografia dedicada ao escritor. Ele conseguiu algo quase inimaginável: ter acesso à intimidade de seu biografado. A obra, que sairá pelo selo Todavia, foi realizada depois que o pesquisador teve acesso a um material valioso, como seus diários e sua correspondência. Uma das mais interessantes foi a trocada entre Trevisan e Otto Lara Rezende, que consta no acervo doado ao Instituto Moreira Salles em 2024, totalizando 560 itens. A instituição já possuía a correspondência de Trevisan com outras 45 pessoas de destaque, sobretudo escritores, como Carlos Drummond de Andrade, Manuel Bandeira, Antonio Candido, Antônio Houaiss e Pedro Nava.

Há ainda a expectativa de que Christian tenha conseguido gravar depoimentos do autor. A curiosidade é grande em torno do livro que sai neste ano de seu centenário, após sua morte. Teria sido uma condição imposta por Trevisan para colaborar? Claro que a vida do escritor não é um segredo inexpugnável. Sabemos muitos dados a seu respeito. Quando começou a escrever, ele não era tão recluso assim. Nos anos 1950, no início de sua carreira, frequentou, por exemplo, os famosos encontros na casa de Fernando Sabino, no Rio de Janeiro – aliás, onde conheceu Otto Lara Rezende –, que reunia a nata do meio literário nacional. Também trabalhou na imprensa, como crítico de cinema e repórter policial, de onde, possivelmente, retirou parte da inspiração para descrever tantas cenas de crimes.

Quem quiser ter mais vislumbres sobre essa personalidade complexa também pode visitar uma mostra em sua homenagem, em cartaz na Biblioteca Brasiliana, da Universidade de São Paulo. A exposição, chamada Dalton Trevisan – Espião de Almas, aberta no último dia 20 de maio e que irá até 10 de agosto, reúne diversos itens, como as poucas entrevistas que concedeu e fotografias, parte dos livros que pertenciam à sua coleção – incluindo obras raras, autografadas e dedicadas –, diários, parte de sua correspondência e até documentos e objetos pessoais. Assim, pode-se ter uma ideia um pouco mais sólida de um homem que se fechou para boa parte do mundo e se concentrou nos mundos que ele mesmo criava, ainda que neles circulassem criaturas que também habitam as ruas e as noites reais.

Nascido em Curitiba, Trevisan formou-se em Direito pela Universidade Federal do Paraná, mas atuou um período relativamente curto na profissão. Preferiu dedicar-se à literatura. Já em 1946, ele criou a revista Joaquim, em Curitiba, ao lado dos amigos Erasmo Pilotto e Poty Lazzarotto, este último o mais frequente ilustrador de suas obras. Foi nela, com 21 anos de idade, que ele começou sua carreira de contista. A publicação teve apenas 21 edições, de acordo com o Instituto Moreira Salles, mas Trevisan continuou a lançar alguns números esparsos em brochura ou em formato de folhetins. Quando o volume Novelas Nada Exemplares o tornou um autor nacionalmente conhecido, ele passou a concentrar sua produção em livros, cativando um público fiel.

Dalton Trevisan era um leitor atento e um amigo que não deixava cartas sem respostas. Isso parece um pouco contraditório com seu estilo de vida recluso, mas talvez seja apenas uma prova de que ele selecionava bem seus interlocutores. No conjunto doado ao Instituto Moreira Salles, há 60 cadernos e 37 diários datilografados, além de centenas de cartas. Elas revelam um homem que se sentia à vontade em dar opiniões críticas e sinceras sobre as obras de amigos famosos, que renegava parte dos contos que havia escrito na juventude e se incomodava com excessos de palavras no que lia. O mestre da concisão só poderia ter mesmo essa postura. Ele ia ao Rio de Janeiro negociar a edição de seus livros com o selo José Olympio e não deixava de se encontrar com os camaradas, que o adoravam.

Ambivalências de uma personalidade que criou uma aura em torno de si e a manteve com uma obra regular na qualidade, mesmo que pudesse parecer um pouco repetitiva em certos pontos. Mas talvez essa reiteração deva-se mais às temáticas escolhidas do que a algum defeito de sua produção. Afinal, as tragédias cotidianas não cessam e sempre se repetem, voltando a acontecer como se fossem um destino incontornável. A desgraça do mundo não se preocupa se está sendo insistente; ela apenas é. Trevisan soube traduzir isso com um olhar irônico, fazendo da decadência um mote, da dor um bálsamo, da loucura um meio de propor a lucidez. Os pervertidos, as donzelas indefesas e os marginalizados são, nos contos do autor paranaense, mais que protagonistas. São os reflexos de nós mesmos.

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As obras de Rubem Fonseca são marcadas por um olhar crítico sobre a sociedade (Folhapress)

Outro centenário de peso

O ano de 2025 também marca o centenário de outro escritor maiúsculo de nossa literatura e&nbsp; que, por coincidência, tem algumas características comuns com Dalton Trevisan. No mês passado, foram lembrados os 100 anos de Rubem Fonseca. Considerado o pioneiro do romance policial brasileiro, assim como seu colega de Curitiba, Fonseca gostava de aliar crime e violência a altas doses de erotismo em suas histórias. Ambos também gostavam do gènero conto – ainda que Trevisan se mostrasse mais radical quanto à curta extensão das narrativas e Fonseca fosse, ao mesmo tempo, um exímio romancista – e os dois morreram com idade avançada – Trevisan aos 99 anos e Fonseca aos 94 –, produzindo até o fim. Outro ponto que os une é o fato de os dois terem criado um estilo e cultivado muitos fãs.

Fonseca nasceu em Juiz de Fora, mas foi no Rio de Janeiro que construiu sua carreira. Depois de ter sido comissário de polícia e funcionário da empresa de energia Light, ele começou a publicar em 1963, com o volume Os Prisioneiros, que trazia seus 12 primeiros contos. Em seguida, vieram diversos outros títulos, como as obras com narrativas curtas A Coleira do Cão (1965), Lúcia McCartney (1967), Feliz Ano Novo (1975) e O Cobrador (1979). Seu romance de estreia foi O Caso Morel, de 1973, seguido por outros trabalhos no gênero, como A Grande Arte, de 1983, Bufo &amp; Spallanzani, de 1986, e Agosto, de 1990. Não demorou para que sua assinatura fosse reconhecida de imediato e sua literatura passasse a influenciar autores de novas gerações, como Patrícia Melo e Tony Bellotto.

No campo do romance policial, casos de A Grande Arte e Bufo &amp; Spallanzani, Fonseca conseguia unir a fórmula clássica – quem matou quem? quem é o vilão da trama? há um detetive que busca a verdade – com um olhar muito crítico sobre a sociedade, recheando o enredo de anti-heróis que, não raramente, resolviam seus assuntos no braço, na bala ou na faca. Ética, para esses protagonistas, era um conceito fluido e o sexo casual, selvagem ou até fetichista, se colocava acima de afetos mais duradouros ou sentimentos românticos. São criaturas que frequentam os piores lugares, que conhecem as piores pessoas, que tomam as piores decisões. Isso dá um ritmo único à trama. Um de seus personagens recorrentes era o detetive Guedes, um homem astuto, cínico, com intenções borradas.

Já nos contos, a caixa de Pandora era escancarada, com trabalhos que marcaram sua obra com mais ênfase. Em O Cobrador, um assassino busca justiça por tudo aquilo que ele acredita que outras pessoas, mesmo desconhecidas, lhe devem. E ele cobra com sangue e sadismo. Em Feliz Ano Novo, há um verdadeiro massacre em uma festa de ricaços, onde todo o dinheiro do mundo não vai salvá-los. Essa luta de classes que descamba para a tragédia fez a ditadura militar brasileira proibir a publicação do livro em 1976, uma vez que ele expunha de forma muito crua as desigualdades sociais que o regime tentava ocultar. A misoginia violenta de personagens dos contos de A Confraria dos Espadas, ou as fantasias de alcova de Secreções, Excreções e Desatinos, são emblemas de sua produção ficcional.

Fonseca foi um autor muito eclético, podendo apresentar um romance histórico de alta qualidade, como Agosto – passado durante a crise política criada com o suicídio de Getúlio Vargas, em 1954 –, ou escrever um enredo metalinguístico, como fez em O Romance Negro. A Grande Arte, por exemplo, é uma trama magistral e surpreendentemente escrita, e seus trabalhos da maturidade, mesmo que um pouco menos incandescentes, continuaram a manter um nível elevado. Várias de suas histórias foram transpostas para o cinema e a TV, como nas séries Mandrake (roteirizada por seu filho, o cineasta José Henrique Fonseca), da HBO, e Agosto, da Globo, e nos filmes Lúcia McCartney, de 1971, a Grande Arte, dirigido por Walter Salles, e O Cobrador, produção internacional que teve Peter Fonda no elenco.

Centenário de Dalton Trevisan é marcado por relançamentos, novas edições e biografia

Uma reunião de editoras, selos literários, coletivos criativos e artistas gráficos comanda a feira e-cêntrica 2025, que acontece neste sábado (17) e domingo (18), na Vila Cultural Cora Coralina. São mais de 100 expositores de nove estados que integram o projeto em sua 7ª edição. A programação é gratuita e conta com atividades formativas, além de lançamentos e saraus.

“A diversidade de linguagens é uma característica da nova produção nas artes gráficas, porque os interesses em temas e técnicas são múltiplos e os acessos estão mais facilitados”, explica a coordenadora do projeto, Lari Mundim. Muitos dos expositores formam a nova geração de artistas que se descobrem e experimentam nas artes gráficas e ampliam as possibilidades criativas. Confira o trabalho de cinco escritores, ilustradores e designers que participam da feira.

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(Fábio Lima / O Popular)

Midori Gondo (Fulera)

A designer Midori Gondo faz parte do projeto de artes gráficas Fulera (@producaofulera), que nasceu a partir da realização do calendário visual Cobra Criada. “Foi um impulso de colocar alguma ideia gráfica no mundo que não estivesse ligada às minhas demandas de trabalho”, conta. A profissional convidou diversos amigos para ilustrar o material, cada um com um mês específico. A partir do produto criativo nasceu o Fulera, que tem sempre a intenção de se divertir com humor e convidando sempre outras pessoas. Já lançaram postais, bandeira, gravura e prints. Um detalhe curioso: Midori é filha de Célia Gondo, talentosa gravadora que já participou da feira e-cêntrica em outras edições.&nbsp;

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(Fábio Lima / O Popular)

Igor Augstroze (Lapso)

Zines, livros autorais de pequena tiragem, pôsteres, marca-páginas, imãs de geladeiras e adesivos. Os trabalhos de Igor Augstroze são reunidos no seu selo independente de experimentações Lapso (@re.lapso), que geralmente brinca com as formas gráficas. “Uma das publicações ensina o passo a passo para montar uma publicação. Outra trabalha linhas e formas sem escrever palavra alguma, em uma narrativa visual geométrica e abstrata”, conta. A maior inspiração do artista é, com toda a certeza, a inquietação. “Se algo me inquieta, me desperta vontade e me dá forças para criar”, reitera.

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(Fábio Lima / O Popular)

Isadora Gonçalves Nogueira (Colladora)

A ilustradora encontrou nas colagens uma forma de expressar seus pensamentos e sentimentos. Foi quando decidiu assinar como Colladora (@colladora). “É meu lado mais intuitivo e emocional, me deixo completamente vulnerável nessas obras”. Logo, começou a série Existência, Distância e Lembrança (2021 - 2025), que reflete sua jornada pessoal e os últimos anos de transformações. Geralmente a artista explora temas como a ausência, o amor, a perda e a saudade.&nbsp;

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(Fábio Lima / O Popular)

Raquel Braga (Raqs)&nbsp;

Com o pseudônimo de Raqs (@raqswithlasers), Raquel Braga apresenta o zine Peixe Fora D’água, publicação que gira em torno da pergunta: “O design gráfico depende do capitalismo?”. A artista analisa conceitos de decolonidade, a epistemologia do design, o viés do discurso que é ensinado dentro das instituições de ensino e o apagamento das mulheres e designers LGBTQIAP+ na história do design. “As minhas inspirações vêm daquilo que eu estou lendo, ouvindo e assistindo. Seja uma conversa de bar entre amigos que me gera uma ideia, um livro de mitologia grega”, destaca.&nbsp;

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(Fábio Lima / O Popular)

Ana Clara Costa (Clara Coisas)&nbsp;

Fábrica de parafernálias. É assim que a ilustradora Ana Clara Costa resume o seu projeto de artes gráficas intitulado Clara Coisas (@claracoisas.br). A artista apresenta zines e experimentos impressos que desenvolveu nos últimos anos, explorando sempre temáticas como memória e poéticas visuais afetivas. “Uso muito o desenho, a colagem e o recorte para construir essas narrativas visuais”, completa a profissional.&nbsp;

SERVICO&nbsp; 
Evento: Feira e-cêntrica 2025 
Data:Neste sábado (17) e domingo (18), a partir das 11 horas 
Local: Vila Cultural Cora Coralina, Rua 23, Centro 
Entrada gratuita 
Informações: @ecentrica