O universo de Pandora volta às telas com Avatar: Fogo e Cinzas, novo capítulo da ambiciosa saga criada por James Cameron. O filme, que ganha pré-estreia nesta quarta-feira (17) nos cinemas de Goiânia e Aparecida, aprofunda ainda mais o conflito entre os seres, mas agora sob uma perspectiva inédita: a de um grupo marcado pela violência, pela dor e pela relação destrutiva com o próprio planeta. A proposta é mostrar que Pandora não é um mundo homogêneo e que nem todos os Na’vi compartilham dos mesmos valores.

Dando continuidade direta aos acontecimentos de O Caminho da Água (2022), a trama acompanha Jake Sully e sua família enquanto enfrentam novas ameaças humanas e, ao mesmo tempo, entram em choque com um clã Na’vi associado ao elemento fogo. Conhecidos como o “Povo das Cinzas”, esses personagens vivem em regiões vulcânicas e têm uma relação mais agressiva com o território, criando um contraste radical com os povos da floresta e da água apresentados anteriormente.

Segundo James Cameron durante a première do longa nos Estados Unidos, a ideia do novo filme é desafiar a visão romantizada construída até agora. “Eu queria mostrar que Pandora também tem seus conflitos internos. Nem todos os Na’vi são nobres ou espiritualmente equilibrados. Alguns foram moldados pela perda, pela guerra e pelo fogo”, afirmou o diretor. A partir da premissa, Fogo e Cinzas se propõe a explorar temas como ódio, vingança e radicalização.

Visualmente, o filme apresenta uma mudança significativa de atmosfera. As paisagens aquáticas dão lugar a cenários dominados por cinzas, lava, rochas incandescentes e céus tingidos de vermelho. Cameron explicou que o contraste visual também é narrativo: “Cada filme tem um elemento central. Aqui, o fogo representa transformação, mas também destruição. É um filme mais intenso, mais sombrio”.

Tecnologia

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Espetáculo tecnológico segue como um dos pilares da franquia (Divulgação)

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O espetáculo tecnológico segue como um dos pilares da franquia. Novas técnicas de captura de movimento e renderização foram desenvolvidas para dar vida aos ambientes vulcânicos e às batalhas em terra firme. As cenas de ação prometem ser mais cruas e diretas, refletindo o clima de tensão permanente que domina essa nova fase da história.

O elenco principal retorna para dar continuidade emocional à saga. Sam Worthington vive novamente Jake Sully, agora ainda mais dividido entre a liderança, a proteção da família e o peso das escolhas passadas. Zoë Saldaña, que conquistou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante por Emilia Pérez (2025), retorna como Neytiri, em um arco mais intenso e emocional, marcado por perdas e confrontos diretos. Sigourney Weaver segue no universo da franquia, enquanto Stephen Lang reprisa seu papel como o coronel Quaritch.

Entre as novidades do elenco estão personagens ligados ao Povo das Cinzas. Essas figuras trazem uma visão mais dura e conflituosa do mundo Na’vi, funcionando como espelhos distorcidos de Jake e Neytiri. “Eles não são vilões no sentido clássico. São produtos de um mundo que queimou”, resumiu Cameron.

Além do espetáculo visual, Avatar: Fogo e Cinzas reforça a crítica ambiental e política que atravessa toda a franquia. O filme questiona ciclos de violência, colonialismo e exploração, mostrando como o trauma coletivo pode gerar sociedades mais agressivas e desconectadas da própria natureza que as sustenta. Com o novo capítulo, James Cameron expande ainda mais o alcance temático de Avatar, preparando o terreno para os próximos capítulos da saga.

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Franquia Avatar: quais filmes assistir antes?&nbsp;

Avatar (2009)

O filme apresenta Pandora, os Na’vi e o ex-fuzileiro Jake Sully, enviado ao planeta para uma missão científica que se transforma em um conflito entre humanos e natureza. Trata-se de um marco tecnológico do cinema e ponto de partida essencial da saga. O longa está disponível no catálogo da Disney+.&nbsp;

Avatar: O Caminho da Água (2022)

A história avança anos depois, com Jake e Neytiri formando uma família. A trama expande Pandora para os oceanos, aprofunda os laços familiares e mostra novas ameaças humanas ao equilíbrio do planeta. O segundo título da franquia pode ser assistido na Disney+ e na Apple TV.&nbsp;

Novo capítulo da franquia de 'Avatar' estreia nos cinemas goianos

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Fogo contra água

A revista internacional The Hollywood Reporter elegeu "O Agente Secreto" como o melhor filme do ano. O veículo colocou o filme brasileiro acima de concorrentes do Globo de Ouro, como "Uma Batalha Após a Outra" e "Valor Sentimental". A matéria reúne o top 10 filmes do ano, segundo os críticos David Rooney, Jon Frosch e Sheri Linden. David e Jon colocaram o longa em primeiro lugar, enquanto Sheri o posicionou em segundo.

<div class="p-readmore-box"><a href="https://opopular.com.br/magazine/filmes-de-natal-e-historias-de-fe-chegam-ao-globoplay-neste-fim-de-ano-1.3348203" target="_self">Filmes de Natal e histórias de fé chegam ao Globoplay neste fim de ano</a> 
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<a href="https://opopular.com.br/magazine/o-agente-secreto-de-kleber-mendonca-filho-e-indicado-em-tres-categorias-do-globo-de-ouro-1.3347227" target="_self">'O Agente Secreto', de Kleber Mendonça Filho, é indicado em três categorias do Globo de Ouro</a></div>

Os críticos ainda elegeram a atuação de Wagner Moura como a melhor de sua carreira. Segundo a revista, o longa ambientado na ditadura militar brasileira é repleto de humor e reflexões comoventes: "O filme de Kleber Mendonça Filho reinventa o thriller político com maestria, trazendo Wagner Moura em sua melhor atuação como Armando".

"Este é um filme singular. Uma cena bizarra que evoca lendas urbanas começa com capivaras pastando em um campo à noite e transita para uma perna decepada aterrorizando um ponto de encontro gay -uma metáfora perspicaz que contrasta a tranquilidade da natureza com o caos e a perseguição do regime", diz o The Hollywood Reporter.

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CONFIRA O TOP 10 COMPLETO

- "O Agente Secreto"

- "Uma Batalha Após a Outra"

- "Sirât"

- "O Dia de Peter Hujar"

- "Marty Supreme"

- "Valor Sentimental"

- "Pecadores"

- "Sonhos de Trem"

- "O Mestre da Mente"

- "Frankenstein"

'O Agente Secreto' é eleito o melhor filme de 2025 pelo Hollywood Reporter

Cinema

O Globoplay encerra 2025 com uma seleção especial de filmes que celebram o espírito natalino e reforçam mensagens de esperança e superação. Entre romances ambientados nas festas e produções inspiradoras, o streaming apresenta títulos já disponíveis e estreias programadas para dezembro, oferecendo opções para quem busca emoção e significado nessa época do ano.As próximas estreias começam no dia 13, com O Céu É de Verdade, dirigido por Randall Wallace e baseado no best-seller homônimo. A produção traz Greg Kinnear, Kelly Reilly e Connor Corum no elenco, narrando a experiência real de um menino que afirma ter visitado o paraíso após uma cirurgia, desafiando a compreensão e fortalecendo a fé de sua família. Já no dia 25, estreia A Colheita da Fé, sob direção de Steve Gomer. Inspirado em fatos reais, o filme mostra como um pastor e sua comunidade unem forças para salvar uma igreja prestes a fechar, acolhendo refugiados e cultivando esperança. O elenco conta com John Corbett, Cara Buono e Barry Corbin, em uma trama sobre solidariedade e transformação. Encerrando o mês, no dia 27, chega Radical, dirigido por Christopher Zalla. Protagonizado por Eugenio Derbez, ao lado de Daniel Haddad e Jennifer Trejo, o longa apresenta a história de um professor que desafia métodos tradicionais para despertar a criatividade e o potencial de seus alunos em uma cidade fronteiriça mexicana marcada por desafios sociais - como violência, corrupção e negligência - mostrando como a educação pode mudar vidas.Além dessas estreias, o catálogo do Globoplay já oferece romances natalinos e histórias inspiradoras que prometem aquecer os corações. Entre as que chegaram ao portfólio nos últimos dias está Um Pedido de Natal. Dirigido por Michael Scott, o filme acompanha amigos de infância que se unem para salvar uma padaria famosa por seus “biscoitos de gengibre mágicos”, enquanto redescobrem sentimentos adormecidos. No elenco estão Merritt Patterson e Jon-Michael Ecker, em uma história que mistura reencontros, romantismo e desafio. Outro destaque é Pintando Amor no Natal, comédia romântica dirigida por Jessica Harmon, onde uma editora e um repórter se aproximam ao investigar a identidade de um artista misterioso. O elenco do longa canadense conta com Jaicy Elliot, Brant Daugherty, Emmanuel Ménard e Stephanie Fatout, em uma narrativa envolvente sobre descobertas e sentimentos.Sob direção de Michal Robison, O Manuscrito do Amor também está entre os destaques do período natalino, com a trama de uma editora de livros de Nova York, que vive um encontro transformador em uma livraria. O elenco inclui Julie Gonzalo, Brendan Penny, Kaitlyn Bernard, Christiaan Westerveld e Kheon Clarke em uma história sobre talento, paixão e novas oportunidades.Já O Sabor do Natal, dirigido por Alejandro Lozano, apresenta três histórias interligadas durante as festas na Cidade do México, explorando amizade, família e romance. No elenco, Albarrán, Pamela Almanza, Andrés Almeida, Isabella Arroyo, Armando Hernández e Juan Carlos Medellin celebram a diversidade, união e o amor. E, para quem busca ainda mais inspiração, Milagres no Paraíso também já está disponível. Dirigido por Patricia Riggen, o filme é baseado em uma história real e acompanha a luta de um casal diante de um diagnóstico inesperado de uma doença rara e incurável em sua filha. A experiência os leva a exercitar a força e a fé. Jennifer Garner, Kylie Rogers e Queen Latifah dão vida a personagens que enfrentam o desafio com coragem e esperança.

Filmes de Natal e histórias de fé chegam ao Globoplay neste fim de ano

Espírito natalino

“Michael, sai da água!” A mãe grita desesperada da praia, enquanto uma sinistra barbatana passa entre os banhistas incautos. De repente, sobe a trilha magistralmente composta pelo gênio John Williams, primeiro com alguns acordes graves, que surgem e desaparecem à medida que o predador vem à tona e mergulha nas águas de um popular balneário no nordeste dos Estados Unidos. Até que a música reinicia, mas agora sem ser interrompida, num crescente suspense que nos faz prender o fôlego. O gigantesco animal está em pleno ataque, mirando sua presa numa prancha de surfe, num pequeno barco, entre um grupo de adolescentes. E o infeliz que é escolhido é puxado para o fundo, desaparecendo para sempre nas mandíbulas de uma das maiores máquinas de matar que já habitaram a Terra.

A descrição acima conquistou multidões no cinema e continua a ser uma referência quando se fala em tomadas de suspense, fazendo do filme Tubarão, de Steven Spielberg, o que se pode chamar de clássico. Meio século após seu lançamento, a produção mantém o poder de gerar interesse e sensações profundas. Afinal, são medos ancestrais que ela traz à tona, acrescentando uma camada a mais no eterno embate entre o homem e a natureza. Em inglês, o filme foi batizado de Jaws (Mandíbulas), mas nomear o animal que está entre os mais antigos que existem (a idade dos fósseis mais velhos datam de cerca de 450 milhões de anos atrás) foi uma boa decisão para os responsáveis por lançar o filme no Brasil, no final de 1975. Mesmo porque é, sem dúvida, o grande tubarão branco o seu protagonista.

O roteiro do filme é uma adaptação do livro de mesmo nome do autor norte-americano Peter Benchley, lançado em 1974, apenas um ano antes de a produção cinematográfica chegar aos cinemas do mundo todo. Essa, aliás, não é uma cronologia habitual. São raros os casos em que a produção seja tão imediata assim depois da estreia da obra literária. E aí vai o mérito de Steven Spielberg, que reconheceu a oportunidade e não pensou duas vezes antes de aproveitá-la. Antes de Tubarão, ele havia apresentado suas credenciais quatro anos antes, no excelente Encurralado, um suspense eletrizante de um motorista que se vê perseguido por um caminhão endiabrado e obstinado, que tenta de tudo quanto é jeito dar um fim em seu alvo. O bicho-papão de Tubarão não é cerebral, mas incontrolável.

Há um gênero e uma fórmula muito interessantes embutidos nesse trabalho que Spielberg soube atualizar e, mais que isso, reconfigurar. Ao mesmo tempo em que deixa as plateias vivendo um suspense, ele incorpora a tradição dos monstros para realizar sua proeza, sem contar que inova até mesmo nas formas como os efeitos especiais eram utilizados para produções dessa linha. Há também pitadas claras de terror, com diversas cenas encharcadas em sangue, sobretudo (e aqui vai um spoiler, se é que é possível falar disso numa produção icônica de 50 anos de idade) no desfecho daquele que é, com certeza, o mais profundo de todos os personagens humanos, o capitão Quint, vivido magistralmente pelo inesquecível Robert Shaw, um dos grandes atores de sua geração.

Não há como deixar de ver as correspondências entre Quint, um caçador de tubarões, e o arquetípico Capitão Ahab, o caçador de baleias do clássico Moby Dick, de Herman Melville. Ambos são tragados por sua ambição e seus rancores em relação aos titãs do mar, indo para as profundezas do oceano tragados pelos mesmos animais que dão sentido às suas existências. No caso de Quint, isso fica patente no longa cena entre ele e seus ajudantes na empreitada de capturar o grande tubarão branco comedor de gente, o xerife Martin Brody (Roy Scheider) e o cientista Matt Hooper (interpretado pelo então jovem Richard Dreyfuss). Nela, o público fica sabendo que Quint é sobrevivente do naufrágio do Indianápolis, navio que transportou secretamente a ogiva nuclear que explodiu sobre Hiroshima, em 1945.

O autor e os roteiristas de Tubarão souberam desenhar o personagem do capitão usando esse fato histórico – e traumático –, uma vez que dos mais de 1.200 homens que estavam no navio, bombardeado por um torpedeiro japonês no Pacífico, pouco mais de 300 sobreviveram. Muitos deles foram devorados por hordas de tubarões, que se banquetearam com tantos corpos na água. Shaw passa a dominar a narrativa após o peixão mortífero se fartar de banhistas nas praias da fictícia Amity Island (as gravações ocorreram nas areias da ilha de Martha’s Vineyard, no Massachusetts, na costa nordeste dos EUA). Aliás, um detalhe chama a atenção. Martha’s Vineyard fica bem ao lado de Nantucket, ilha que é o ponto de partida da narrativa de Moby Dick. Coincidência? Difícil acreditar que seja.

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O filme é uma adaptação do livro de mesmo nome do autor norte-americano Peter Benchley, lançado em 1974 (Reprodução)

Spielberg é conhecido por deixar pistas sobre as suas referências e Tubarão está repleta delas, como a que está numa das cenas mais famosas do filme, quando o animal surge na água e o xerife está na areia, já desacreditando que algo de ruim aconteceria. A câmera dá um zoom, faz uma aproximação rápida na expressão do personagem e o pânico se instala de imediato. Esse efeito foi celebrizado nos filmes de Alfred Hitchcock, mestre do suspense na telona. Ele o utiliza em Um Corpo que Cai e seu impacto foi tão impressionante que o movimento, que se chama dolly zoom, é mais conhecido como Efeito Vertigo (nome do filme em inglês) ou efeito Hitchcock. Isso demonstra os predicados da produção, que mescla esse nível de suspense com uma ação eletrizante em vários momentos.

Tubarão pode ser considerado o primeiro filme do diretor que traz um grande número de suas assinaturas que, nas décadas seguintes e com um sucesso atrás do outro, ele faria gerações reconhecerem. O diálogo permanente com o público, em closes estratégicos; a narrativa que não tem na trilha sonora um simples elemento acessório, mas uma de suas partes essenciais; a valorização das expressões faciais, sobretudo dos olhares nas cenas onde haverá uma virada na história; o emprego dos chamados robôs animatrônicos, que dão uma sensação mais real para o público e para o elenco que contracena com os bichos monstruosos (seu ápice neste quesito foi o T-Rex do primeiro Parque dos Dinossauros). Em Tubarão, nasceu, de fato, um diretor que ajudou a inaugurar uma nova fase em Hollywood.

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Cena de 'Tubarão', que se tornou um dos maiores clássicos do cinema de terror de todos os tempos (Reprodução)

Acasos e instintos

Tubarão chegou às telas brasileiras seis meses após seu lançamento no mercado dos EUA. Por lá, ele foi um filme que buscou conquistar as plateias durante as férias escolares. O que hoje é uma estratégia manjada, cinquenta anos atrás era um fato inédito. A produção investiu em marketing como nenhuma outra até aquele momento. Tudo foi planejado para captar a atenção das multidões em uma época na qual havia menos instrumentos para difundir uma campanha do porte como foi pensada. Pode-se dizer que foi o primeiro blockbuster moderno, fora da Era de Ouro de Hollywood, que teve em E O Vento Levou… seu maior expoente. O sucesso foi extraordinário. Spielberg gastou 7 milhões de dólares e Tubarão foi o primeiro filme a passar dos 100 milhões nas bilheterias.

Mas todo esse êxito teve diversos lances de sorte. Os anjos da guarda dos envolvidos na produção pareciam estar de plantão naquele momento. Tubarão virou um filme de verão – na verdade, o que inaugurou o termo Filme de Verão – por conta dos atrasos. Spielberg gostaria que o lançamento tivesse ocorrido no final do ano 1974, aproveitando as festas natalinas. Esse era o modelo mais praticado. Ninguém colocava fé que uma estreia em um período em que todo mundo viaja e que busca diversão ao ar livre fosse dar certo. Ainda mais sobre ataques de um bicho numa praia popular. Mas o improvável aconteceu. O filme, que tem sido reprisado para celebrar esse aniversário em formato 4K em várias salas pelo mundo – incluindo Goiânia – traz um depoimento de Spielberg sobre esses bastidores.

Pelos contratempos e os desafios de filmar boa parte da produção em alto mar, o diretor confessa que acreditou que ninguém mais cometeria a loucura de colocar em suas mãos um projeto de grande porte. Ele, sinceramente, pensou que sua carreira ficaria restrita aos seus dois primeiros filmes. O que não poderia suspeitar, nem mesmo no mais ambicioso de seus sonhos, é que a produção não só o faria rico, como garantiria uma renda vitalícia. O peixão e seus dentes afiados foram incluídos como uma das atrações do parque temático dos estúdios Universal, na Califórnia. Mas para isso, um acordo bilionário foi firmado com o diretor. Parte da renda de cada ingresso vendido ia para o bolso de Spielberg , que além de Tubarão, também viu outro filme seu, ET: O Extraterrestre, virar brinquedo lucrativo.

Quando pensou no roteiro original, a ideia inicial era um filme de aventura e terror, com o tubarão fazendo um lanchinho atrás do outro. Mas o boneco mecânico do tubarão, batizado de Bruce pela equipe de produção, revelou-se menos versátil e seus movimentos eram limitados. Como, então, encher um filme de 2 horas com um monstro um tanto estático demais? Bom, não foi necessário, porque Spielberg, com apenas 28 anos e um cinéfilo de marca maior, foi buscar em outras fontes a solução, carregando no suspense clássico e fazendo com que as cenas com o grande vilão da história fossem dosadas. Esconder o predador para que ele possa arrebatar as cenas na parte final foi uma estratégia eficiente que Ridley Scott, por exemplo, utilizou em Alien: O Oitavo Passageiro, quatro anos depois.&nbsp;

Outro presente do destino para o diretor foi o elenco. Os produtores da Universal Pictures pressionaram por nomes de peso nos créditos. Alguns medalhões foram cogitados. O maior deles era Charlton Heston, astro de O Planeta dos Macacos e Ben Hur. Cinquentão, com um Oscar na bagagem, ele parecia se encaixar perfeitamente no papel de um xerife que enfrenta o perigo sem temor. Mas não era esse o perfil desejado no projeto de Spielberg. Seu desejo era nuançar um pouco mais o personagem, deixando-o inseguro diante de um desafio descomunal. Heston não trazia tal vulnerabilidade. Pensou-se em Gene Hackman, mas a escolha recaiu sobre um ator que havia ganhado destaque pouco tempo antes, o que também ajudou a baratear os custos com cachês.

Roy Scheider havia sido indicado a um Oscar de Ator Coadjuvante em 1972, por Operação França, produção que deu um Oscar de Melhor Ator principal para o próprio Hackman. O protagonismo mudou de mãos e a química entre o xerife humanista cioso das regras e o capitão traumatizado, desbocado e meio maluco composto por Robert Shaw foi perfeita. Shaw havia concorrido ao prêmio de Ator Coadjuvante da Academia de Cinema de Hollywood em 1967 pela produção O Homem que Não Vendeu Sua Alma, de Fred Zinnemann, o mesmo diretor do campeoníssimo A Um Passo da Eternidade, que faturou 8 Oscars em 1954. O homem escolhido para viver o Capitão Quint era o tipo de ator visceral, formado na escola teatral inglesa e com uma presença de cena impressionante.

Com sequências longas, diálogos mais ricos e personagens que pediram interpretações mais refinadas, Tubarão ganhou uma dimensão não prevista inicialmente, mas que está no sempre referenciado Moby Dick. Não é apenas sobre um tubarão que o filme trata. É sobre nossa reação diante do imponderável com o qual a natureza nos confronta. Quando é devorado pelo bicho, a expressão do capitão Quint não é a de um homem que encontra seu aguardado destino trágico, mas do espanto de quem não vai sobreviver a mais esta prova depois de tantas vezes ter escapado. Não é uma fisionomia idealizada, mas humana. O mesmo pode ser visto nas frustrações do xerife, incapaz de evitar mortes que ocorrem na sua frente. O tapa na cara que leva da mãe de um menino que foi devorado enfatiza isso.

São homens atônitos diante de uma fúria incontrolável, de um instinto primitivo que não conhece o que é negociação. O tubarão branco é uma máquina perfeita de matar e ele vai fazer isso. Não há sequer uma antropomorfização do predador, como se fosse um ser que busca vingança, que tem sentimentos maléficos. Nada disso. É um tubarão predando, lutando por sua sobrevivência e sendo guiado por algo que lhe é inato. Os seres humanos precisam reconhecer e tentar nadar o mais rápido possível. O terror vem dessa ausência de argumentos diante de um ser mais poderoso em seu elemento original. Os personagens são presas potenciais e o mais valente deles, ao subestimar essa força, é estraçalhado por algo que acreditou poder dominar. Ninguém poderia. E o público adorou que fosse assim.

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Uma das cenas mais emblemáticas do filme de Steven Spielberg (Reprodução)

O peixe fora d´água

Em 1976, Tubarão era o maior sucesso de bilheteria de todos os tempos. Tá certo, a marca duraria pouco, pois já no ano seguinte o primeiro filme da franquia Star Wars, de George Lucas, o destronaria desse posto. Mas a primeira obra-prima de Steven Spielberg não obteve reconhecimento só nas salas de cinema ao redor do mundo. A crítica também louvou sua chegada e indicou a produção para quatro Oscars. Tudo bem que três dessas indicações foram para categorias técnicas – mixagem de som, trilha sonora (ganhou com John Williams) e montagem (venceu com Verna Fields) –, mas o trabalho figurou na lista principal da premiação (melhor filme). Uma indicação que foi para os produtores Richard D. Zanuck e David Brown. Mas, e o diretor, que concebeu tudo e lutou por sua realização?

Sim, Steven Spielberg foi simplesmente esnobado naquele ano, mesmo que tenha sido, posteriormente, indicado 23 vezes (até agora) em várias categorias, ganhando três estatuetas – duas por A Lista de Schindler, em 1994, e uma por O Resgate do Soldado Ryan, em 1999. A primeira vez que seu nome figurou entre os concorrentes ao mais cobiçado prêmio do cinema mundial foi em 1978, com Contatos Imediatos de Terceiro Grau. Na verdade, o anúncio dos indicados em 1976 foi um trauma para o diretor. Um famoso vídeo do jovem Spielberg nesse dia mostra que ele acreditava que o filme seria indicado em 11 categorias, incluindo ele próprio na direção. Mas os escolhidos para concorrer foram os gigantes Federico Fellini, Stanley Kubrick, Sidney Lumet, Robert Altman e Milos Forman.

É inegável que a concorrência era pesada. Milos Forman, que foi o vencedor, concorria com nada menos que Um Estranho no Ninho. Fellini chegava com Amarcord. Lumet havia filmado Um Dia de Cão. Ainda assim, Spielberg não escondeu sua decepção. “Não entendi. Não entendi nada”, repetia, incrédulo. “Fui vencido pelo Fellini”, inconformava-se. A reação pretensiosa não seria o único arrependimento do diretor em relação ao seu próprio filme. Muitos anos depois, ele admitiu que se sentia responsável pelo extermínio de populações inteiras de tubarões, pois o animal ficou estigmatizado em razão do sucesso da produção. Uma produção caótica, que tinha tudo para naufragar na temeridade de ser feita por uma equipe de jovens inexperientes em locações desafiadoras. Bendita loucura foi Tubarão.

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'Tubarão' ganhou uma dimensão não prevista inicialmente, mas que está no sempre referenciado 'Moby Dick' (Reprodução)

A fera transatlântica

Um filme não entra no imaginário do público e lá permanece por décadas se ele não for muito, muito marcante. Tubarão pertence a essa categoria especial de produções. Os acordes da composição do maestro John Williams, as tomadas amplas até mesmo em alto mar, a construção gradativa da tensão em torno do animal sanguinário, tudo isso teve uma resposta inesperada nas bilheterias. O que foi investido retornou 70 vezes mais. Mesmo que a contagem dos dólares arrecadados nos anos 1970 não fosse acompanhada com a mesma precisão de hoje, há dados disponíveis em relação ao filme que inaugurou a era dos blockbusters. Nos EUA, a arrecadação bateu nos 260 milhões de dólares, segundo o site especializado The Business Insider. Globalmente, ela alcançou 470 milhões de dólares.

No Brasil, o sucesso encontrou uma forte concorrência naquele 1976. Tubarão estreou nos cinemas nacionais no Natal de 1975, seis meses após chegar às salas norte-americanas. Não há dados específicos sobre o número de espectadores brasileiros – esse cálculo não era feito na ocasião pelos estúdios de Hollywood –, mas o fenômeno global não foi ignorado por nenhum mercado. Era uma época em que as pessoas iam bastante ao cinema, inclusive no Brasil. Enquanto o tubarão de Spielberg mastigava suas vítimas, Sônia Braga desfilava pelo Pelourinho, ao som de Chico Buarque, ladeada por Mauro Mendonça e José Wilker (completamente nu) em Dona Flor e Seus Dois Maridos, de Bruno Barreto. Com mais de 10 milhões de espectadores, foi o maior sucesso do cinema nacional por décadas.

Além disso, nesses 50 anos, Tubarão tornou-se um ícone pop. As mandíbulas mais famosas do cinema estão em uma ampla gama de produtos licenciados. E é impressionante como ele ainda atrai a atenção do público. Quando surge uma data comemorativa, como a que estamos vivendo neste ano, com o meio século de seu lançamento, os cinemas voltam a receber fãs em exibições especiais. Aliás, isso voltou a acontecer agora ao longo de 2025. Os efeitos especiais podem parecer um pouco artesanais hoje, nos tempos de Inteligência Artificial. Diálogos bem trabalhados, cenas que valorizam as interpretações, a aventura de filmar tudo in loco, até mesmo no meio do oceano, tudo parece pertencer ao passado. Mas quem assistiu Tubarão nos cinemas agora sai extasiado. Continua um filmaço.

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As boas atuações também ajudaram a criar toda a magnitude de 'Tubarão' (Reprodução)