Poucos cineastas influenciaram tanto a forma como a humanidade imagina a possibilidade de vida fora da Terra quanto Steven Spielberg. Décadas após transformar encontros com seres de outros mundos em marcos da cultura pop, o diretor volta ao tema em Dia D, longa-metragem que estreia nesta quinta-feira (11). Na trama, uma meteorologista é tomada por uma força desconhecida durante uma transmissão ao vivo, desencadeando uma série de eventos que colocam em xeque versões oficiais mantidas por governos ao redor do mundo. O enredo parte de uma hipótese recorrente na ufologia: a de que informações sobre possíveis inteligências não humanas teriam sido ocultadas do público por décadas.

A premissa dialoga com uma discussão que, nos últimos anos, deixou de se restringir à ficção científica. Audiências no Congresso dos Estados Unidos, a divulgação de documentos desclassificados e o reconhecimento, por parte de governos, da existência de fenômenos aéreos sem explicação consensual ajudaram a recolocar o tema no debate público. O que permanece em disputa é a interpretação desses registros: seriam apenas ocorrências ainda não explicadas ou evidências de algo mais?

Vice-presidente da Comissão Brasileira de Ufólogos (CBU), o professor e geógrafo Fernando de Aragão Ramalho acompanha o assunto há mais de duas décadas e participou da campanha que pressionou pela abertura de arquivos militares brasileiros relacionados ao tema. Ele lembra que a ligação de Spielberg com a ufologia não é recente. Em Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1977), ele contou com a consultoria do ufólogo francês Jacques Vallée e teve um personagem inspirado no astrônomo J. Allen Hynek, duas referências históricas da área. “O novo filme parte dessa premissa porque Spielberg sempre foi bem informado sobre todo o processo de acobertamento posto em prática não só pelo governo americano, mas por praticamente todas as nações com forças militares”, afirma o ufólogo.

Na avaliação de Ramalho, o interesse crescente de governos pelo tema está relacionado à ampliação do acesso a documentos e relatos antes restritos. “O Arquivo Nacional, em Brasília e no Rio de Janeiro, reúne uma vasta documentação sobre o fenômeno UFO, incluindo registros que sustentam a hipótese de origem extraterrestre inteligente. Trata-se de um dos acervos mais consultados pela população, tanto antes quanto depois da entrada em vigor da Lei de Acesso à Informação”, ressalta. Para o pesquisador, uma eventual confirmação oficial da existência de inteligência não humana provocaria uma transformação sem precedentes na compreensão da humanidade sobre si mesma.

Embora compartilhe da percepção de que governos ainda divulgam apenas parte das informações que possuem, o ufólogo Roger Beilstrein atribui os avanços recentes principalmente à pressão de parlamentares e ex-militares que passaram a relatar publicamente suas experiências. Segundo ele, a divulgação de documentos desclassificados e a realização de audiências nos Estados Unidos ajudaram a deslocar o tema do campo da especulação para o da investigação institucional.

“Alguns dados os próprios governos admitem existirem, outros ainda não”, afirma, citando o Caso Roswell, ocorrido em 1947, como um dos episódios que continuam alimentando debates sem resposta definitiva. Para Beilstrein, a tecnologia disponível hoje ampliou a capacidade de registrar ocorrências incomuns, mas não eliminou a dependência de informações produzidas por radares, sensores e outros equipamentos controlados pelas forças armadas. “A ufologia tem as informações, mas ainda depende do governo para validar com exatidão”, diz.

Ao projetar os efeitos de uma eventual confirmação oficial da vida extraterrestre, Beilstrein recorre a um paralelo com a pandemia de covid-19, que considera um teste da capacidade de adaptação da sociedade diante de uma realidade inesperada. Na sua avaliação, o impacto inicial de uma revelação desse porte não seria necessariamente científico ou religioso, mas comportamental. Nesse contexto, ele atribui ao cinema um papel importante na familiarização do público com o tema, desde os desenhos animados dos anos 1980 até produções como E.T. e Contatos Imediatos do Terceiro Grau. Embora reconheça que essas obras ajudaram a popularizar estereótipos, destaca que elas também ampliaram o alcance da discussão sobre vida extraterrestre.

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Origem dos fenômenos

A jornalista e ufóloga Danusa Aras identifica nas recentes discussões sobre objetos voadores não identificados um reflexo da crescente exposição pública do tema. Ela cita as declarações do ex-oficial de inteligência norte-americano Luis Elizondo, que em 2017 revelou ao New York Times a existência de um programa do Pentágono dedicado à investigação de UFOs, como um dos episódios que ampliaram a atenção internacional sobre o assunto. "Mesmo diante de todas essas declarações, o Departamento de Defesa nunca confirmou a existência do programa", observa.

Na avaliação de Aras, a principal divergência entre governos e ufólogos está na origem dos fenômenos observados. Enquanto as autoridades costumam classificá-los como ocorrências sem identificação conclusiva, parte da ufologia sustenta que alguns casos podem estar relacionados a inteligências não humanas. Ao discutir os possíveis efeitos de uma revelação oficial, ela acredita que os impactos poderiam atingir diretamente a geopolítica global, especialmente se o fenômeno fosse apresentado como uma ameaça. Nesse contexto, menciona declarações atribuídas ao cientista Wernher von Braun sobre a possibilidade de o tema ser utilizado para justificar processos de militarização do espaço.&nbsp;

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Segredo que vem à tona

Em Dia D, Spielberg imagina o que aconteceria se a humanidade recebesse uma prova irrefutável de que não está sozinha no universo. A trama acompanha uma meteorologista interpretada por Emily Blunt que, durante uma transmissão ao vivo, passa a manifestar comportamentos inexplicáveis após um contato misterioso. O episódio desencadeia uma sequência de acontecimentos que expõe segredos mantidos por governos e coloca a sociedade diante de uma revelação sem precedentes.

O retorno de Spielberg ao universo dos extraterrestres acontece mais de duas décadas após Guerra dos Mundos e quase cinquenta anos depois de Contatos Imediatos do Terceiro Grau, obra que redefiniu o imaginário popular sobre o tema. O roteiro é assinado por David Koepp, colaborador frequente do diretor em produções como Jurassic Park e Guerra dos Mundos.

 
Não estamos sós

Relembre os casos mais emblemáticos da ufologia

Caso Roswell — EUA, 1947&nbsp;

Militares anunciaram ter recuperado um "disco voador" no deserto do Novo México, mas voltaram atrás horas depois. O caso alimenta debates há quase oito décadas.

Operação Prato — Brasil, 1977&nbsp;

Investigação da Força Aérea Brasileira após relatos de luzes que teriam perseguido moradores de comunidades ribeirinhas em Colares, no Pará. Os documentos produzidos estão entre os mais conhecidos arquivos ufológicos do País.

Incidente de Varginha — Brasil, 1996&nbsp;

Moradores relataram a presença de uma criatura estranha após a suposta queda de um objeto não identificado. Tornou-se o episódio ufológico mais conhecido do Brasil.

Luzes de Phoenix — EUA, 1997&nbsp;

Milhares de pessoas observaram uma enorme formação luminosa cruzando o Arizona. Um dos avistamentos coletivos mais documentados da história, apesar das explicações oficiais.

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Novo filme de Spielberg reacende debate sobre vida extraterrestre e segredos ocultados por governos

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Contatos imediatos

Steven Spielberg disse ao Fantástico que conhece o ET de Varginha, um dos personagens da história ufológica mais famosa do Brasil. O episódio ocorreu no sul de Minas Gerais, em 1996, quando moradores da cidade em questão relataram a suposta aparição de criaturas humanoides e de aparência bizarra.

"O governo americano se envolveu imediatamente e enviou representantes ao Brasil para retirar os seres do exército brasileiro, que os protegia. Existem muitas histórias como essa", disse o diretor em entrevista sobre o que teria visto em um documentário.

Ele lança "Dia D", seu novo longa-metragem, em 11 de junho. Estrelado por Emily Blunt e Josh O'Connor, o filme retrata um colapso global, que se inicia quando governos e líderes mundiais são expostos publicamente por terem escondido evidências da existência de formas de vida fora da Terra.

<div class="p-readmore-box"><a href="https://opopular.com.br/mundo/lider-supremo-do-ir-faz-ameacas-apos-ataques-dos-eua-n-o-havera-retorno-1.3414670" target="_self">Líder supremo do Irã faz ameaças após ataques dos EUA: 'Não haverá retorno'</a> 
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Conhecido por ter explorado vários gêneros cinematográficos ao longo da carreira, o cineasta já explorou seres alienígenas em títulos como "E.T., o Extraterrestre", "Contatos Imediatos de Terceiro Grau" e "Guerra dos Mundos".

Se, neste último, que em 2005 refletiu o choque do 11 de setembro, as criaturas buscavam a violência, aqui, adiciona Spielberg, elas tentam se comunicar de maneira empática.

No trailer mais recente divulgado pela Universal Pictures, aliás, o cineasta dá um depoimento em que diz ter ainda mais certeza de que existem outras formas de vida do que tinha ao lançar "Contatos Imediatos", em 1977.

Em março, durante o festival South by Southwest, ele também citou uma declaração de Barack Obama --num podcast, publicado em fevereiro, o e<a href="https://opopular.com.br/mundo/obama-diz-que-ets-s-o-reais-mas-nega-que-sejam-mantidos-na-area-51-dos-eua-1.3374609" target="_self">x-presidente americano disse que extraterrestres são reais</a>.

Segundo a Variety, Spielberg também revelou recentemente que está desenvolvendo um faroeste, projeto que pode concretizar seu antigo desejo de filmar no gênero. O diretor disse apenas que o filme terá "cavalos e armas", mas evitará estereótipos e clichês tradicionais.

Em janeiro, um inquérito feito pelo Tribunal Militar relatou que o ET de Varginha era apenas um homem de cócoras.

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Estados Unidos retirou ET de Varginha do Brasil, diz Spielberg, que lança 'Dia D'

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Cultura

“Michael, sai da água!” A mãe grita desesperada da praia, enquanto uma sinistra barbatana passa entre os banhistas incautos. De repente, sobe a trilha magistralmente composta pelo gênio John Williams, primeiro com alguns acordes graves, que surgem e desaparecem à medida que o predador vem à tona e mergulha nas águas de um popular balneário no nordeste dos Estados Unidos. Até que a música reinicia, mas agora sem ser interrompida, num crescente suspense que nos faz prender o fôlego. O gigantesco animal está em pleno ataque, mirando sua presa numa prancha de surfe, num pequeno barco, entre um grupo de adolescentes. E o infeliz que é escolhido é puxado para o fundo, desaparecendo para sempre nas mandíbulas de uma das maiores máquinas de matar que já habitaram a Terra.

A descrição acima conquistou multidões no cinema e continua a ser uma referência quando se fala em tomadas de suspense, fazendo do filme Tubarão, de Steven Spielberg, o que se pode chamar de clássico. Meio século após seu lançamento, a produção mantém o poder de gerar interesse e sensações profundas. Afinal, são medos ancestrais que ela traz à tona, acrescentando uma camada a mais no eterno embate entre o homem e a natureza. Em inglês, o filme foi batizado de Jaws (Mandíbulas), mas nomear o animal que está entre os mais antigos que existem (a idade dos fósseis mais velhos datam de cerca de 450 milhões de anos atrás) foi uma boa decisão para os responsáveis por lançar o filme no Brasil, no final de 1975. Mesmo porque é, sem dúvida, o grande tubarão branco o seu protagonista.

O roteiro do filme é uma adaptação do livro de mesmo nome do autor norte-americano Peter Benchley, lançado em 1974, apenas um ano antes de a produção cinematográfica chegar aos cinemas do mundo todo. Essa, aliás, não é uma cronologia habitual. São raros os casos em que a produção seja tão imediata assim depois da estreia da obra literária. E aí vai o mérito de Steven Spielberg, que reconheceu a oportunidade e não pensou duas vezes antes de aproveitá-la. Antes de Tubarão, ele havia apresentado suas credenciais quatro anos antes, no excelente Encurralado, um suspense eletrizante de um motorista que se vê perseguido por um caminhão endiabrado e obstinado, que tenta de tudo quanto é jeito dar um fim em seu alvo. O bicho-papão de Tubarão não é cerebral, mas incontrolável.

Há um gênero e uma fórmula muito interessantes embutidos nesse trabalho que Spielberg soube atualizar e, mais que isso, reconfigurar. Ao mesmo tempo em que deixa as plateias vivendo um suspense, ele incorpora a tradição dos monstros para realizar sua proeza, sem contar que inova até mesmo nas formas como os efeitos especiais eram utilizados para produções dessa linha. Há também pitadas claras de terror, com diversas cenas encharcadas em sangue, sobretudo (e aqui vai um spoiler, se é que é possível falar disso numa produção icônica de 50 anos de idade) no desfecho daquele que é, com certeza, o mais profundo de todos os personagens humanos, o capitão Quint, vivido magistralmente pelo inesquecível Robert Shaw, um dos grandes atores de sua geração.

Não há como deixar de ver as correspondências entre Quint, um caçador de tubarões, e o arquetípico Capitão Ahab, o caçador de baleias do clássico Moby Dick, de Herman Melville. Ambos são tragados por sua ambição e seus rancores em relação aos titãs do mar, indo para as profundezas do oceano tragados pelos mesmos animais que dão sentido às suas existências. No caso de Quint, isso fica patente no longa cena entre ele e seus ajudantes na empreitada de capturar o grande tubarão branco comedor de gente, o xerife Martin Brody (Roy Scheider) e o cientista Matt Hooper (interpretado pelo então jovem Richard Dreyfuss). Nela, o público fica sabendo que Quint é sobrevivente do naufrágio do Indianápolis, navio que transportou secretamente a ogiva nuclear que explodiu sobre Hiroshima, em 1945.

O autor e os roteiristas de Tubarão souberam desenhar o personagem do capitão usando esse fato histórico – e traumático –, uma vez que dos mais de 1.200 homens que estavam no navio, bombardeado por um torpedeiro japonês no Pacífico, pouco mais de 300 sobreviveram. Muitos deles foram devorados por hordas de tubarões, que se banquetearam com tantos corpos na água. Shaw passa a dominar a narrativa após o peixão mortífero se fartar de banhistas nas praias da fictícia Amity Island (as gravações ocorreram nas areias da ilha de Martha’s Vineyard, no Massachusetts, na costa nordeste dos EUA). Aliás, um detalhe chama a atenção. Martha’s Vineyard fica bem ao lado de Nantucket, ilha que é o ponto de partida da narrativa de Moby Dick. Coincidência? Difícil acreditar que seja.

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O filme é uma adaptação do livro de mesmo nome do autor norte-americano Peter Benchley, lançado em 1974 (Reprodução)

Spielberg é conhecido por deixar pistas sobre as suas referências e Tubarão está repleta delas, como a que está numa das cenas mais famosas do filme, quando o animal surge na água e o xerife está na areia, já desacreditando que algo de ruim aconteceria. A câmera dá um zoom, faz uma aproximação rápida na expressão do personagem e o pânico se instala de imediato. Esse efeito foi celebrizado nos filmes de Alfred Hitchcock, mestre do suspense na telona. Ele o utiliza em Um Corpo que Cai e seu impacto foi tão impressionante que o movimento, que se chama dolly zoom, é mais conhecido como Efeito Vertigo (nome do filme em inglês) ou efeito Hitchcock. Isso demonstra os predicados da produção, que mescla esse nível de suspense com uma ação eletrizante em vários momentos.

Tubarão pode ser considerado o primeiro filme do diretor que traz um grande número de suas assinaturas que, nas décadas seguintes e com um sucesso atrás do outro, ele faria gerações reconhecerem. O diálogo permanente com o público, em closes estratégicos; a narrativa que não tem na trilha sonora um simples elemento acessório, mas uma de suas partes essenciais; a valorização das expressões faciais, sobretudo dos olhares nas cenas onde haverá uma virada na história; o emprego dos chamados robôs animatrônicos, que dão uma sensação mais real para o público e para o elenco que contracena com os bichos monstruosos (seu ápice neste quesito foi o T-Rex do primeiro Parque dos Dinossauros). Em Tubarão, nasceu, de fato, um diretor que ajudou a inaugurar uma nova fase em Hollywood.

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Cena de 'Tubarão', que se tornou um dos maiores clássicos do cinema de terror de todos os tempos (Reprodução)

Acasos e instintos

Tubarão chegou às telas brasileiras seis meses após seu lançamento no mercado dos EUA. Por lá, ele foi um filme que buscou conquistar as plateias durante as férias escolares. O que hoje é uma estratégia manjada, cinquenta anos atrás era um fato inédito. A produção investiu em marketing como nenhuma outra até aquele momento. Tudo foi planejado para captar a atenção das multidões em uma época na qual havia menos instrumentos para difundir uma campanha do porte como foi pensada. Pode-se dizer que foi o primeiro blockbuster moderno, fora da Era de Ouro de Hollywood, que teve em E O Vento Levou… seu maior expoente. O sucesso foi extraordinário. Spielberg gastou 7 milhões de dólares e Tubarão foi o primeiro filme a passar dos 100 milhões nas bilheterias.

Mas todo esse êxito teve diversos lances de sorte. Os anjos da guarda dos envolvidos na produção pareciam estar de plantão naquele momento. Tubarão virou um filme de verão – na verdade, o que inaugurou o termo Filme de Verão – por conta dos atrasos. Spielberg gostaria que o lançamento tivesse ocorrido no final do ano 1974, aproveitando as festas natalinas. Esse era o modelo mais praticado. Ninguém colocava fé que uma estreia em um período em que todo mundo viaja e que busca diversão ao ar livre fosse dar certo. Ainda mais sobre ataques de um bicho numa praia popular. Mas o improvável aconteceu. O filme, que tem sido reprisado para celebrar esse aniversário em formato 4K em várias salas pelo mundo – incluindo Goiânia – traz um depoimento de Spielberg sobre esses bastidores.

Pelos contratempos e os desafios de filmar boa parte da produção em alto mar, o diretor confessa que acreditou que ninguém mais cometeria a loucura de colocar em suas mãos um projeto de grande porte. Ele, sinceramente, pensou que sua carreira ficaria restrita aos seus dois primeiros filmes. O que não poderia suspeitar, nem mesmo no mais ambicioso de seus sonhos, é que a produção não só o faria rico, como garantiria uma renda vitalícia. O peixão e seus dentes afiados foram incluídos como uma das atrações do parque temático dos estúdios Universal, na Califórnia. Mas para isso, um acordo bilionário foi firmado com o diretor. Parte da renda de cada ingresso vendido ia para o bolso de Spielberg , que além de Tubarão, também viu outro filme seu, ET: O Extraterrestre, virar brinquedo lucrativo.

Quando pensou no roteiro original, a ideia inicial era um filme de aventura e terror, com o tubarão fazendo um lanchinho atrás do outro. Mas o boneco mecânico do tubarão, batizado de Bruce pela equipe de produção, revelou-se menos versátil e seus movimentos eram limitados. Como, então, encher um filme de 2 horas com um monstro um tanto estático demais? Bom, não foi necessário, porque Spielberg, com apenas 28 anos e um cinéfilo de marca maior, foi buscar em outras fontes a solução, carregando no suspense clássico e fazendo com que as cenas com o grande vilão da história fossem dosadas. Esconder o predador para que ele possa arrebatar as cenas na parte final foi uma estratégia eficiente que Ridley Scott, por exemplo, utilizou em Alien: O Oitavo Passageiro, quatro anos depois.&nbsp;

Outro presente do destino para o diretor foi o elenco. Os produtores da Universal Pictures pressionaram por nomes de peso nos créditos. Alguns medalhões foram cogitados. O maior deles era Charlton Heston, astro de O Planeta dos Macacos e Ben Hur. Cinquentão, com um Oscar na bagagem, ele parecia se encaixar perfeitamente no papel de um xerife que enfrenta o perigo sem temor. Mas não era esse o perfil desejado no projeto de Spielberg. Seu desejo era nuançar um pouco mais o personagem, deixando-o inseguro diante de um desafio descomunal. Heston não trazia tal vulnerabilidade. Pensou-se em Gene Hackman, mas a escolha recaiu sobre um ator que havia ganhado destaque pouco tempo antes, o que também ajudou a baratear os custos com cachês.

Roy Scheider havia sido indicado a um Oscar de Ator Coadjuvante em 1972, por Operação França, produção que deu um Oscar de Melhor Ator principal para o próprio Hackman. O protagonismo mudou de mãos e a química entre o xerife humanista cioso das regras e o capitão traumatizado, desbocado e meio maluco composto por Robert Shaw foi perfeita. Shaw havia concorrido ao prêmio de Ator Coadjuvante da Academia de Cinema de Hollywood em 1967 pela produção O Homem que Não Vendeu Sua Alma, de Fred Zinnemann, o mesmo diretor do campeoníssimo A Um Passo da Eternidade, que faturou 8 Oscars em 1954. O homem escolhido para viver o Capitão Quint era o tipo de ator visceral, formado na escola teatral inglesa e com uma presença de cena impressionante.

Com sequências longas, diálogos mais ricos e personagens que pediram interpretações mais refinadas, Tubarão ganhou uma dimensão não prevista inicialmente, mas que está no sempre referenciado Moby Dick. Não é apenas sobre um tubarão que o filme trata. É sobre nossa reação diante do imponderável com o qual a natureza nos confronta. Quando é devorado pelo bicho, a expressão do capitão Quint não é a de um homem que encontra seu aguardado destino trágico, mas do espanto de quem não vai sobreviver a mais esta prova depois de tantas vezes ter escapado. Não é uma fisionomia idealizada, mas humana. O mesmo pode ser visto nas frustrações do xerife, incapaz de evitar mortes que ocorrem na sua frente. O tapa na cara que leva da mãe de um menino que foi devorado enfatiza isso.

São homens atônitos diante de uma fúria incontrolável, de um instinto primitivo que não conhece o que é negociação. O tubarão branco é uma máquina perfeita de matar e ele vai fazer isso. Não há sequer uma antropomorfização do predador, como se fosse um ser que busca vingança, que tem sentimentos maléficos. Nada disso. É um tubarão predando, lutando por sua sobrevivência e sendo guiado por algo que lhe é inato. Os seres humanos precisam reconhecer e tentar nadar o mais rápido possível. O terror vem dessa ausência de argumentos diante de um ser mais poderoso em seu elemento original. Os personagens são presas potenciais e o mais valente deles, ao subestimar essa força, é estraçalhado por algo que acreditou poder dominar. Ninguém poderia. E o público adorou que fosse assim.

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Uma das cenas mais emblemáticas do filme de Steven Spielberg (Reprodução)

O peixe fora d´água

Em 1976, Tubarão era o maior sucesso de bilheteria de todos os tempos. Tá certo, a marca duraria pouco, pois já no ano seguinte o primeiro filme da franquia Star Wars, de George Lucas, o destronaria desse posto. Mas a primeira obra-prima de Steven Spielberg não obteve reconhecimento só nas salas de cinema ao redor do mundo. A crítica também louvou sua chegada e indicou a produção para quatro Oscars. Tudo bem que três dessas indicações foram para categorias técnicas – mixagem de som, trilha sonora (ganhou com John Williams) e montagem (venceu com Verna Fields) –, mas o trabalho figurou na lista principal da premiação (melhor filme). Uma indicação que foi para os produtores Richard D. Zanuck e David Brown. Mas, e o diretor, que concebeu tudo e lutou por sua realização?

Sim, Steven Spielberg foi simplesmente esnobado naquele ano, mesmo que tenha sido, posteriormente, indicado 23 vezes (até agora) em várias categorias, ganhando três estatuetas – duas por A Lista de Schindler, em 1994, e uma por O Resgate do Soldado Ryan, em 1999. A primeira vez que seu nome figurou entre os concorrentes ao mais cobiçado prêmio do cinema mundial foi em 1978, com Contatos Imediatos de Terceiro Grau. Na verdade, o anúncio dos indicados em 1976 foi um trauma para o diretor. Um famoso vídeo do jovem Spielberg nesse dia mostra que ele acreditava que o filme seria indicado em 11 categorias, incluindo ele próprio na direção. Mas os escolhidos para concorrer foram os gigantes Federico Fellini, Stanley Kubrick, Sidney Lumet, Robert Altman e Milos Forman.

É inegável que a concorrência era pesada. Milos Forman, que foi o vencedor, concorria com nada menos que Um Estranho no Ninho. Fellini chegava com Amarcord. Lumet havia filmado Um Dia de Cão. Ainda assim, Spielberg não escondeu sua decepção. “Não entendi. Não entendi nada”, repetia, incrédulo. “Fui vencido pelo Fellini”, inconformava-se. A reação pretensiosa não seria o único arrependimento do diretor em relação ao seu próprio filme. Muitos anos depois, ele admitiu que se sentia responsável pelo extermínio de populações inteiras de tubarões, pois o animal ficou estigmatizado em razão do sucesso da produção. Uma produção caótica, que tinha tudo para naufragar na temeridade de ser feita por uma equipe de jovens inexperientes em locações desafiadoras. Bendita loucura foi Tubarão.

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'Tubarão' ganhou uma dimensão não prevista inicialmente, mas que está no sempre referenciado 'Moby Dick' (Reprodução)

A fera transatlântica

Um filme não entra no imaginário do público e lá permanece por décadas se ele não for muito, muito marcante. Tubarão pertence a essa categoria especial de produções. Os acordes da composição do maestro John Williams, as tomadas amplas até mesmo em alto mar, a construção gradativa da tensão em torno do animal sanguinário, tudo isso teve uma resposta inesperada nas bilheterias. O que foi investido retornou 70 vezes mais. Mesmo que a contagem dos dólares arrecadados nos anos 1970 não fosse acompanhada com a mesma precisão de hoje, há dados disponíveis em relação ao filme que inaugurou a era dos blockbusters. Nos EUA, a arrecadação bateu nos 260 milhões de dólares, segundo o site especializado The Business Insider. Globalmente, ela alcançou 470 milhões de dólares.

No Brasil, o sucesso encontrou uma forte concorrência naquele 1976. Tubarão estreou nos cinemas nacionais no Natal de 1975, seis meses após chegar às salas norte-americanas. Não há dados específicos sobre o número de espectadores brasileiros – esse cálculo não era feito na ocasião pelos estúdios de Hollywood –, mas o fenômeno global não foi ignorado por nenhum mercado. Era uma época em que as pessoas iam bastante ao cinema, inclusive no Brasil. Enquanto o tubarão de Spielberg mastigava suas vítimas, Sônia Braga desfilava pelo Pelourinho, ao som de Chico Buarque, ladeada por Mauro Mendonça e José Wilker (completamente nu) em Dona Flor e Seus Dois Maridos, de Bruno Barreto. Com mais de 10 milhões de espectadores, foi o maior sucesso do cinema nacional por décadas.

Além disso, nesses 50 anos, Tubarão tornou-se um ícone pop. As mandíbulas mais famosas do cinema estão em uma ampla gama de produtos licenciados. E é impressionante como ele ainda atrai a atenção do público. Quando surge uma data comemorativa, como a que estamos vivendo neste ano, com o meio século de seu lançamento, os cinemas voltam a receber fãs em exibições especiais. Aliás, isso voltou a acontecer agora ao longo de 2025. Os efeitos especiais podem parecer um pouco artesanais hoje, nos tempos de Inteligência Artificial. Diálogos bem trabalhados, cenas que valorizam as interpretações, a aventura de filmar tudo in loco, até mesmo no meio do oceano, tudo parece pertencer ao passado. Mas quem assistiu Tubarão nos cinemas agora sai extasiado. Continua um filmaço.

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As boas atuações também ajudaram a criar toda a magnitude de 'Tubarão' (Reprodução)

'Tubarão' completa 50 anos: o impacto cultural do fenômeno de Steven Spielberg

CINEMA

Foi depois de polir sua cara de pau que o Globo de Ouro voltou a ter uma cerimônia nesta terça-feira, após uma série de escândalos que, nos últimos dois anos, se avolumaram a ponto de pôr a existência do prêmio em risco.Ao escolher o drama "Os Fabelmans" e a comédia "Os Banshees de Inisherin" como os melhores filmes e "A Casa do Dragão", "Abbott Elementary" e "The White Lotus" como série de drama, série de comédia e minissérie, nesta ordem, a Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood mostrou contradição. Premiar a velha Hollywood representada por Steven Spielberg, diretor do primeiro longa, e pela comédia verborrágica britânica, por mais elogiado que o par tenha sido, é como um aceno ao passado. Já as grandes vitórias em televisão têm frescor, e elencos bastante diversos.Quanto à festa em si, é válido destacar que o Globo de Ouro não fingiu normalidade, mas tampouco tratou com a seriedade devida seu turbilhão de polêmicas.Comandando a festa, o comediante Jerrod Carmichael, que é negro e gay, não poupou acidez à instituição, é verdade. Nos primeiros dez minutos, falou das dificuldades de ser negro na indústria e tirou sarro da presidente do grupo. Diz ele que negou um almoço com a chefona, que o queria informar das mudanças que estavam sendo implementadas. "Eu ter assumido esse trabalho mostra que eles não mudaram de verdade. Eles têm seis membros negros, parabéns para eles", afirmou."Sou seu apresentador e estou aqui porque sou negro. O Globo de Ouro não foi transmitido no ano passado, porque a associação, eu não vou dizer que era racista, mas não tinha um único membro negro até George Floyd morrer. Façam o que quiserem com essa informação", havia dito antes, num discurso que aumentou o desconforto no auditório do hotel Beverly Hilton, em Los Angeles.Esta 80ª edição do Globo de Ouro acontece depois de sua antecessora não ter sido exibida na televisão. A emissora NBC concordou em retomar a transmissão neste ano, depois de a Associação de Imprensa Estrangeira ter adotado regras para driblar a falta de diversidade em seu quadro, a falta de transparência e a suposta compra de votos.Não que o público tenha visto mudanças concretas. Faltou ainda um mea-culpa mais contundente durante a cerimônia, para além de dar carta branca para um humorista fazer, bem, humor, e da fala insossa e rápida da presidente Helen Hoehne, que destacou que o grupo vai "continuar apoiando as mais diversas vozes", como fez no último ano.Mas parece ter sido o suficiente para os artistas que lotaram a cerimônia, com drinques como combustível para aquela que é notoriamente a mais etílica noite de Hollywood –"alguns estão bêbados, o que poderia ser melhor?", brincou Guillermo Del Toro ao vencer pela animação "Pinóquio".Além dele, Spielberg, premiado ainda como melhor diretor por "Fabelmans", e James Cameron estavam lá. Jamie Lee Curtis, Margot Robbie, Julia Roberts e Angela Bassett, também. Curiosamente, os próprios indicados ficaram a cargo de apresentar a maioria das categorias no palco –um caminho para evitar negativas de outras estrelas, talvez.Também ficaram ausentes Tom Cruise e Brendan Fraser, de "Top Gun: Maverick" e "A Baleia". Eles já haviam dito que não iriam, ao contrário de Cate Blanchett, que venceu por "Tár", e Amanda Seyfried, da série "The Dropout", que justificaram a ausência com compromissos de trabalho.Mas no tapete vermelho muitos já comemoravam o "prazer" e a "honra" que era estar indicado para um Globo de Ouro. Mais tarde, conforme os vencedores subiam ao palco, o clima celebratório permaneceu, sem que os discursos de vitória refletissem o embaraço da situação. Um tanto estranho para uma classe que se diz tão engajada.Para além da superficialidade e da breguice revestida em glamour desse tipo de festa, no entanto, importante mesmo é a lista de vencedores. E esta, ao menos, mostrou que a associação está mais aberta à diversidade do que é costume.Em cinema, três dos atores premiados são de grupos considerados sub-representados. Michelle Yeoh e Ke Huy Quan, de origem asiática, venceram por "Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo", enquanto Angela Bassett se tornou a primeira atuação da Marvel laureada, com "Pantera Negra: Wakanda para Sempre".Na ala televisiva também foram três os atores que levantaram a bandeira da diversidade, todos negros. Zendaya venceu por "Euphoria" e Quinta Brunson e Tyler James Williams, por "Abbott Elementary".Del Toro ainda representou os latinos com sua vitória por "Pinóquio", ao lado da Argentina, que desbancou os europeus em filme estrangeiro, com "Argentina, 1985". Queridinho indiano da temporada, "RRR" puxou o tapete de Rihanna, Lady Gaga e Taylor Swift para levar canção original.Mas é preciso cautela ao congratular o Globo de Ouro. As vitórias são reflexo de uma safra de filmes e séries diversa, sinal de mudança na indústria como um todo. O papel da premiação foi não rejeitar os novos tempos. Resta saber se a tendência se mantém ou se é marketing, numa indústria tão movida por aparências.Volodimir Zelenski faz discurso em vídeo na cerimônia do Globo de Ouro &nbsp;A 80ª edição do Globo de Ouro, celebrada na noite desta terça-feira (10), foi marcada por acenos políticos no sentido da diversidade -motivo pelo qual o prêmio havia sofrido boicote-, mas nenhum discurso de agradecimento ou de introdução dos indicados falou tão alto quanto o vídeo do presidente da Ucrânia Volodimir Zelenski transmitido durante a cerimônia.O ator Sean Penn fez a introdução e Zelenski lembrou que o próprio Globo de Ouro surgiu em tempos de guerra, em 1943, durante a Segunda Guerra Mundial. Ele afirmou que a Ucrânia vencerá a guerra que trava desde fevereiro do ano passado, com a vizinha Rússia e que não deixará o conflito descambar para uma terceira guerra a nível global.A exibição do vídeo não foi a primeira vez que o líder participou de eventos culturais internacionais e fez apelos em prol da Ucrânia. O mesmo ocorreu no Festival de Cannes, na França, e até na Feira de Frankfurt, voltada ao mercado editorial.Penn, que acumula alguns Oscar, foi forçado a sair da Ucrânia enquanto filmava um documentário sobre a guerra. Ele chegou a presentear Zelenski com uma de suas estatuetas douradas, com a condição que o presidente devolvesse a ele quando a guerra acabasse.Confira os premiados:MELHOR FILME – DRAMA Os FabelmansMELHOR DIRETOR Steven Spielberg, por Os FabelmansMELHOR ROTEIRO Martin McDonagh, por Os Banshees de InisherinMELHOR ATOR EM FILME – DRAMA Austin Butler, por ElvisMELHOR ATRIZ EM FILME – DRAMA Cate Blanchett, por TárMELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM FILME - DRAMA Angela Bassett, por Pantera Negra: Wakanda para SempreMELHOR ATOR COADJUVANTE EM FILME - DRAMA Ke Huy Quan, por Tudo em Todo Lugar ao Mesmo TempoMELHOR FILME - COMÉDIA Os Banshees de InisherinMELHOR ATRIZ EM FILME - COMÉDIA/MUSICAL Michelle Yeoh, por Tudo em Todo Lugar ao Mesmo TempoMELHOR ATOR EM FILME - COMÉDIA/MUSICAL Colin Farrell, por Os Banshees de InisherinMELHOR SÉRIE DE TV - DRAMA A Casa do DragãoMELHOR ATOR EM SÉRIE DE TV - DRAMA Kevin Costner, por YellowstoneMELHOR ATRIZ EM SÉRIE DE TV - DRAMA Zendaya, por EuphoriaMELHOR SÉRIE DE TV - COMÉDIA/MUSICAL Abbott ElementaryMELHOR ATRIZ EM SÉRIE DE TV - COMÉDIA/MUSICAL Quinta Brunson, por Abbott ElementaryMELHOR ATOR EM SÉRIE DE TV - COMÉDIA/MUSICAL Jeremy Allen White, por O UrsoMELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM SÉRIE DE COMÉDIA-MUSICAL OU DRAMA Julia Garner, por OzarkMELHOR ATOR COADJUVANTE EM SÉRIE DE COMÉDIA-MUSICAL OU DRAMA Tyler James Williams, por Abbott ElementaryMELHOR SÉRIE LIMITADA, SÉRIE ANTOLÓGICA OU TELEFILME The White LotusMELHOR ATOR EM SÉRIE LIMITADA, SÉRIE ANTOLÓGICA OU TELEFILME Evan Peters, por Dahmer: Um Canibal AmericanoMELHOR ATRIZ EM SÉRIE LIMITADA, SÉRIE ANTOLÓGICA OU TELEFILME Amanda Seyfried, por The DropoutMELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM SÉRIE LIMITADA, SÉRIE ANTOLÓGICA OU TELEFILME Jennifer Coolidge, por The White LotusMELHOR ATOR COADJUVANTE EM SÉRIE LIMITADA, SÉRIE ANTOLÓGICA OU TELEFILME Paul Walter Hauser, por Black BirdMELHOR FILME ESTRANGEIRO Argentina, 1985 (Argentina)MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO PinóquioMELHOR CANÇÃO ORIGINAL EM FILME Naatu Naatu, de Kala Bhairava, M. M. Keeravani, Rahul Sipligunj (RRR)MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL EM FILME Justin Hurwitz, por Babilônia

Globo de Ouro coroa Spielberg, foge da crise e aposta na diversidade

Muitos podem não se lembrar de toda a história, mas a cena icônica da bicicleta voadora sob o luar ainda paira na memória de muitos que assistiram a E.T. - O Extraterrestre (1982). Clássico inveterado do audiovisual e da cultura pop, o longa-metragem de Steven Spielberg comemora 40 anos de seu lançamento em 2022. Como homenagem, o filme retorna nesta quinta-feira (17) às salas de todo o País.As comemorações das quatro décadas da obra já começaram no Brasil em outubro, durante o Rio de Janeiro International Film Festival. O longa foi exibido - e aplaudido - em três sessões especiais. Por todo o mundo, homenagens ao extraterrestre têm surgido em parques de diversões, nos serviços de streaming e nas redes sociais. Em Goiânia, o filme será exibido em quatro salas de cinema espalhadas pela capital.O fato é que o blockbuster marcou época, ultrapassou gerações e paira na memória de muitos. De 1982 a 1993, por exemplo, o filme foi responsável pela maior bilheteria da história do cinema, perdendo o posto para Jurassic Park (1993), também de Spielberg. Conquistou o Oscar de melhor Trilha Sonora, Som, Efeitos Especiais e Efeitos Sonoros. O longa também saiu das salas de cinema e foi parar em capas de cadernos, brinquedos, parques de diversões, camisetas e outros artigos de entretenimento.De forma geral, E.T. – O Extraterrestre acompanha a saga de um garoto que faz amizade com um ser de outro planeta, que ficou sozinho na Terra, protegendo-o de todas as formas para evitar que ele seja capturado e transformado em cobaia. Ao longo do filme, os dois criam uma forte amizade, o que faz com que fiquem interligados por uma conexão interespacial.Leia também:<a href="https://opopular.com.br/noticias/magazine/tit%C3%A3s-anunciam-turn%C3%AA-com-sua-forma%C3%A7%C3%A3o-cl%C3%A1ssica-de-nando-reis-a-paulo-miklos-1.2561767" target="_blank">-&nbsp;Titãs anunciam turnê com sua formação clássica, de Nando Reis a Paulo Miklos</a><a href="https://opopular.com.br/noticias/magazine/s%C3%A3o-paulo-ganha-mural-em-homenagem-%C3%A0-black-music-para-celebrar-dia-da-consci%C3%AAncia-negra-1.2561342" target="_blank">-&nbsp;São Paulo ganha mural em homenagem à black music para celebrar Dia da Consciência Negra</a>Anos antes de apresentar a narrativa sobre um extraterrestre perdido na Terra, Spielberg havia apresentado ao mundo o seu Contatos Imediatos de Terceiro Grau (1977). Meses depois de E.T. entrar em cartaz nos cinemas mundiais, o cineasta assinaria roteiro e produção de Poltergeist - O Fenômeno (1982). Depois do clássico, o diretor ainda assinaria obras como A.I. Inteligência Artificial (2001) e Guerra dos Mundos (2005), todos ilustrados por temáticas futuristas e alienígenas.Desde que estreou, E.T. – O Extraterrestre arrecadou cerca de US$ 792 milhões no mundo inteiro. E não é a primeira vez que o filme retorna às salas de cinema: em 2002, por exemplo, ele foi exibido para o aniversário de 20 anos. Daqui a 10 anos, muito provavelmente ganhará mais uma vez os projetores de cinema para as comemorações dos seus 50 anos - prova de que um clássico nunca sai de moda.NarrativaEfeitos visuais modernos para a época, uma história sobre amizade, a cultura adolescente dos subúrbios norte-americanos, os mistérios do espaço. São muitos os motivos que fazem o longa-metragem ser comparado a outros clássicos infantojuvenis que marcaram diferentes épocas, a exemplo de O Mágico de Oz (1939), Os Goonies (1985) e a franquia Harry Potter – o primeiro, A Pedra Filosofal, foi lançado em 2001.Três imagens frescas e inesquecíveis ficam na memória de quem já assistiu a E.T - O Extraterrestre: a do dedo luminoso, a do coração do extraterrestre que brilha quando recebe um chamado e a da bicicleta sob a lua cheia. Spielberg cria um emaranhado de imagens icônicas que são fisgadas facilmente pelo público, capaz de chorar e, também, dar boas gargalhadas - como na cena em que a pequena Gertie (Drew Barrymore) fantasia o alienígena com peruca, batom e vestido.A narrativa também faz um recorte muito preciso do modo de vida americano na primeira metade dos anos 1980: o jovem Elliot, vivido pelo ator Henry Thomas, vive em um subúrbio de classe média junto com os irmãos Michael (Robert Macnaughton) e Gertie. A mãe divorciada Mary (Dee Wallace), precisa de desdobrar em várias para cuidar das crianças, dando pouca atenção ao filho. Para tanto, o protagonista cria um mundo próprio, capaz de criar aventuras mirabolantes com amigos de outras galáxias.