Rogério Borges

Um dos maiores clássicos do cinema, o filme Metrópolis, do diretor austríaco Fritz Lang, foi lançado em 1927, trazendo uma previsão de como seria o mundo em 2026, o ano da graça no qual acabamos de ingressar. E o futuro não seria bom. Metrópolis é uma ficção científica distópica, na qual as fronteiras entre o humano e o mecânico se borram. Na produção surge o primeiro androide da história do cinema, Maria, que na obra é chamado de Ser-Máquina, numa clara alusão filosófica e existencial sobre uma relação que se tornou mais estreita nos últimos cem anos. Uma interação que, no filme, serve também para oprimir e explorar os humanos e que é o motivo de eventos trágicos. É uma crítica ácida à glamourização da tecnologia e seu uso pelos poderosos, que concentram cada vez mais recursos e ambições.

E eis que chegamos àquele tempo projetado por Fritz Lang debatendo o que ele previra, ainda que não nos termos exatos. Ele talvez não pudesse imaginar a Inteligência Artificial, as redes sociais, mas antecipou os donos do poder como os donos da tecnologia e a tensão entre homens e máquinas em um mundo conturbado e injusto. Essa temática estava na cabeça da sociedade, após o mundo presenciar como a tecnologia poderia definir destinos. A Primeira Guerra Mundial dera essa lição de forma incontestável. Primeiro conflito de grandes dimensões a fazer uso do avião como arma de combate, a utilizar o tanque de guerra e a lançar contra inimigos compostos químicos letais, a Grande Guerra ensinou que o avanço da ciência pode, também, ser horrorizante quando empregado para a morte.&nbsp;

Metrópolis, a cidade distópica governada por um implacável industrial, Joh Fredersen, é um cenário brutalista, opressivo, de grandes construções de concreto cinza e circuitos eletrônicos implacáveis. Nele, desenrola-se a aventura da operária Maria, do herdeiro Freder, o filho do patrão, e de um inventor, Rotwang, que se empenha na construção de uma androide que será o elemento crucial da trama. O que se vê é uma exclusão absoluta de classes, com os filhos dos abastados usufruindo de privilégios e luxos, enquanto os trabalhadores padecem com as piores condições possíveis, vivendo em locais insalubres e expostos a riscos ligados ao funcionamento das indústrias. Lang conseguiu transpor para o cinema os parâmetros mais comuns de sociedades distópicas industrializadas.

Na Metrópolis do diretor, há espaços preparados para acolher as elites, arborizados e agradáveis. Já os oprimidos vivem atulhados e encontram nas catacumbas o local onde podem se reunir às escondidas para planejar algum tipo de reação. É quando surge a protagonista do enredo, Maria, uma operária que tem grande ascendência sobre os demais e que, por um motivo acidental, conhece o filho do imperador da cidade. Essa relação vai abrir os olhos do jovem Freder, até então alienado em seu mundo de faz-de-conta. Ele toma conhecimento da situação da população pobre da cidade-indústria, o que vai alarmar seu pai. A resposta que ele encontra é enviar o androide concebido pelo inventor Rotwang, mas com o rosto de Maria, para que confunda a população com mensagens contraditórias.

Nos muitos fatos que acontecem no decorrer da história – a inundação da cidade, o salvamento das crianças, a negociação entre operários e patrão, as injustiças com a Maria de carne e osso, a destruição da androide em uma fogueira –, há simbolismos poderosos para se pensar o próprio lugar do homem em um mundo dominado pela tecnologia. Tudo ganha dimensões ainda maiores com a estética do expressionismo alemão e suas sombras, seus olhares oblíquos sobre questões aterradoras, suas temáticas que fogem da superficialidade, sua desilusão que, de alguma maneira, projeta os medos, as angústias e o pessimismo de uma sociedade que vivia sob condições difíceis. A incerteza quanto ao futuro e um indisfarçável terror psicológico se unem em obras impactantes.

Metrópolis é um dos filmes que melhor promove essa reunião de elementos. A produção é densa e opressiva em suas linhas gerais, mas abre espaço para que possamos refletir sobre as razões pelas quais as pessoas se submetem a determinados estados de coisas. Por trazer a máquina, o robô, o ser híbrido que não é humano, mas imita os atos das pessoas para poder manipulá-las ou mesmo exterminá-las, este filme de um século atrás é uma espécie de precursor de todos os outros sucessos e obras-primas que vieram depois, de Blade Runner: O Caçador de Androides a O Exterminador do Futuro, de 2001: Uma Odisseia no Espaço às tramas que trazem a Inteligência Artificial como personagem, como os últimos títulos da franquia Missão Impossível ou IA, de Steven Spielberg.

Ele explora um temor que atualmente saiu do campo das especulações fantasiosas e invadiu nosso cotidiano. O advento da internet comercial, em meados dos anos 1990, a criação das redes sociais nas últimas duas décadas e, principalmente, a explosão do uso da Inteligência Artificial após a pandemia de Covid-19 realçam a contemporaneidade desse debate no 2026 imaginado no filme, que inclui desemprego estrutural, ética e substituição das relações pessoais por interações virtuais, guiadas por algoritmos. A criação, a seleção, o julgamento, o diálogo e até tratamentos de saúde vêm sendo mais e mais terceirizados para sistemas de IA generativa, levantando perguntas sobre quais serão os limites para esse processo e quais os potenciais, positivos e negativos, que estão em jogo.

O que Fritz Lang faz em Metrópolis é propor uma discussão de fundo sobre essa simbiose entre homem e máquina num 2026 iconizado, isso num tempo em que pensar nosso atual estágio de desenvolvimento seria mera fantasia. A ficção científica, desde Júlio Verne, passando por H.G.Wells e Isaac Asimov, autores de clássicos do gênero, têm mesmo essa habilidade de “prever” o futuro. Essa mesma habilidade pode ser creditada hoje a Fritz Lang. Um século atrás, ele apresentou um filme que não idolatrava as invenções que encantavam a maioria. Ele conseguiu enxergar as ameaças ali embutidas e fez um chamamento para reflexões menos apressadas a respeito. Dez anos depois, Charles Chaplin faria o mesmo no clássico Tempos Moderno. Engrenagens que sugam gente.

Metrópolis, assim, firma-se como um filme necessário. E que bom que a versão original de Fritz Lang pôde ser recuperada, mesmo que ele, falecido em 1976, não tenha tido tempo de revê-la. É uma produção que agrega um conjunto raro de aspectos relevantes. Além de ser atemporal em sua discussão de fundo, também é um marco nas formas como levou a ficção científica ao cinema em uma época artesanal, encontrando soluções para suas necessidades de cenário e efeitos especiais. É um trabalho representativo de uma estética, o expressionismo alemão dos anos 1910 e 1920, que deu ao mundo títulos imprescindíveis, como O Gabinete do Dr. Caligari, de Robert Wiene, e Nosferatu, de Murnau. E quem quiser assisti-lo no Brasil, ele está disponível na plataforma Prime Vídeo, na versão de 1927.

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O macabro e o psicológico assume diferentes formas nas obras de Fritz Lang, como a robô Maria (Reprodução)

Um mundo distópico

Dizer que o expressionismo alemão no cinema era sombrio e aterrador é chover no molhado. Sim, naquela adolescência de uma nova modalidade artística que contava apenas duas ou três décadas de existência, época em que não havia som e cores nas películas, a imagem e as interpretações mais exageradas contavam muito na missão de arregimentar público. O que se via nas telas das salas de exibição mantinha um diálogo estético estreito com outras manifestações, como as artes plásticas, a arquitetura, o design e a literatura. Nessas condições, diretores como Fritz Lang, Murnau e Paul Leni fundaram uma corrente que se abastecia das obscuridades e da inquietação aterrorizante de histórias que tendiam para um macabro psicológico e das pinturas pouco realistas.

Esse emaranhado de referências foi perfeito para enredos de ficção científica, sobrenaturais ou distópicos, que colocassem a condição humana em xeque. Nessa esteira, surgem os robôs de Metrópolis, de Lang, mas com um debate sociológico muito pronunciado. Ao mesmo tempo que contestava estruturas econômicas e de poder que haviam levado a Alemanha para a ruína por meio de uma grande guerra, tais obras também problematizam os limites éticos pessoais e coletivos. Por outro lado, o mesmo Lang, com M, O Vampiro de Dusseldorf, de 1931, traz à cena um infanticida, enveredando pelos pântanos mentais de um psicopata. Murnau, por sua vez, alegoriza essa maldade com Nosferatu, baseado no livro Drácula, de Bram Stoker. O monstruoso em equivalência com o humano pérfido.

A fotografia privilegiava a profundidade, valorizando as sombras dos cenários, que por sua vez se inspiravam em modelos arquitetônicos pesados – o melhor exemplo é a Torre de Babel de Metrópolis, onde os destinos das pessoas eram decididos pelo magnata que dominava a cidade. Esses entrelaçamentos consolidaram uma estética que foi para além das fronteiras alemãs, sobretudo quando boa parte dessa vanguarda foi perseguida pelo nazismo nos anos 1930 e precisou emigrar por sua origem judia. Também foi um movimento que persistiu nas décadas seguintes, inclusive em Hollywood, destino de nomes expulsos da Alemanha de Hitler, caso do próprio Fritz Lang. Foi uma proposta que elegeu uma linha estética afastada da abordagem realista, mas dialogando com as aflições do mundo.

A distopia que resulta dessa opressão, que une o absurdo a situações familiares a todos nós, é um dos motes também da literatura que explora os recantos sinistros da mente ou sociedades opressoras que buscam amputar qualquer tipo de individualidade ou liberdade. Alguns dos filmes mais famosos do expressionismo alemão são adaptações de livros canônicos, como O Homem que Ri, de Victor Hugo, adaptado por Paul Leni, ou Nosferatu, personagem arquetípico de uma atmosfera gótica e tenebrosa. Mas no campo da ficção científica, terreno por onde transita o filme Metrópolis, temos muitos exemplos parecidos. As sociedades sob constante vigilância de Admirável Mundo Novo, de Aldous Huxley, e 1984, de George Orwell, são bem conhecidas por trazer essa lógica do controle absoluto.

O autor goiano José J. Veiga, no livro Aquele Mundo de Vasabarros, também descreve algo nesse sentido, ao criar um cenário de uma cidade na qual a estratificação social é reproduzida em andares que diferenciam as classes de cidadãos, com opressores e oprimidos muito bem definidos. Veiga falava, claro, também da ditadura brasileira, uma vez que o livro foi publicado no início dos anos 1980, mas há algo ainda mais amplo. Como uma distopia clássica, não há explicações, apenas ordens, tudo para a manutenção de um poder despótico sobre a maior parte das pessoas. A humilhada Alemanha do pós-Primeira Guerra sentia o fedor de enxofre de um estado totalitário, que se instalaria nos anos 1930 e que usaria o cinema como arma de propaganda. O movimento soube interpretar os ventos.

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Fritz Lang: artista é um dos maiores nomes do expressionismo no audiovisual (Reprodução)

Um gênio exilado em Hollywood

Quando Fritz Lang nasceu em Viena em 1890, o mundo era outro. Ele foi mais um cidadão a chegar ao então Império Austro-Húngaro, que veria desaparecer na esteira da Primeira Guerra Mundial. Em sua vizinhança havia um império czarista, na Rússia, que também passaria por transformações profundas, e o II Reich Alemão, comandado pelo Kaiser Guilherme II, substituto do todo poderoso chanceler Otto von Bismarck e que havia deixado o cargo naquele mesmo ano. O que nem aquele bebê e quase ninguém poderia imaginar naquele momento era a proporção com que o horror tomaria conta do Velho Continente nas décadas seguintes, exterminando a vida de dezenas de milhões de pessoas, expulsando populações inteiras, fazendo com que a morte e o preconceito definissem a geopolítica.

Apesar da mãe judia, Lang não foi criado nos preceitos da religião judaica e sim no catolicismo. Seus biógrafos acreditam que isso ocorreu não por uma questão de fé, mas sim de sobrevivência em uma sociedade que ficava a cada dia mais antissemita. Com pai que fazia as vezes de arquiteto, as linhas e as formas desde cedo o encantaram e ele tentou, inicialmente, uma carreira nas artes plásticas. Chegou a estudar e expor em Paris e em Munique, mas a eclosão da Primeira Guerra Mundial alterou todos os planos. Convocado para o exército austríaco, foi para a frente de batalha. No front, esteve à beira da morte pelo menos quatro vezes. No mais grave evento dessa natureza, perdeu o olho direito. Depois disso, foi dispensado após uma longa internação num hospital de Viena.

Depois que a guerra passou, mudou os rumos de sua vida, preferindo apostar na escrita. Foi o autor de roteiros para espetáculos teatrais em Berlim e desse modo chegou ao universo do cinema germânico, onde se consolidava o movimento expressionista. Era a maneira ideal de unir suas paixões: a escrita, a cenografia que lhe remetia à arquitetura e a arte por meio das tomadas fotográficas e das construções de cenas em quadros. Assim, ingressou no Estúdio Decla Biscop, atuando ao lado do produtor Erich Pommer. Não poderia estar em lugar melhor para iniciar sua carreira na área. Aquela era a meca da sétima arte na Alemanha, produzindo os principais filmes do período. Ele refinou sua técnica após se casar com Thea von Harbou, que também escrevia para o cinema.&nbsp;

Em meados dos anos 1920, fez sua primeira viagem para os Estados Unidos, onde aprendeu os processos de produção cinematográfica com aqueles que revolucionavam a área. Ao retornar, propôs e realizou, para desespero de produtores que viam os recursos se esvaírem, a superprodução Metrópolis. Era um projeto ambicioso, com muitos figurantes, numerosos cenários e a necessidade de soluções para uma obra de ficção científica. O diretor de fotografia Karl Freund e Eugen Schüfftan, responsável pelos efeitos especiais, foram fundamentais. Sua versão inicial não foi aprovada comercialmente, ainda que tenha causado boa repercussão. Aquela experiência o levou a produzir por conta própria, com mais liberdade e menos recursos, o seu próximo trabalho, o filme policial Espiões, em 1928.&nbsp;

Até 1931, quando apresentou sua segunda obra-prima, M, O Vampiro de Dusseldorf, esteve envolvido em trabalhos menores. Com Peter Lorre no papel principal, a produção de Lang foi aclamada. Mas os tempos na Alemanha estavam mudando e viraram de vez com a vitória do Partido Nazista, em 1933. E aqui ocorre um dos episódios mais dramáticos na vida do diretor. Ele foi convocado para uma reunião com o temido Ministro da Propaganda do nazismo, Joseph Goebbels. Ele buscou cooptar Lang para suas hostes. Chegou a lhe oferecer um alto cargo e jurou que Hitler gostava de seus filmes, mesmo tendo proibido a exibição de Dr. Marbuse, de 1922, onde um personagem lunático dizia slogans nazistas. Armadilha ou não, Lang não aceitou o convite e procurou escapar das garras de Goebbels.

Sua fuga, primeiro para Paris, depois para Hollywood, vai marcar uma nova fase de sua vida. A esposa, adepta do nazismo, ficou na Alemanha. Convidado pelo produtor David O. Selznick, foi contratado pelos estúdios Metro-Goldwyn-Meyer, fundado por judeus e que vinham amparando os exilados do nazismo que chegavam à América. Dirigiu e produziu filmes com nomes de peso, como Spencer Tracy e Henry Fonda, apostando no gênero noir. Passou também pelos estúdios da Twentieth Century Fox, mas não deixou de se dedicar a projetos menos badalados e mais autorais, como um com o dramaturgo alemão Berthold Brecht. Nos anos 1940 e 1950, seu nome surge em obras de prestígio, como Os Carrascos Também Morrem, Desejo Humano, A Gardênia Azul, Os Corruptos e A Mulher na Janela.

Em Só A Mulher Peca, de 1952, o diretor reuniu num mesmo set nomes maiúsculos de Hollywood, como Barbara Stanwyck, Marilyn Monroe e Robert Ryan. Fritz Lang nunca ganhou um Oscar – na verdade, jamais recebeu sequer uma indicação, apesar de alguns de seus trabalhos terem sido premiados em categorias técnicas. Em compensação, levou o prêmio da crítica do Festival de Veneza em 1946 por Os Carrascos Também Morrem. Ele se aposentou em 1960 e preferiu não voltar para a Alemanha ou para a Áustria. Morreu em 2 de agosto de 1976, na Califórnia. Deixou a imagem de um diretor ousado, autoral e icônico, para o que o seu indefectível tapa-olho contribuiu. Seu principal legado situa-se ainda no início da carreira. Impossível passar incólume por Metrópolis e O Vampiro de Dusseldorf.

Por ironia, Lang morreu desgostoso com as tantas edições pelas quais seu filme mais celebrado passou. Há até um debate sobre a data exata do lançamento de Metrópolis. Há quem defenda que houve uma exibição inaugural em janeiro de 1926 e que Lang teria passado aquele ano fazendo ajustes até sua première, um ano depois. A obra original tem mais de 3 horas e meia de duração. Quando foi para os cinemas europeus e dos EUA, houve um corte de 25% no filme. Por fim, uma outra intervenção, ainda mais radical, reduziu a produção a menos de uma hora. Em 2008, uma cópia da versão original do diretor foi encontrada por acaso em Buenos Aires e restaurada na Alemanha, voltando a ser exibida em 2010 pela primeira vez desde a estreia um século atrás.

Você sabia?

– A andróide Maria, de Metrópolis, inspirou o formato do robô C-3PO, da franquia Guerra nas Estrelas, de George Lucas.

– O inventor que cria o andróide em Metrópolis, o doutor Rotwang, forneceu o molde para a criação visual do Professor Brown, na trilogia De Volta Para o Futuro.

– Diretores como Steven Spielberg, Stanley Kubrick e Tim Burton declaram ser fãs de Fritz Lang e há várias homenagens ao cineasta e suas obras em seus próprios filmes.

– A paisagem caótica e opressiva da cidade de Metrópolis, na obra-prima de Fritz Lang, também serviu de referência para histórias em quadrinhos, como as do herói Batman.

'Metrópolis', clássico do diretor Fritz Lang, imaginou um século atrás a sociedade que teríamos em 2026

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CINEMA

Alguém sabe quantos prêmios Wagner Moura já amealhou ou pelo qual está indicado por seu trabalho no filme O Agente Secreto? Possivelmente até ele já perdeu as contas. Desde que foi aclamado com a Palma de Ouro no Festival de Cannes no ano passado na categoria de Melhor Ator, foram literalmente dezenas de reconhecimentos nos mais diversos festivais ao redor do mundo. A lista inclui certames de prestígio em Nova York, Boston, Atlanta. Isso sem contar as indicações em várias das principais disputas da chamada temporada de premiações da indústria do cinema hollywoodiano, sendo a principal, até agora, a do Globo de Ouro, que o colocou como finalista entre os atores em produções de drama - a cerimônia será neste domingo (11). E vem aí o Oscar, para o qual todas as previsões também o apontam como um dos favoritos.

Não há paralelo para um ator brasileiro. Vivemos isso anteriormente com as atrizes Fernanda Montenegro, por Central do Brasil, e Fernanda Torres, por Ainda Estou Aqui, ambas as produções dirigidas por Walter Salles. Elas são as únicas atrizes do Brasil indicadas ao Oscar até hoje e Fernanda Torres ganhou o Globo de Ouro no ano passado, um feito inédito. O Agente Secreto, também um papa-prêmios em vários países e que deve trazer mais indicações ao Oscar, além de concorrer em mais duas categorias no Globo de Ouro, permitiu que o fenômeno Wagner Moura ganhasse uma dimensão única. Seu rosto é o que mais engaja em qualquer rede social dessas premiações – repetindo o que aconteceu com Fernanda Torres em 2025 – e virou o queridinho da imprensa especializada.

Essa carreira internacional, entretanto, não é acidental ou surpreendente. Wagner Moura é um ator respeitado no Brasil e fora dele já há algum tempo. A indicação ao Globo de Ouro, por exemplo, não é a primeira que recebe. Em 2016, ele concorreu ao prêmio de Melhor Ator em Série Dramática pela produção Narcos, na qual encarnou o traficante colombiano Pablo Escobar. Na telona, ele já dividiu a cena com grandes nomes da indústria do cinema, como Matt Damon e Jodie Foster, na superprodução Elysium (na qual também estava a brasileira Alice Braga), e Kirsten Dunst, em Guerra Civil. Também é presença constante em séries produzidas lá fora, como Ladrões de Drogas, Iluminadas e Sr. &amp; Sra. Smith, esta última produzida e estrelada por Donald Glover. Desconhecido ele já não é faz tempo.

Mas foi com um filme nacional, capitaneado por Kléber Mendonça Filho – outro nome de prestígio em festivais norte-americanos e europeus em razão de produções anteriores, como Bacurau e Aquarius –, que Wagner Moura realmente conheceu o estrelato no exterior, um processo que ele já havia experimentado no Brasil. Um dos personagens mais icônicos de nosso cinema traz a sua interpretação. Gritando “pede pra sair!”, estapeando testemunhas, abatendo bandidos e lidando com colegas de farda corruptos e políticos oportunistas, Wagner Moura deu vida e inseriu no imaginário nacional uma espécie de herói ambíguo: o Capitão Nascimento. Recordista de bilheteria e símbolo de correntes políticas nem sempre muito democráticas, ele mobilizou o Brasil nos dois filmes Tropa de Elite.

Aquele trabalho foi determinante para fazer de Wagner Moura não só um astro, mas uma personalidade que, não raramente, participa dos debates nacionais. Se o seu Capitão Nascimento foi acusado de glamourizar uma violência estatal, com a polícia fazendo justiçamento, ele compreendeu a discussão social trazida pelos filmes de José Padilha, lançados em 2007 e 2010. Ele já comentou a respeito e em algumas ocasiões criticou o discurso que as obras acabaram produzindo, incentivando uma solução à margem da lei e da política para o problema crônico da violência que temos no País. Recentemente, por exemplo, o ator elegeu seus filmes nacionais preferidos e na lista não está Tropa de Elite, gerando reações de outros membros do elenco, que o acusaram de ser ideológico.

Essa acusação não parece incomodar Wagner Moura, que não esconde seu pensamento político progressista. Ele é um crítico contumaz da extrema-direita e foi perseguido por isso durante o governo de Jair Bolsonaro. Na época, o ator levava adiante seu projeto mais autoral, a produção e direção da cinebiografia Marighella, sobre o famoso guerrilheiro que lutou contra a ditadura militar. Em 2021, quando finalmente conseguiu lançar a obra após uma série de reveses burocráticos e atrasos incomuns, Wagner Moura culpou o então Presidente da República pelas dificuldades enfrentadas. “Não tenho a menor dúvida de que o filme foi censurado. Era uma época na qual Bolsonaro falava em regular e filtrar a Ancine”, afirmou, referindo-se à Agência Nacional do Cinema, cuja gestão teria sabotado o filme.

Nesse momento de grande exposição midiática, Moura também tem sido uma das vozes latinas a tecer críticas contra a política migratória do governo Trump. Em várias entrevistas a grandes veículos internacionais, ele diz lamentar tal perseguição aos imigrantes, o que motivou até uma campanha da extrema-direita brasileira, que o odeia, para que a Casa Branca cassasse seu visto de permanência no país. Claro que esse barulho não deu em nada, como tantas das iniciativas dessa natureza, mas todos esses fatos posicionam o ator num espectro das artes que se engaja na batalha política. Na manifestação contra a PEC da Blindagem, que levou milhares de pessoas às ruas contra medidas de proteção a crimes cometidos por políticos, lá estava Wagner Moura em cima de um trio elétrico protestando.

Esse olhar para os fatos atuais também advém de sua formação inicial. Antes de se dedicar às artes cênicas, Wagner Moura estudou Jornalismo na Universidade Federal da Bahia, em Salvador. É bom lembrar que a UFBA tem um histórico respeitável no que se refere aos seus estudantes que, no ambiente universitário ali proporcionado, enveredam pela carreira artística. O documentário A Última Vanguarda, de Peu Lima, conta esse rico passado, mostrando, com imagens e documentos raros, além de depoimentos, como nomes da envergadura de Glauber Rocha, Caetano Veloso e Gilberto Gil encontraram naquele câmpus suas vocações e o ambiente propício para suas genialidades. Wagner Moura pode ser inserido nessa lista, porque a partir daquela atmosfera criadora ele descobriu os palcos.

Durante cinco anos, ele fez parte de produções modestas e de alcance mais local, até que em 2000, o espetáculo A Máquina, dirigido e adaptado por João Falcão a partir do texto de sua esposa, Adriana Falcão, mudou os destinos de toda uma turma hoje bem conhecida dos brasileiros. Wagner Moura, ao lado dos companheiros Lázaro Ramos, Vladimir Brichta e Gustavo Falcão, conquistaram plateias e chamaram a atenção de diretores e produtores de cinema e TV. Todos eles acabaram arrebanhados para novos circuitos, que incluíam produções maiores no cinema e trabalhos para emissoras, como a TV Globo. Wagner Moura, que até aquele momento havia participado de projetos pequenos, como o curta-metragem Rádio Gogó e programas de TV na Bahia, viu sua carreira se transformar.

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Ponte entre vilões e mocinhos

Se o Capitão Nascimento é o personagem de Wagner Moura mais lembrado pelo público brasileiro, certamente não é o único. Aos 49 anos de idade, o ator vem nos últimos 25 anos enfileirando trabalhos de destaque, sobretudo no cinema e na TV. Seu papel mais recordado em telenovelas foi o do vilão Olavo, de Paraíso Tropical, folhetim de Gilberto Braga, de 2007. Antagonista capaz de cometer atrocidades, que vivia às turras com a mãe oportunista e o irmão vagabundo, ele também era cheio de carisma, sobretudo quando estava com seu par, a garota de programa Bebel, vivida por Camila Pitanga. Uma das cenas entre os dois que virou meme é quando Bebel, para provocar seu amado, vai a um evento chique e repete: “que boa ideia esse casamento primaveril em pleno outono”.

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&nbsp;(TV GLOBO / João Miguel Júnior)

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Naquela novela, a dupla de vilões ofuscou os protagonistas e caiu no gosto do público, o que poderia indicar que Wagner Moura seria um rosto constante na telinha. Não foi o que aconteceu. Ele já pertencia a uma geração que não se deslumbrava tanto assim com a visibilidade dada pela TV aberta, preferindo trilhar caminhos menos óbvios. Ainda que tenha feito alguns trabalhos que aumentaram sua fama, como a novela A Lua me Disse, de Miguel Falabella, e a minissérie JK, de Maria Adelaide Amaral, foram os projetos no cinema que o seduziram. Primeiro em papéis pequenos, como em Abril Despedaçado, de Walter Salles, depois já dividindo o protagonismo, como Deus É Brasileiro, de Cacá Diegues, ele virou um verdadeiro camaleão em alguns dos principais filmes realizados no Brasil nos últimos anos.

Wagner Moura consegue transitar entre gêneros muito distintos no cinema. Ele nos faz rir na comédia Ó Pai, Ó, onde revisita sua Salvador ao lado do velho amigo Lázaro Ramos, e nos faz prender a respiração em cenas de tensão em Carandiru, de Hector Babenco. Ele pode protagonizar o excelente Cidade Baixa, de Sérgio Machado, numa história de amor cheia de percalços em sua Bahia natal, e encarnar um sujeito complicado em uma ficção científica cômica como O Homem do Futuro, de Cláudio Torres. Em Serra Pelada, filme que depois foi adaptado como série de TV, Moura encarna o grande vilão, dono de um garimpo que explora e ameaça seus empregados. Um ano depois ele abraça o personagem de um salva-vidas gay que tem sua vida transformada por uma paixão em A Praia do Futuro.

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Capitão Nascimento é o personagem de Wagner Moura mais lembrado pelo público brasileiro (Divulgação/Globo Filmes)

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O ecletismo dessas criações atesta o talento invulgar de Wagner Moura para se transformar a cada personagem. Não é à toa que ele vem conquistando prêmios mesmo antes da fama nacional. Já em 1997, ele foi reconhecido como ator revelação na peça Abismo de Rosas. Depois, faturou o prêmio da Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA) por sua performance em Carandiru. Em seguida vieram os louros por suas atuações mais emblemáticas até O Agente Secreto: o escroque Olavo, de Paraíso Tropical, e o violento Capitão Nascimento, de Tropa de Elite. Durante um tempo, investiu em teatro, encarando um desafio e tanto, uma montagem de Hamlet, de William Shakespeare, sob a batuta de Aderbal Freire Filho. Foi mais um sucesso de crítica.

A carreira internacional chegou e ele conseguiu conciliar projetos dentro e fora do Brasil. Um deles foi VIPS, filme que contou a história incrível e verídica de um golpista que se passou pelo herdeiro da companhia aérea GOL, enganando, com essa farsa, empresários, artistas e jornalistas. O sucesso de Tropa de Elite o colocou no radar de projetos no exterior, como o filme Elysium e a série Narcos. Ao contrário do que se poderia imaginar, ele não deixou de lado a cena brasileira. Pelo contrário, depois do esforço para produzir e lançar Marighella, ele agora está envolvido em outra cinebiografia de um personagem de relevo, o educador Paulo Freire. O projeto, chamado Angicos, será dirigido por Felipe Hirsch e contará a experiência exitosa de alfabetização de adultos ocorrida no Rio Grande do Norte.

 
Grupo seleto

A disputa pelo Globo de Ouro coloca Wagner Moura mais uma vez numa galeria seleta de artistas que disputaram o segundo maior prêmio da indústria de cinema de Hollywood, considerado um termômetro fidedigno para a cerimônia do Oscar. O troféu também contempla produções da TV e séries do streaming. O próprio Moura já foi indicado antes, por seu trabalho em Narcos. Quais outros artistas brasileiros já estiveram lá?

Kleber Mendonça Filho – O Agente Secreto rendeu não só a indicação de Wagner Moura para o prêmio, mas também do diretor do longa-metragem, nas categorias Melhor Filme em Drama e Melhor Filme Estrangeiro. Kleber é o diretor e produtor da obra.

Fernanda Torres – No ano passado, o Brasil saiu vitorioso da cerimônia, com Fernanda Torres faturando o prêmio de Melhor Atriz em Drama. Ela chegou como azarona, mas desbancou as favoritas e consolidou sua indicação de Melhor Atriz no Oscar.

Walter Salles – O diretor, indicado ano passado com Ainda Estou Aqui, não ganhou, mas ele já levou o prêmio para casa com Central do Brasil, na categoria de Filme Estrangeiro. Depois disso, o diretor voltou a ser indicado na mesma categoria por Diários de Motocicleta.

Fernanda Montenegro – Se a filha foi a primeira brasileira a ganhar o Globo de Ouro, coube à mãe ser a primeira indicada na categoria de atriz principal em drama. Fernandona disputou com Central do Brasil, mas foi superada por Cate Blanchett, por Elizabeth.

Fernando Meirelles – O diretor levou o filme Cidade de Deus a ser, ainda hoje, a produção nacional com mais indicações ao Oscar – quatro no total –, e também o incluiu entre os indicados ao Globo de Ouro, em 2003, mas Fale com Ela, de Pedro Almodóvar, venceu.

Sônia Braga – Nenhuma atriz brasileira, porém, foi indicada mais vezes que Sônia Braga. Ela disputou o prêmio de Atriz Coadjuvante duas vezes, por O Beijo da Mulher Aranha e Luar sobre Parador. Também obteve uma indicação pela série Amazônia em Chamas.

Hector Babenco – O diretor argentino radicado no Brasil também teve mais de uma indicação para Melhor Filme Estrangeiro. Em 1982, ele disputou com o filme Pixote: A Lei do Mais Fraco. Em 1986, entrou na concorrência com O Beijo da Mulher Aranha.

Daniel Benzali – Com carreira mais ligada ao teatro, o ator brasileiro concorreu ao Globo de Ouro em 1996, na categoria Melhor Ator Principal em Série de Televisão, pelo trabalho em Assassinato Um. Quem ganhou foi Jimmy Smits, por Nova York P.D. Blue.&nbsp;

Wagner Moura chega ao auge da carreira na disputa pelo Globo de Ouro

Globo de Ouro

O ano de 2026 promete ser um dos mais movimentados e ambiciosos para o cinema nos últimos tempos. Entre continuações aguardadas, como O Diabo Veste Prada 2, superproduções de heróis, caso de Vingadores: Doutor Destino, e títulos com forte potencial para a temporada do Oscar, como Marty Supreme, o calendário de estreias chama a atenção. Prepara a pipoca e confira os lançamentos previstos nas telonas em 2026.

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Hamnet: A Vida Antes de Hamlet

O novo filme da diretora Chloé Zhao, de Nomadland e Eternos, retrata a tragédia que teria inspirado a criação de uma das obras mais famosas de Shakespeare, Hamnet. No elenco, olho em Jessie Buckley, nome forte na temporada de prêmios. Estreia em 15/1 e já em pré-estreia em Goiânia.

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Marty Supreme

Vencedor de Melhor Ator no Critics Choice Awards 2026 e favorito ao Oscar, Timothée Chalamet vive Marty Reisman, um traficante que se tornou campeão de tênis de mesa e se tornou o mais velho a ganhar um campeonato nacional de raquete. Estreia em 22/1 e já em pré-estreia em Goiânia.

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O Diabo Veste Prada 2

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Diabo Veste Prada (Divulgação)

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Meryl Streep, Anne Hathaway e Emily Blunt estão de volta na continuação do sucesso de 2006. A trama coloca Miranda Priestly (Streep) em rota de colisão com Emily Charlton (Blunt), sua antiga assistente em um momento delicado do mercado. Estreia em 30/4.

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Michael

Estrelado por Jaafar Jackson (sobrinho do cantor), a cinebiografia acompanha a trajetória de Michael Jackson, desde o início no Jackson 5, até se tornar o Rei do Pop. O roteiro é assinado por John Logan, indicado ao Oscar três vezes. Estreia em 23/4.

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Super Mario Galaxy: O Filme

Depois do sucesso bilionário do primeiro filme - que se tornou a quinta animação com maior bilheteria da história -, Mario e seus amigos embarcam agora numa missão espacial para deter um novo vilão, Bowser Jr., filho de Bowser. Estreia em 2/4.

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Mestres do Universo

Os fãs mais nostálgicos já podem comemorar porque 2026 tem um filme com o He-Man e companhia em live action. Com Nicholas Galitzine no papel do herói de Eternia, Idris Elba como Mentor e Jared Leto na pele do vilão Esqueleto. Estreia em 4/6.

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Homem-Aranha: Um Novo Dia

Após os eventos de Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa, Peter Parker perdeu tudo: sua identidade foi apagada da memória das pessoas que ele mais ama. Na nova jornada, o herói tenta levar uma vida normal, até que uma nova ameaça aparece. Um spoiler para os fãs: o Hulk está confirmado na trama. Estreia em 30/7.

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Street Fighter

Bastou Jason Momoa aparecer como Blanka no trailer para a internet vir abaixo com o novo filme do Street Fighter. A trama será ambientada em 1993, quando os lutadores Ryu (Andrew Koji) e Ken Masters (Noah Centineo) são recrutados por Chun-Li (Callina Liang) para participar de um torneio mortal. Estreia em 16/10.

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Vingadores: Doutor Destino

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Vingadores Doutor Destino (Divulgação)

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Capitão América (Chris Evans), Professor Xavier, Magneto, Ciclope, Fera, Noturno, Gambit, Mística, o Quarteto Fantástico, os Thunderbolts, Thor… A maior reunião de heróis de todos os tempos em Hollywood chega aos cinemas para enfrentar o Doutor Destino, papel de Robert Downey Jr. Estreia em 17/12.

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Duna: Parte 3

A terceira parte da saga de ficção acompanha Paul Atreides em sua ascensão ao poder, enquanto precisa lidar com conspirações pelo poder. Novamente nas mãos do diretor Denis Villeneuve, o filme conta Timothée Chalamet, Zendaya e, agora, com Robert Pattinson no elenco. Estreia em 17/12.

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Os nacionais mais esperados 
Deus Ainda É Brasileiro 
Antônio Fagundes (no papel de Deus) e o diretor Carlos Diegues (1940-2025), retomam a parceria de 2003 para esta sequência. Na trama, o Todo Poderoso volta ao Brasil após a pandemia para recuperar a esperança na humanidade. Estreia em 25/6.

Velhos Bandidos 
A trama acompanha o casal Marta (Fernanda Montenegro) e Rodolfo (Ary Fontoura), que planeja um ousado roubo a banco. Para isso, eles precisam da ajuda de um casal de jovens assaltantes, Nancy (Bruna Marquezine) e Sid (Vladimir Brichta). Estreia em 5/3.

Se Eu Fosse Você 3 
Cláudio (Tony Ramos) e Helena (Glória Pires) vivem uma nova fase em suas vidas. Desta vez, os personagens já estão com a filha (Cleo Pires) adulta e casada (com Rafael Infante). E a troca de corpos envolve os quatro membros da família. Estreia em 4/6.

Chorão: Só os Loucos Sabem 
A trama mergulha na vida do líder da banda Charlie Brown Jr., artista que transformou dores e paixões em poesia urbana. Protagonizado por José Loreto, o filme foca na relação do cantor com Graziela (Fernanda Marques), desde os anos 1990, em Santos. Estreia dia 3/9.

Bruna Surfistinha 2 
O longa, que conta a vida de uma garota de programa e levou mais de 2 milhões de espectadores em sua primeira versão em 2011, vai voltar às telonas. Com Deborah Secco novamente no papel principal, a trama explora o mundo das redes sociais e do conteúdo digital para fins sexuais. Estreia em 31/12.

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'Vingadores', 'O Diabo Veste Prada 2' e 'Duna Parte 3': confira o que chega aos cinemas em 2026

SESSÃO PIPOCA

Morreu nesta terça-feira (6), aos 70 anos, o cineasta húngaro Béla Tarr, um dos maiores do seu país, conforme anunciou o diretor Bence Fliegauf à agência de notícias MTI, em nome da família. O mestre do cinema húngaro, que morreu após enfrentar uma longa doença, é conhecido por suas obras complexas e sombrias. Com um preto e branco que destaca as nuances de luz e sombra, ficou célebre pelo seu ritmo lento e melancólico, em obras que observam o indivíduo sob as forças opressivas, da política à natureza, num tom pessimista, em quadros vivos de grande beleza.O destaque na filmografia vai para Sátántangó, de 1994, um filme de sete horas sobre o colapso do comunismo na Europa Oriental e seu declínio material e espiritual a partir da vida num vilarejo em ruínas. O longa é uma adaptação do romance de mesmo nome, de 1985, do ganhador do Nobel de Literatura do ano passado, László Krasznahorkai, com quem Tarr colaborou em diversas ocasiões.Com vários habilidosos planos-sequência isto é, de tomadas sem cortes, que podem se estender por vários minutos, Tarr absorveu e traduziu a linguagem complexa do escritor e a recriou no cinema com seu estilo particular. O próprio começo de Sátántangó exemplifica isso, com uma tomada de sete minutos em travelling, acompanhando um rebanho bovino ao longo do vilarejo por mais de cem metros. Inspirado pelo russo Andrei Tarkóvski, sagrou-se como um dos grandes pensadores do plano cinematográfico, daquilo que se vê entre dois cortes.Depois de Sátántangó, o livro The Melancholy of Resistance - ou a melancolia da resistência, sem tradução no Brasil - rendeu o filme A Harmonia Werckmeister, de 2000, sobre a instauração do caos e da violência numa pequena cidade a partir da chegada de um estranho circo, cuja principal atração é uma baleia jubarte embalsamada.Sete anos depois, colaboraram juntos em O Homem de Londres, adaptando um romance do belga Georges Simenon. Com Tilda Swinton no elenco, o filme acompanha o controlador de uma estação de trem que presencia um assassinato e, sem querer, assusta o criminoso ao abrir uma porta e se depara com uma mala de dinheiro. A última parceria entre os dois foi em O Cavalo de Turim, de 2011, vencedor do Grande Prêmio do Júri no Festival de Berlim, e que Tarr anunciou, à época, como sua aposentadoria. No filme, há um homem, o dono do cavalo, que mora com sua filha numa casa isolada. Eles vivem quase sem contato com a humanidade e parecem esperar alguma coisa.Mas ele, considerado um dos maiores cineastas dos últimos 40 anos, e reverenciado por nomes como Gus Van Sant e Susan Sontag seguia produzindo longas e curtas de outros diretores, além de ter montado a videoinstalação Missing People, em 2019, na Berlinale.Nascido na cidade de Pécs, em julho de 1955, cresceu em Budapeste. Seus pais trabalhavam no teatro e incentivaram sua veia artística ele foi ator mirim na TV húngara e, após ganhar uma câmera do pai, fundou um pequeno coletivo de cinema amador com os amigos. Venceu um festival de cinema amador com um documentário sobre operários, mas que não foi bem-visto pelo governo comunista.Seguiu com trabalhos amadores até chamar a atenção do estúdio Béla-Baláz, que financiou seu filme Ninho Familiar, de 1979, num estilo próximo ao do realismo socialista, com tramas cotidianas e num estilo próximo ao cinema verdade. Depois, estudaria na Universidade de Teatro e Artes Cinematográficas de Budapeste e abandonaria sua abordagem inicial nos anos 1980, a partir da adaptação televisiva de Macbeth, de 1982.Sua assinatura seria trabalhada em Almanac of Fall, de 1984 sobre os moradores de um apartamento decadente enquanto lutam para conviver em meio às suas hostilidades e Damnation, de 1988, sua primeira parceria com Krasznahorkai. Também trabalhou com frequência com o compositor Mihály Víg, com o diretor de fotografia Fred Kelemen e com a atriz Erika Bók. Após o anúncio da sua aposentadoria em 2011, após O Cavalo de Turim, mudou-se para Sarajevo, capital da Bósnia e Herzegovina, e fundou, em 2013, a escola internacional de cinema Film Factory. Em 2021, Tarr produziu o filme de terror Lamb, de Valdimar Jóhannsson, um dos alunos da instituição que fundou.

Bela Tárr, cineasta húngaro, morre aos 70 anos

Adeus

VÍDEO: Sylvester Stallone escreve livro

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Sylvester Stallone começou o ano celebrando uma conquista pessoal longe dos sets: a conclusão de sua autobiografia, escrita inteiramente à mão.

Em uma mensagem publicada nas redes, o ator contou que finalizou "The Steps", livro de memórias em que revisita sua trajetória e, sobretudo, o caminho improvável que levou ao sucesso de Rocky, filme que transformou sua vida e carreira.

Segundo Stallone, a escolha por escrever manualmente não é apenas estética ou nostálgica. Para ele, o gesto cria uma conexão mais profunda com as lembranças. "Há algo que acontece quando você escreve à mão, em vez de digitar. A memória é ativada de outra forma, e a relação com a página se torna muito pessoal", afirmou. O ator brincou ainda que nunca se adaptou à digitação —e que, a essa altura, "já é um pouco tarde" para aprender.

<div class="p-readmore-box"><a href="https://opopular.com.br/esporte/sylvester-stallone-homenageia-pele-descanse-em-paz-1.2586488" target="_self">Sylvester Stallone homenageia Pelé: 'Descanse em paz'&nbsp;</a> 
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<a href="https://opopular.com.br/magazine/pele-esnobou-os-beatles-parou-uma-guerra-e-quebrou-o-dedo-de-sylvester-stallone-1.2586336" target="_self">Pelé esnobou os Beatles, parou uma guerra e quebrou o dedo de Sylvester Stallone</a></div>

No relato, o astro também comentou sobre o esforço físico e mental envolvido no processo criativo. Disse encarar a escrita como algo intenso, quase exaustivo, comparando o excesso de trabalho intelectual a exageros nos treinos físicos. Ainda assim, reforçou a satisfação por ter concluído o projeto e a expectativa de, em breve, compartilhá-lo com o público.

A autobiografia deve ser lançada na primavera do hemisfério norte, pela editora HarperCollins. Enquanto isso, Stallone já tem data para retomar a rotina profissional: em poucos dias, ele volta às gravações da série "Tulsa King", um de seus trabalhos recentes de maior destaque na televisão.

Ao olhar para trás, o ator fez questão de dividir os méritos do sucesso. Disse não acreditar que alguém chegue longe sozinho e atribuiu sua trajetória a uma combinação de apoio dos fãs, da família e de fé. "Foi uma jornada milagrosa. Não levo todo o crédito para mim. A intervenção divina é claramente evidente", declarou.

Stallone também reservou espaço para falar da vida pessoal. Agradeceu à esposa e à família, ressaltando a importância de valorizar o tempo e as relações. Ao encerrar a mensagem, deixou um conselho que resume o tom reflexivo do momento: "Não tente mudar a cabeça das pessoas. Mude a sua. E continue lutando."

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Sylvester Stallone termina livro sobre sua vida escrito inteiro à mão; veja vídeo