A atriz e diretora Mayana Neiva, 42, vive um momento de afirmação como criadora. Após anos dedicados à atuação, ela conquistou um prêmio no Beverly Hills Film Festival, em Hollywood, com o documentário "Onde Eu Começo?", projeto íntimo que nasceu durante a pandemia e marca sua estreia na direção.

Segundo Mayana, a ideia do filme, que ganhou o troféu melhor documentário em curta-metragem pelo júri popular, surgiu a partir de um questionamento pessoal sobre identidade e origem. "Eu me perguntei onde é que a minha história começa, onde é que eu, como artista, começo", afirma.

Após anos vivendo fora do Brasil --incluindo uma temporada em Nova York--, ela passou a refletir sobre suas raízes. "Eu começo pela minha ancestralidade feminina e pela minha ancestralidade masculina", diz.

O documentário foi filmado ao longo de três meses em Esperança, no sertão da Paraíba, e constrói um paralelo entre a volta de alguém ao seu lugar de origem e a história de seu avô, José Neiva. De origem humilde, ele trabalhou como balaieiro em feira até descobrir a fotografia e se tornar um dos principais nomes da área em Campina Grande.

"Ele terminou se tornando um dos maiores fotógrafos da Paraíba na época", conta a neta, orgulhosa. A trajetória, segundo a atriz, foi determinante para sua formação. "Foi uma pessoa que me norteou os meus valores, por isso que o filme chama 'Onde Eu Começo?'", diz.

Sem recorrer a recursos públicos ou a grandes produtoras, Mayana financiou o projeto com recursos próprios. "Foi um documentário feito sem nenhuma lei de incentivo, que eu fiz sozinha com a minha família, com o meu pai", afirma.

O investimento, segundo ela, ficou entre R$ 80 mil e R$ 100 mil. "Era como se eu quisesse guardar a história do meu avô, como quem guarda uma mensagem numa garrafa para o tempo futuro", resume.

A inscrição em festivais internacionais seguiu o caminho tradicional. O reconhecimento veio logo na primeira seleção. "Foram 7 mil filmes de 70 países, 400 foram para a competitiva", conta.

A vitória, segundo ela, foi inesperada. "Eu fiquei sem ar, nem imaginei que isso ia acontecer", afirma. Para a artista, o prêmio também revela um olhar do festival para narrativas diversas: "Eles premiaram pequenas histórias do mundo, histórias mais distantes".

Embora não pretenda abandonar a atuação, Mayana afirma que foi "mordida pelo bichinho" da direção. "Eu me vejo já há um tempo como uma artista criadora", diz. A experiência com o documentário reforçou esse caminho. "Acho muito importante a gente ter uma opinião sobre o mundo", avalia.

Nos últimos anos, a atriz tem ampliado sua atuação artística. Além do cinema, lançou recentemente o disco "Tá Tudo Aqui Dentro", que dialoga com a mesma pesquisa sobre origens e identidade. "O documentário fala da minha ancestralidade masculina, e o disco da minha ancestralidade feminina. A força da mulher paraibana da minha avó Eulália, da minha mãe Maria Magdala", explica.

Mesmo dedicada a projetos autorais, Mayana afirma que não pretende se afastar das novelas, formato em que se consolidou junto ao grande público. "Eu adoro fazer novela, quero voltar", diz. Segundo a atriz, a decisão de dar um tempo recente foi estratégica para investir em outras frentes da carreira.

"Acho que todo artista precisa renascer e se reinventar", afirma. Ela também destacou que segue ativa na televisão. Atualmente, está no ar em "Guerreiros do Sol", na qual interpreta Linete, personagem que surge na segunda parte da trama e acolhe a protagonista Rosa (Isadora Cruz).

"É uma personagem muito delicada, silenciosa, amorosa, lutadora, mas delicada", analisa a atriz. Diferente de papéis mais duros que já fez, como a delegada Carolina Ramalho em "Rotas do Ódio" (2018), Linete representa, segundo ela, "a força da delicadeza", com um perfil mais maternal e afetuoso.

Mayana também destacou a troca com o elenco e a equipe. "Foi um trabalho muito lindo", afirmou, citando a parceria com atores como Tuca Andrada e Thomás Aquino.

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Sem abandonar a atuação, Mayana Neiva celebra prêmio como diretora: 'Mordida pelo bichinho'

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Beverly Hills Film Festival

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Diane Keaton nasceu em Los Angeles, na Califórnia no dia 5 de janeiro de 1946 (Reprodução / Instagram de Diane Keaton)

A atriz Diane Keaton morreu hoje, aos 79 anos, na Califórnia, nos Estados Unidos. As informações foram confirmadas pela revista norte-americana People.

A morte foi confirmada por um porta-voz da família de Diane à People. A causa do óbito, no entanto, não foi divulgada.

A família pediu respeito e privacidade nesse momento. Maiores detalhes sobre o velório não foram divulgados.

Diane Keaton era um dos nomes mais famosos de Hollywood. Ela venceu o Oscar de melhor atriz em 1977 pelo papel no filme "Noivo Neurótico, Noiva Nervosa".

<div class="p-readmore-box"> 
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Diane Keaton nasceu em Los Angeles, na Califórnia no dia 5 de janeiro de 1946. Ela começou sua carreira no teatro e fez sua estreia no cinema como figurante em "As Mil Faces do Amor", em 1970.

Seu primeiro destaque em Hollywood foi em "O Poderoso Chefão" (1972). Diane foi escolhida pelo diretor Francis Ford Coppola para interpretar Kay Adams, par romântico do protagonista Al Pacino. Ela retornou ao personagem nas sequências da franquia em "O Poderoso Chefão - Parte 2" (1974) e na Parte 3 (1990).

Keaton esteve em diversos filmes de Woody Allen. Ela estrelou longas do diretor como "Play It Again, Sam" (1972), "Sleeper" (1973) e "Love and Death" (1975). 
 
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O Oscar veio em 1977. Ela venceu a estatueta com a personagem-título do filme "Annie Hall". Keaton voltou a ser indicada ao Oscar pela atuação em "Alguém Tem Que Ceder" (2003), mas não levou a estatueta na premiação de 2004.

Como atriz, seus outros trabalhos memoráveis foram: "Baby Boom" (1987), "O Pai da Noiva" (1991), "O Pai da Noiva - Parte 2" (1995), "O Clube das Desquitadas" (1996), entre outros.

Keaton também atuou como diretora no documentário Heaven, de 1987, e o filme Hanging Up, 2000, e um episódio de Twin Peaks.

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Morre Diane Keaton, atriz vencedora do Oscar, aos 79 anos

HOLYWOOD

Clint Eastwood era um zero à esquerda em 1964. Fora figurante em filmes B tipo “Helena de Troia” e “Quo Vadis?”. Fazia um caubói de segunda num seriado de terceira, “Rawhide”. Com 34 anos, passara da idade para ser galã. Os americanos chamam gente assim de “loser”.O italiano Sergio Leone estava na mesma vala. Com pseudônimo, dirigira filmes C em que marmanjos de saiote trocavam sopapos greco-romanos, “Os Últimos Dias de Pompéia” e “O Colosso de Rodes”. Sabia o que queria, e o que queria era esdrúxulo: fazer faroestes.Conseguiu um dinheiro e foi atrás de um ator ianque. Buscava um gajo alto, esguio, de olhos claros; Henry Fonda, James Coburn ou Charles Bronson. O agente do primeiro nem lhe passou o roteiro. O segundo pediu um cachê maior que o orçamento do filme. O terceiro achou o roteiro um lixo.Um amigo sugeriu que assistisse a “Rawhide”. Leone viu um único episódio e convidou Clint Eastwood a ser o astro de “Um Punhado de Dólares”. O resto é história: o “loser” virou estrela de primeira grandeza. Vinte anos depois, num depoimento ao American Film Institute, o italiano explicou com uma parábola que diabo enxergara no desconhecido.“Quando perguntaram a Michelangelo o que vira em determinado bloco de mármore, escolhido entre centenas de outros, ele respondeu que vira Moisés”, contou. “O que eu vi em Clint Eastwood foi, pura e simplesmente, um bloco de mármore.”Leone não fez um filme equivalente ao Moisés de Michelangelo. Mas inaugurou um gênero, o western spaghetti, e veio a narrar, na trilogia “Era uma Vez”, a dilatação do capitalismo nos EUA de 1870 a 1968. Tornou-se artista. De quebra, inventou Eastwood.Já o bloco de mármore pariu uma armadura. Suas rugas verticais parecem talhadas a formão; os lábios finos ciciam ameaças -como com a célebre frase “make my day”-; tem a graça de uma gárgula; a manopla empunha a Magnum.44; os olhos contraídos irradiam raiva; a tensão é de quem vai dar porrada.Dentro e fora das telas, Dirty Clint personifica Dirty Harry, o paladino da trilogia iniciada em 1971. É o meganha marrento que viola a lei para impor a ordem. O mau e o mal que perpetram malefícios e maldade. Na recém-publicada “Clint”, a mais recente de uma dúzia de biografias, Shawn Levy diz que o ator e personagem se fundiram para dar origem a “um símbolo do espírito e da psique americanas, um homem ordinário com interesses e gostos ordinários”.Em sendo assim, é vaidoso (fez implante capilar e malha diariamente). Ama conquistar e procriar (seis filhos de oito mulheres). Não tolera chefes (criou uma produtora para filmar só o que quer e como quer). Empenha-se em enricar e acumular (patrimônio de US$ 400 milhões). É um direitista da ala de Átila (militou no grupo “Celebridades PróNixon”).Seus 95 anos coroaram-no com a aura de sumidade, senão sábio. O 40º filme que dirigiu, “Jurado nº 2”, foi lançado no ano passado. Não atuou nele, mas foi ator em outros 60; 16 depois de assoprar 75 velinhas. Ninguém é páreo para ele: Scorsese dirigiu 42 filmes e Spielberg 36 -e eles não são atores.É rápido no gatilho e no trabalho. Se colegas gastam dois meses nas filmagens, ele leva um. Disciplinado, emprega a mesma equipe há milênios, fala pouco, exige silêncio e, para insegurança do elenco, não ensaia nem repete cenas: é sempre a primeira tomada que vai para a edição final.Tem um pretexto estético: a primeira filmagem é a mais espontânea, e é precisamente isso que procura. Tem também uma justificativa econômica, que não divulga: com a rapidez, economiza dinheiro, agrada os investidores e aumenta a rentabilidade da sua mercadoria, filmes.No plano estético, a velocidade imprimiu espontaneidade à sua obra. Mas com ela vieram sequências simplórias, cenas recorrentes, a padronização e o automatismo inerentes à indústria cultural. Gente séria o admirava. Norman Mailer comparou-o a Hemingway e escreveu: “Talvez não exista ninguém mais americano que Clint Eastwood. Que artista interessante”. Mas nem todos.Pauline Kael via no seu sucesso a normalização do sadismo, da estupidez e da grosseria, sinais de uma sociedade numa espiral de vulgaridade e apodrecimento. Corta para o dia 25 de fevereiro de 2020. A pandemia matava aos milhares e Bolsonaro, então presidente, difundiu numa rede social vídeos convocando uma manifestação contra o Supremo e o Congresso.Em seguida, postou sua foto assistindo a um faroeste na televisão. A legenda dizia: “Boa noite a todos! Clint na tela!”.

Opinião

Era uma vez um bloco de mármore

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Mario Sergio Conti

O ator Val Kilmer morreu nesta terça-feira (1º) em Los Angeles, aos 65 anos. Conhecido por papéis icônicos como Jim Morrison e Batman, sua última atuação foi em "Top Gun: Maverick".

Mercedes Kilmer, filha do ator, confirmou que a causa da morte foi uma pneumonia, de acordo o jornal New York Times. Em 2014, Kilmer chegou a ser diagnosticado com câncer de garganta, e após tratamento conseguiu se recuperar.

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Val Kilmer nasceu em Los Angeles em 31 de dezembro de 1959. Ele teve uma infância marcada pela morte do irmão afogado em 1977 e pela separação dos pais quando tinha apenas nove anos.

Desde pequeno participou de campanhas publicitárias, mas sempre foi muito firme e decidido sobre os seus trabalhos. Ainda quando criança foi escalado para estrelar um comercial de uma marca de hambúrgueres. No entanto, recusou fazer o comercial por não acreditar na qualidade do produto: "Aqueles hambúrgueres eram terríveis", contou o astro.&nbsp;

<div class="p-readmore-box"><a href="https://opopular.com.br/magazine/morre-o-advogado-marcos-vilaca-membro-da-academia-brasileira-de-letras-aos-85-1.3246784" target="_blank">Morre o advogado Marcos Vilaça, membro da Academia Brasileira de Letras, aos 85</a> 
<a href="https://opopular.com.br/cidades/morre-o-advogado-e-professor-da-ufg-licinio-leal-barbosa-em-goiania-1.3246187" target="_blank">Morre o advogado e professor da UFG Licínio Leal Barbosa, em Goiânia</a></div>

Aos 17 anos, foi aceito na Juilliard School em Nova York, e se destacou como um dos alunos mais jovens a ingressar no programa de atuação. Kilmer teve sua estreia na Broadway em 1983 ao lado de Sean Penn e Kevin Bacon na peça "The Slab Boys". Montagem foi elogiada pela crítica e impulsionou suas carreiras. 
Pai de dois filhos, Mercedes e Jack, frutos do casamento com a também atriz Joanne Whalley. O casal se conheceu durante as filmagens de "Willow" (1988) e se divorciou posteriormente.

Kilmer fez sua estreia no cinema com a paródia "Top Secret!" (1984). Seu papel principal abriu portas para ele em Hollywood e o fez seguir para estrelar, ao lado de Tom Cruise, "Top Gun" (1986) como Tom "Iceman" Kazansky.

Um dos papeis mais desafiadores veio como Jim Morrison em "The Doors" (1991). Para conseguir o papel, ele gravou um vídeo de oito minutos mostrando ao diretor Oliver Stone suas habilidades musicais e semelhança com Morrison. A própria voz de Val Kilmer cantando foi usada no filme, além de ele ter quebrado o braço durante as filmagens.

Viveu sob a máscara do homem-morcego da DC. Após "The Doors", viveu anos de maior destaque na carreira. Atuou no faroeste "Tombstone" (1993) e nos sucessos comerciais "Heat" (1995) e "Batman Forever".

Anos depois de interpretar Bruce Wayne, o ator lamentou que sua participação como o super-herói tenha sido pouco marcante. Primeiramente, porque Tommy Lee Jones e Jim Carrey acabaram roubando a cena, dando vida aos vilões Duas Caras e Charada, respectivamente.

Val Kilmer também alegou que o uniforme do Batman simplesmente impossibilitava seus movimentos, e o capacete impedia que ele ouvisse grande parte do que acontecia ao seu redor.

"Foi frustrante. Parecia que a minha única função era aparecer no set e me manter parado no lugar onde mandavam ficar", disse o ator no documentário "Val" (2021).

<h2>Luta contra o câncer</h2>

Tumor na garganta e recusa a tratamento medicinal. Em 2014, enquanto encenava um monólogo no teatro, foi diagnosticado com câncer na garganta. A ciência cristã, crença seguida pelo ator, fez com que recusasse qualquer tipo de tratamento proposto pela medicina tradicional.

Foram anos de tratamento com base na ciência cristã, até que seus filhos, que não são adeptos da religião, intervieram na situação em que o ator se encontrava. 
Em 2020, passou por uma cirurgia para tratar um câncer. Depois, ele precisou passar por uma traqueostomia, um procedimento no qual os médicos colocam um tubo a partir de um furo na traqueia.

Perda quase total da fala. A traqueostomia afetou sua voz. Em entrevista, Mercedes Kilmer disse que ver o pai em "Top Gun: Maverick" foi "extraordinário". 
Inteligência artificial para recriar voz nas cenas. Pelo fato de estar praticamente impedido de falar, a produção do longa investiu em uma IA que coletou gravações antigas do ator e recriou sua voz. O resultado aparece nas cenas do retornou de "Iceman".

Estrela de 'Batman Eternamente', Val Kilmer morre aos 65 anos de pneumonia

LUTO

Duas semanas separam o nascimento de Paul Newman do de Jack Lemmon. O primeiro veio ao mundo em 26 de janeiro de 1925 na pequena cidade de Shaker Heights, no Estado de Ohio, perto de Cleveland, ao sul do Lago Erie, no nordeste dos Estados Unidos. Já o segundo nasceu em 8 de fevereiro daquele mesmo ano, no elevador de um hospital de Newton, Massachusetts, localidade a oeste de Boston. Trajetórias que começaram de forma próxima no tempo e no espaço e que tiveram alguns encontros ao longo da vida desses dois excepcionais atores. Os dois integraram o que poderíamos definir como a segunda geração da chamada Era de Ouro de Hollywood, fazendo uma ponte entre os pioneiros dos anos 1930 a 1950 e o grupo que veio depois, a partir dos anos 1970 e 1980

Essa passagem de bastão foi magistral em muitos sentidos, gerando verdadeiros clássicos nos mais diferentes gêneros, da ação ao romance, do drama à comédia. Em todos eles, Newman e Lemmon transitaram com maestria, tornando-se dois dos atores mais populares junto ao público e nomes com grande reconhecimento da crítica, reverenciados por colegas de todas as idades em razão dos papéis marcantes que defenderam. Eles trabalharam com os principais diretores, ganharam os prêmios mais desejados, criaram personagens inesquecíveis. Uma empresa, a Jalem Productions, da qual Lemmon era sócio, produziu o filme Rebeldia Indomável, de 1967, protagonizado por Newman, mas eles não chegaram a contracenar, o que não deixa de ser uma pena.

Paul Newman e Jack Lemmon, apesar de manterem simultaneamente carreiras tão vitoriosas, não tinham o mesmo biotipo, não disputaram papéis entre si, não se envolveram em polêmicas que pudessem gerar atritos. Mesmo com todas as vaidades naturais do meio, eles eram amigos graças a uma admiração mútua. São muitos os momentos em que ambos surgem em animadas conversas, tomando seus drinks e fumando charutos em recepções em casas de amigos comuns. Essa relação ficou mais próxima exatamente após trabalharem no filme Rebeldia Indomável. Não era segredo que Newman chegou a pedir a Lemmon que ele estivesse ao seu lado na frente das câmeras pelo menos um vez, em Butch Cassidy, filme que produziu. Isso não aconteceu, mas ficou a amizade.

Em Hollywood, as características físicas e os temperamentos contam muito no andamento da carreira. Newman, com seus olhos de um azul cristalino e profundo, era um homem de grande beleza, um dos galãs mais emblemáticos que a meca do cinema já apresentou. Para ele, couberam personagens heróicos e conquistadores, mesmo com seu firme alicerce dramático. Lemmon, assim como Newman, um ator formado nos palcos, tinha imenso carisma, com um poder raro de comover e fazer rir – às vezes ao mesmo tempo –, levando-o a fazer algumas das melhores comédias já filmadas e a ganhar dois Oscars em histórias engraçadas e trágicas. A celebração do centenário de nascimento desses dois gigantes é uma oportunidade e tanto para revisitar dois legados inestimáveis para o cinema.

Gato em teto de zinco quente

Paul Newman certamente está entre os atores com mais magnetismo da história do cinema. Ele construiu sua carreira explorando ao máximo esse poder hipnótico que parecia exercer sobre o público, que não conseguia deixar de acompanhar com atenção suas atuações, não importando se ele fosse um bandido romantizado, um homem atormentado pelo alcoolismo ou um jogador de sinuca cheio de truques perigosos. Em cada filme, mesmo em sua velhice, ele manteve a capacidade de dominar qualquer cena, mesmo que nela estivessem outros astros sagrados, o que foi bastante comum em sua trajetória. Na vida privada e profissional, ele formou pares que continuam a ser lembrados tantas décadas depois de sua aparição. Newman era um protagonista inconteste, mas sabia tabelar como poucos.

Sua dobradinha com outro pilar do cinema hollywoodiano, Robert Redford, no filme Butch Cassidy, de 1969, é aquele tipo de parceria que nos leva a acreditar que os dois trabalharam juntos a vida inteira. Ele vivia o bandido Butch Cassidy, que ao lado de seu parceiro de crimes, Sundance Kid (Redford), constrói uma lenda, acionando aquela estranha simpatia que determinados fora-da-lei costumam suscitar nas pessoas. A química entre os dois foi perfeita, fazendo-nos até agradecer que a primeira opção para Sundance Kid, a convite do próprio Newman – que foi o produtor do filme – tenha sido exatamente Jack Lemmon, não pudesse aceitar a missão. Ainda bem que o destino permitiu que Newman e Redford conduzissem essa história cheia de ação, romance, tiroteios e charme.

A carreira de Paul Newman já era uma realidade quando ele filmou Butch Cassidy. O estrelato estava garantido desde o final dos anos 1950, quando filmou Gata em Teto de Zinco Quente, produção baseada na peça de Tennessee Williams e que fez imenso sucesso ao reunir em cena dois nomes em ascensão: fazendo par com Newman estava ninguém menos que Elizabeth Taylor. Mesmo com um enredo que é opressivo em muitos sentidos, com muitas cenas de discussão e desilusão, e o protagonista sendo um alcoólatra e com problemas que destroem seu humor, a presença dos dois faz o filme ficar estranhamente solar em muitos momentos. Eles interpretam um casal em crise, mas a atuação dos dois é tão exata em tudo que ambos ganharam indicação ao Oscar pelo trabalho.

No âmbito particular, Paul Newman teve um casamento bem diferente daquele de Gata em Teto de Zinco Quente. No mesmo ano em que o filme foi lançado, 1958, ele se casou com a atriz Joanne Woodward, com quem viveu até sua morte, em 2006. Foi uma união estável e sem escândalos – algo incomum em Hollywood – e que não eclipsou a carreira de nenhum dos dois. Joanne, hoje com 94 anos de idade, foi indicada a quatro Oscars, vencendo uma das disputas por sua irretocável atuação no denso As Três Máscaras de Eva. Ela também ganhou a Palma de Ouro em Cannes pelo filme O Preço da Solidão, de 1973, no qual foi dirigida por Paul Newman, que também tinha essa outra faceta atrás das câmeras. O ator assinou ainda o roteiro de Meu Pai, Eterno Amigo, que dirigiu e estrelou.

A primeira experiência de Paul Newman como diretor e produtor foi na produção Raquel, Raquel, baseada no livro de Margaret Lawrence e na qual fez par romântico com a esposa. O título, de 1969, rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz para Joanne Woodward e de Melhor Filme para Paul Newman. Apesar de ter concorrido ao principal prêmio do cinema 10 vezes em diferentes categorias, ele só levou a estatueta dourada para casa em 1987, como Melhor Ator Coadjuvante por A Cor do Dinheiro. retomando o personagem do jogador de sinuca Eddie, pelo qual já havia sido indicado ao Oscar de Melhor Ator em Desafio à Corrupção, de 1962. Em 1986, ele ganhou outro Oscar, este honorário, por toda sua carreira. Em 1994 foi agraciado com o prêmio humanitário Jean Hersholt.

Em A Cor do Dinheiro, ele contracenou com Tom Cruise, que nem havia nascido quando Newman fez seu primeiro filme, O Cálice Sagrado, de 1954, trabalho pelo qual o ator se envergonhou. Ele chegou a publicar um anúncio pedindo desculpas por sua atuação naquele épico equivocado, no qual dividiu a cena com Jack Palance. Seus critérios de qualidade eram altos, como cabia a um ator egresso do prestigiado Actors Studio, de Nova York, onde se formou no Método, forma visceral de interpretação sistematizada pelo diretor russo Constantin Stanislavski. Alguns de seus colegas de escola de teatro foram nomes de peso do cinema, como Marlon Brando e James Dean. Era um momento de afirmação, em uma competição dura pelos melhores papéis oferecidos àquela geração.

Paul Newman soube aproveitar as oportunidades que surgiram e não demorou a construir seu prestígio como ator. Produções como O Indomado, de 1963, pelo qual ganhou outra indicação ao Oscar, e Quatro Confissões, que tinha como um dos roteiristas o cineasta japonês Akira Kurosawa, começaram a mostrar que Newman era um ator criterioso para escolher projetos, ao mesmo tempo que mantinha sua atuação nos palcos. Já maduro e consagrado, ele viveu outro ápice da carreira nos anos 1980, sendo indicado ao Oscar de Melhor Ator pelo filme Ausência de Malícia, de Sydney Pollack, e também por O Veredito, de Sidney Lumet. Antes, ele havia participado de um filme-catástrofe emblemático, Inferno na Torre, ao lado de astros como Steve McQueen, Faye Dunaway e Fred Astaire.

Com o tempo, suas aparições no cinema foram ficando mais esparsas. Ele canalizou sua atenção para outras áreas, como as corridas de automóveis. O ator foi proprietário de uma das principais equipes da Fórmula Indy, a Newman-Haas. Na tela grande, ainda ganhou destaque com O Indomável: Assim É a Vida, de 1994, contracenando com Jessica Tandy e Bruce Willis, e Estrada para Perdição, de 2002, numa parceria com Tom Hanks. Em ambos, ele voltou a concorrer ao ao Oscar. Fez ainda a dublagem do personagem Doc Hudson, na animação Carros. Depois que foi diagnosticado com câncer de pulmão, Paul Newman preferiu enfrentar a doença de forma mais reclusa e fez poucas aparições públicas por não conseguir atuar como gostaria, afastando-se do cinema em 2007. Ele morreu em 2008.

Quanto mais Jack Lemmon, melhor

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Cena de 'Quanto Mais Quente Melhor', filme de 1956 com Jack Lemmon e Marilyn Monroe (Reprodução)

É difícil imaginar uma cena cômica mais divertida e inusitada do que aquela que fecha o clássico Quanto Mais Quente, Melhor, do genial Billy Wilder. Pilotando uma lancha, Osgood Fielding III, um milionário vivido por Joe E. Brown, foge com aquela por quem se apaixonou. Essa musa na verdade é Jerry, um malandro vivido por Jack Lemmon, que se disfarçou de mulher para escapar de seus perseguidores. Ainda de peruca e maquiagem, Jerry diz: “vou ser direta, não podemos nos casar”. E cada argumento é refutado pelo apaixonado. “Não sou loira natural”. “Fumo sem parar.” “Vivi com um saxofonista por três anos”. “Não importa”, responde o pretendente. “Não posso ter filhos.” “Adotamos um”, rebate. Daí Jerry tira a peruca: “Sou homem!” “Ninguém é perfeito”, o milionário responde, encerrando a discussão.

Quanto Mais Quente Melhor é uma demonstração inequívoca do formidável talento cômico de Jack Lemmon, que neste filme faz uma parceria perfeita com Marilyn Monroe e Tony Curtis sob a batuta de Billy Wilder. Não há cena que passe em branco. Em todas, Lemmon consegue não só mostrar do que é capaz na composição de uma personagem complexa, como permite que seus companheiros de set também se sobressaiam. O mesmo ocorre no filme seguinte que o ator fez com Wilder, o igualmente hilariante Se Meu Apartamento Falasse, agora fazendo par com Shirley MacLaine. Quem vê seu currículo com tantas comédias românticas que redefiniram o gênero pode até imaginar que esta era sua especialidade. Não é bem assim. Ele jogava em todas as posições, sem hesitação.

Jack Lemmon foi indicado ao Oscar oito vezes, levando a estatueta para casa em duas ocasiões, com uma comédia dramática e em uma trama pesada. A primeira vitória foi na categoria de Ator Coadjuvante por Mister Roberts, de 1955, uma produção de guerra de John Ford um pouco inusual, com cenas de tensão mescladas a momentos de alívio cômico. Nela, ele contracena com nomes de peso, como Henry Fonda, James Cagney e William Powell, vivendo a história de uma tripulação de um navio que aguarda para entrar em ação na Segunda Guerra Mundial. Ele voltaria a ganhar o Oscar, agora como ator principal, no drama Sonhos do Passado, de 1973, vivendo um homem que planeja uma tentativa de fraude como solução para seus problemas financeiros e pessoais.

Além de suas atuações em Quanto Mais Quente Melhor e Se Meu Apartamento Falasse, Jack também foi indicado ao Oscar pelos filmes Vício Maldito, uma comédia trágica de Blake Edwards; Síndrome da China, dividindo a cena com Jane Fonda e Michael Douglas em uma trama que envolve a descoberta por jornalistas de um situação nuclear grave; Tributo, em que interpreta um jornalista à beira da morte e que terá que lidar com avinda de um filho de quem é afastado; e Desaparecido: Um Grande Mistério, do diretor grego Costa-Gavras, trama passada durante o golpe de Estado que derrubou o presidente chileno Salvador Allende, momento em que um jovem escritor norte-americano desaparece, iniciando a busca incessante de seus pais para descobrir seu paradeiro.

Jack Lemmon teve uma carreira premiada não apenas nos EUA. A atuação no filme Desaparecido: Um Grande Mistério também lhe deu a Palma de Ouro do Festival de Cannes como Melhor Ator em 1983, honraria que ele já havia conquistado por Síndrome da China, em 1979. Ele recebeu ainda o Urso de Prata de Melhor Ator em 1981, no Festival de Berlim, pela produção Tributo, além de 3 prêmios Bafta, o principal do cinema britânico, e dois prêmios de Melhor Ator no Festival de Veneza, por O Sucesso a Qualquer Preço, com Al Pacino e Alan Arkin. Dono de 5 Globos de Ouro e de um prêmio honorário Cecil B. de Mille, Lemmon foi indicado até mesmo a um Grammy pela narração em um álbum que contava a história do ex-presidente dos Estados Unidos, Harry Truman.

Tanta versatilidade explica como ele conseguiu construir uma trajetória tão eclética. Na onda dos filmes-catástrofes que abalavam as bilheterias ao redor do mundo nos anos 1970, ele protagonizou um dos mais famosos deles, Aeroporto 77, história em que um avião cai no mar e cujos passageiros precisam ser resgatados das profundezas das águas. Ali estão nomes da Era de Ouro, como James Stewart (de Janela Indiscreta) e Olivia de Havilland (de E O Vento Levou…). Mesmo sendo um chamariz de público, o ator não abandonou os palcos e participou de projetos teatrais, inclusive na TV, quando no início da carreira encenou textos consagrados em episódios dos programas Medallion Theatre e Teatro Ford. No final da carreira, chegou a participar de uma montagem de Hamlet, de Shakespeare.

Os anos 1990, que poderiam prenunciar o ocaso de um ator que fez sucesso durante as quatro décadas anteriores, reservaram boas surpresas para o veterano, como a retomada da parceria com aquele que foi seu principal companheiro de cena: Walther Matthau. Eles estiveram juntos numa produção de Billy Wilder de 1974, chamada A Primeira Página, comédia crítica sobre métodos sensacionalistas da imprensa. Em 1993, os dois amigos abraçaram o projeto de Dois Velhos Rabugentos, comédia que acompanhava a relação cheia de provocações e afeto entre dois homens que se conhecem a vida toda e agora, na velhice, precisam lidar com as idiossincrasias que a idade traz. O sucesso foi imediato, motivando a sequência, de 1995, com a participação luxuosa de Sophia Loren.

Seus derradeiros trabalhos foram participações em produções menores, mas com um fato que ficou marcado. Em 1998, na cerimônia de premiação do Globo de Ouro, o ator Ving Rhames ganhou a disputa de Melhor Ator em TV por seu trabalho vivendo o empresário do boxe Don King. Ao subir ao palco, ele pediu que Jack Lemmon, que também concorria na categoria, o acompanhasse porque ele gostaria de dividir o prêmio com o veterano. E assim aconteceu, para delírio da plateia. Lemmon morreu em junho de 2001 e foi sepultado no Westwood Village Memorial, um pequeno cemitério no centro de Los Angeles onde também estão os túmulos de Billy Wilder, Walter Matthau e Marilyn Monroe. Ele, portanto, está entre amigos, cercado por aqueles que o ajudaram a pavimentar uma biografia admirável.