Quem viveu os anos 1990 certamente já cantou ou pelo menos ouviu o refrão de Papo de Jacaré, um dos hits mais populares da época. Décadas depois de conquistar o País com a música, o cantor e compositor goiano Carlinhos P.O. Box, 64, retorna com um trabalho que olha diretamente para suas origens. Neste sábado (21), ele lança o single Catireiro no streaming, uma canção que percorre paisagens, tradições e personagens de Goiás, celebrando o Cerrado e as memórias da infância no interior. Na entrevista a seguir, o artista fala sobre o novo lançamento, o impacto de um sucesso que atravessa gerações e o desejo de valorizar cada vez mais a cultura goiana em sua trajetória.

Depois de tantos anos de carreira e de sucessos marcantes como Papo de Jacaré, o que motivou você a lançar agora a música Catireiro e revisitar suas origens goianas?

Na verdade, desde sempre aprecio, prestigio e divulgo nossa cultura para onde vou. A ligação vem desde criança, pois fui criado no interior, onde as manifestações culturais são mais presentes. Sou de Taquaral de Goiás. Coisas como Folia de Reis, Congadas, Quadrilhas e mesmo tantos ‘causos’, mitos e lendas contados por nossos pais e familiares sempre fizeram parte de nossa infância. E ainda tive a oportunidade de ‘rever’ um trauma de criança, pois quando tinha 12 anos fui, pela primeira vez, buscar frutos do Cerrado na cidade de Itaberaí, onde residia. Era o mês de novembro. Foi uma experiência muito gratificante e saborosa. No ano seguinte, quando voltamos para repetir a aventura, haviam desmatado tudo para a expansão imobiliária. Nunca esqueci daquilo. Eu e os dois amigos ficamos muito tristes com aquilo. Tanto que, mais tarde, em 2016, criei o projeto literomusical Cantando e Cantando o Cerrado Brasileiro, com o poeta tocantinense Pedro Ivo.

A nova canção faz uma viagem por paisagens, tradições e personagens de Goiás. Como foi transformar memórias do Cerrado e da infância em música?

A canção já veio pronta, através do jornalista e compositor Marcos Gomes, grande estudioso e divulgador de nossa cultura. Foi ouvir e me imaginar por lugares onde já estive e outros em que ainda não estive, mas sei o quanto são belos, além das tradições descritas na letra. Foi paixão à primeira ouvida. Afinal, nasci e cresci em frente à majestosa Serra do Brandão, onde nasce o Rio Meia Ponte. Coisa linda demais.

Você construiu parte da carreira no eixo Rio–São Paulo. Em que momento percebeu que queria trazer Goiás e sua identidade cultural de forma mais forte para o seu trabalho?

Cresci próximo à cidade de Goiás, ouvindo falar de Cora Coralina, me encantando com os quadros de Goiandira do Couto e com as belezas da Serra Dourada. E sempre dei atenção ao que é feito aqui. Desde os tempos de bandas de baile, insistia em incluir no repertório canções de artistas goianos. Tive o privilégio de acompanhar o lançamento de canções de artistas que admiro, como João Caetano, Fernando Perillo, Pádua, Maria Eugênia, entre tantos outros. Em programas de TV por onde andava, sempre que tinha oportunidade mostrava o material desses artistas. Uma curiosidade: em 2001, quando estávamos preparando a gravação do segundo disco da banda P.O. Box, fomos convidados a gravar uma música para a trilha sonora da novela Estrela-Guia, que teria parte das gravações em Pirenópolis. Quando vi a letra da canção, que citava a cidade de Gaudinópolis (RJ), pedi autorização aos autores para usar o nome de Pirenópolis, já que a palavra tinha a mesma métrica. Eles autorizaram, e na versão que foi para a novela ficou o nome da nossa querida cidade.

O hit Papo de Jacaré marcou uma geração nos anos 1990. Como você enxerga hoje o impacto dessa música na sua trajetória?

Me trouxe tudo. Simples assim. Com ela ganhamos o Brasil, fizemos turnês para os Estados Unidos e Japão, recebo relatórios de direitos autorais de vários lugares do mundo, ganhamos discos de ouro e de platina e chegamos a vendagens acima de um milhão de discos. É um privilégio ter feito uma canção que, mesmo quase 30 anos após ser lançada, continua fazendo tanto sucesso e faz parte da alegria de tanta gente. Todos os dias recebo nas redes sociais relatos e registros de pessoas dançando, cantando e se divertindo com essa música. Reposto sempre e respondo a todos. Uma alegria e um privilégio.

Ao longo da carreira você transitou por vários estilos. Onde Catireiro se encaixa dentro dessa caminhada musical?

Desde menino ouvi quase de tudo em casa e depois trabalhei em bandas de baile, produzindo artistas em estúdio e acompanhando outros em shows. Era natural que viesse um ecletismo na formação musical. Desde adolescente me apaixonei pelo rock e pela MPB. Depois passei a admirar muito a chamada música brasileira histórica, como modinhas, valsas brasileiras e o choro. Acabei fazendo sucesso com uma música mais simples, de forte apelo popular. Catireiro, apesar do título e da letra maravilhosa, traz uma melodia leve e arranjos simples. A ideia é aprofundar mais nesse projeto e criar canções que tragam mais elementos tradicionais.

A música também faz referências ao Cerrado. Você acredita que a arte pode ajudar a valorizar e preservar esses patrimônios naturais?

Com toda certeza. O artista tem o poder de formar opiniões, inspirar e até mudar paradigmas com sua obra. É uma grande responsabilidade. Podemos e devemos usar esse vetor para chamar atenção e conscientizar as pessoas sobre esses temas. Costumo dizer que o artista pode até não se achar obrigado a melhorar o mundo com sua arte, mas ao menos deve ter o cuidado de não piorá-lo.

Quais são os próximos passos da sua carreira?

Desde que encerramos as atividades básicas com a banda em 2003, me dediquei à carreira solo e a diversos projetos. Produzi discos, participei de trabalhos como convidado, voltei a compor e produzir para outros artistas, lancei meu primeiro livro e, desde 2022, tenho dado mais atenção ao digital e às plataformas de streaming. Também sigo fazendo shows com projetos como Canções Que Ouvimos e Gostamos de Cantar e Banda P.O. Box, o Legado. Pretendo desenvolver ainda mais o projeto Catireiro, falando da nossa cultura, das nossas belezas e da arte de Goiás. Aguardem que vem coisa boa por aí.

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"Voltei às minhas raízes", diz Carlinhos P.O. Box ao lançar nova música inspirada em Goiás

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MÚSICA

Em 1956, o grupo formado pelo maestro belga Jean Douliez e as amigas Maria Lucy da Veiga Teixeira, Belkiss S. Carneiro de Mendonça, Maria Luiza Póvoa da Cruz, Maria das Dores Ferreira e Dalva Maria Pires Machado Bragança se uniu para criar o Conservatório Goiano de Música que, alguns anos mais tarde, seria incorporado à UFG como Escola de Música. Nesta terça-feira (10), uma programação especial abre oficialmente as comemorações dos 70 anos da escola com a presença de uma das suas fundadoras: Maria Lucy, a Dona Fifia, de 99 anos, homenageada do evento.

A partir das 15 horas, o Teatro Belkiss Spencière Carneiro de Mendonça recebe a agenda comemorativa, com apresentação de um miniconcerto da Orquestra Sinfônica da UFG, sob regência do maestro Alexandre Gonçalves, e participação do Coro Sinfônico, sob a direção do professor Adriano Pinheiro. “Eu vou fazer uma palestra sobre o período entre a criação do Conservatório de Música, em 1956, e a criação da Universidade, em 1960”, conta Dona Fifia, a única entre os fundadores que está viva.

O ano de 2026 marca também o centenário da musicista e professora emérita, pioneira e nome fundamental para se pensar a música em Goiás. Nascida na cidade de Goiás, em 26 de maio de 1926, Dona Fifia conquistou seu espaço como pianista e professora de canto coral em uma Goiânia que estava crescendo a cada ano. Cursou canto orfeônico no Rio de Janeiro sob orientação de Villa-Lobos e piano com João Baptista Julião, em São Paulo.

“O minirrecital homenageia a Dona Fifia com destaque para o canto de coral, pela importância dela no ensino à frente dos coros do Conservatório Goiano de Música (1956-60), da Escola Técnica Federal (1955-76) e, de 1960 a 1983, do Coral da Universidade Federal de Goiás (UFG). É uma das pessoas que formou vários regentes e o repertório criado por ela ainda hoje é tocado na nossa escola”, comenta a professora Flávia Cruvinel, coordenadora da programação dos 70 anos da Escola de Música da UFG.

A relação de Dona Fifia com a música vem de berço. É filha de Julio Alencastro Veiga, violinista da Orquestra Ideal, que fazia trilha sonora para o cinema mudo da época. Aos 4 anos, Maria Lucy começava a estudar música, que sempre fez parte do cotidiano de sua casa, que recebia os ensaios da orquestra. “Ela é inspiradora. Aos 99 anos, ainda toca de ouvido. É uma pessoa incrível”, comenta Flávia.

Além de musicista e memória viva da construção da formação de música em Goiás, Dona Fifia é mãe, avó e bisavó. Tem 7 filhos, 11 netos e 17 bisnetos e gosta de aproveitar as tardes tomando um cafezinho e comendo um biscoito de queijo em seu apartamento no Setor Oeste, pertinho da Praça do Sol. Flávia Cruvinel aponta que o ano de 2026 será marcado por muito mais homenagens à trajetória de Maria Lucy, em razão de seu centenário. “Estamos inaugurando essa série de comemorações que, com certeza, vai acontecer”.

Maria Lucy é membro titular da Academia Feminina de Letras e Artes de Goiás (Aflag) e da Academia Nacional de Música do Rio de Janeiro. Como compositora, é autora de hinos como o da Academia Feminina de Letras de Goiás e do Tribunal de Contas do Estado de Goiás, além de ter criado diversos arranjos para coral.

SERVIÇO 
Evento: 70 anos da Escola de Música - Homenagem a Maria Lucy Veiga Teixeira 
Data: 10 de março de 2026, terça-feira 
Horário: 15 horas 
Local: Teatro Belkiss Spencière Carneiro de Mendonça - Escola de Música, Câmpus Samambaia 
Entrada gratuita

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Memória e tradição

Em Goiás, Maria Lucy formou diversas gerações de músicos e tem o privilégio de celebrar seus 100 anos de idade junto às sete décadas do corajoso projeto do Conservatório de Música. “Éramos cinco mulheres, todas nascidas mais ou menos na década de 1930. A Escola de Música e, consequentemente, do Conservatório, era um sonho nosso”, conta.&nbsp;

Para tirar esse sonho do papel, no entanto, foi preciso uma força-tarefa. Na época, o conservatório não tinha uma sede oficial para funcionar, muito menos recursos para investir na ideia. As primeiras aulas eram realizadas na Faculdade de Direito, localizada na Rua 20, em salas que eram emprestadas durante as tardes e noites. Com a criação da Universidade Federal de Goiás, conseguiram incorporar o conservatório à rede de ensino, junto com a Faculdade de Farmácia, Direito e Medicina.&nbsp;

Deu-se início ali o nascimento da Escola de Música e Artes Cênicas, a Emac. “O forte movimento da música no estado de Goiás foi protagonizado por uma figura muito importante, que é a Dona Nhanhá do Couto, na primeira metade do século 20. Ela sempre imaginou e desejou uma escola de música forte no nosso estado, e isso veio a se concretizar através de um protagonismo forte e muito importante da sua neta, Belkiss”, conta Eduardo Meirinhos, diretor da escola.

Desde que foi fundada, a Escola de Música tem passado por transformações importantes relacionadas ao seu crescimento, comenta o diretor. “Atualmente, uma divisão originou uma nova unidade acadêmica, o Instituto de Artes da Cena, e nós voltamos a ser a Escola de Música”, diz. “Nós completamos agora os nossos 70 anos em uma homenagem de gratidão às pessoas que protagonizaram a escola grande e forte que é hoje a Escola de Música da UFG. Somente com vistas ao passado é que nós podemos mais firmemente dar os nossos passos em direção ao futuro”, destaca.

Ao longo do ano, as celebrações seguem. “A cada mês, vamos convidar um professor ou professora que não está nos quadros ativos para uma palestra, fazendo esse intercâmbio de memória e tradição com as novas gerações”, comenta Flávia. “O desemboque vai ser de outubro a novembro, com os Festivais Unificados, que marcam também o fato de a escola voltar a ser somente Escola de Música”, adianta.&nbsp; 
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Escola de Música da UFG dá início às comemorações dos 70 anos

Comemorações

Quando trouxe a turnê Bloco na Rua pela primeira vez em Goiânia, em 2019, Ney Matogrosso contou ao POPULAR que a intenção inicial era dançar menos e se preocupar mais com a execução vocal. Quem já teve a oportunidade de assistir ao show sabe que a ideia caiu por terra. “Tem alguma coisa independente da minha vontade que funciona”, concluiu o artista, conhecido há mais de 50 anos por suas performances nos palcos, com estética visual e sonora inigualável. O show será nesta sexta-feira (6), no Centro de Convenções da PUC Goiás.

Ney entra mascarado no palco, em figurino assinado pelo estilista Lino Villaventura, e logo retira a máscara que cobre seu rosto. Na primeira música do setlist, composição de Sérgio Sampaio, o artista anuncia a que veio. “Eu quero é botar o meu bloco na rua”, diz o refrão. O show, assim como o álbum, celebra grandes canções e autores da música brasileira, de Rita Lee, Raul Seixas e Paralamas do Sucesso a Chico Buarque, Itamar Assumpção e Fagner.

Em tempos de reafirmação da identidade latina, Ney lembra que há cinco décadas canta o clássico do seu antigo grupo Secos e Molhados, Sangue Latino, tão marcante na sua voz quanto os sucessos Fala e O Vira. Aos 84 anos, Ney esbanja sua vitalidade no palco acompanhado da banda dirigida por Sacha Amback em uma turnê que circula há anos, mas não envelhece. Prova disso é que dos seis setores da plateia, restam alguns poucos ingressos do bistrô frontstage para duas pessoas. O restante já está, mais uma vez, esgotado.

Sua carreira começou como frontman do grupo Secos e Molhados, nos anos 1970, mas o setlist marcado por essa mesma década não foi uma escolha consciente, contou na primeira passagem por Goiânia. “A ideia era fazer um repertório de músicas cantadas por outras pessoas e também por mim. Eu não me incomodo com isso, tem gente que não canta sucessos de outros, não tenho esse problema. Fiz algo despreocupado, queria apenas cantar coisas que gostasse. Depois de pronto, reparei que boa parte das canções são desse período”, disse ao POPULAR.

“Eu quero é botar meu bloco na rua/ Gingar, pra dar e vender”, diz a faixa Bloco na Rua, que abre o show. A música é considerada um hino contra a repressão da ditadura militar, mas foi escolhida com base no gosto pessoal do artista e não pela representação política. O posicionamento de Ney é marcado por essa despretensão de levantar bandeiras, ainda que sua existência seja uma bandeira por si só, com história marcada pelos seus confrontos com diferentes figuras de autoridade.

Com Jardins da Babilônia, de Rita Lee e Lee Marcucci, O Beco, composição de Herbert Vianna e Bi Ribeiro e A Maçã, escrita por Raul Seixas, Paulo Coelho e Marcelo Motta, Ney Matogrosso faz um carnaval roqueiro. O bloco romântico fica por conta de Mais Feliz, composta por Dé Palmeira, Bebel Gilberto e seu grande amor Cazuza, e de Yolanda, canção de Pablo Milanés em versão em português de Chico Buarque.

O carnaval psicodélico entra em cena com Pavão Mysteriozo, de Ednardo, 1974, e Balada do Louco, dos Mutantes, também marcada na voz de Ney no disco Bugre, de 1986. A latinidade, tão latente na trajetória de Ney, volta a ecoar em Já Que Tem Que, escrita por Alzira Espíndola e Itamar Assumpção. O suingue latino da canção volta a bater forte na tecla da liberdade, também proposta nos versos de O Último Dia, de Paulinho Moska e Billy Brandão, que já havia integrado shows de Ney em 1999 e revivida mais de 20 anos depois no show Bloco na Rua com batida funkeada.

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SERVIÇO

Show: Turnê Bloco na Rua, de Ney Matogrosso

Data:

Sexta-feira (6)

Horário:

19h30 (abertura dos portões)

e 21h30 (início do show)

Local:

Centro de Convenções da PUC Goiás

(Av. Engler, 507 - Jardim Mariliza)

Ingressos: 

R$ 1.900 via BaladApp (disponível somente bistrô frontstage para 2 pessoas)

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Homem com H

Ney Matogrosso começa 2026 com força total após um consagrado ano de 2025. Com o sucesso da cinebiografia Homem com H, do diretor Esmir Filho, um dos destaques de bilheteria do cinema brasileiro dos últimos anos, o Brasil pôde revisitar a luta pela experimentação e a liberdade de fazer o que bem entendesse com seu corpo e sua vida. O filme retrata sua jornada da infância rebelde ao estrelato, com estreia em maio do ano passado.

O filme coroou uma carreira que desafiou preconceitos e inaugurou um estilo próprio, consagrando Ney como um dos maiores artistas brasileiros. Em paralelo, também circulou o espetáculo de mesmo nome, com texto de Emílio Boechat e Marilia Toledo, sucesso de público e crítica e vencedor do Prêmio Bibi Ferreira. Marilia contou que a ideia de montar o espetáculo surgiu depois que ela soube que seus sócios Marcio Fraccaroli e Sandi Adamiu tinham adquirido os direitos para realizar a cinebiografia.

Ney Matogrosso apresenta em Goiânia a turnê 'Bloco na Rua'

Música

Três nomes fundamentais da música goiana dividem o mesmo palco em Sobre Trilhas, espetáculo do projeto MPB em Série. A apresentação reúne Maria Eugênia, Orlando Morais e Ricardo Leão em um encontro que destaca a força e a trajetória da música produzida em Goiás. O show será nesta quinta-feira (5), às 20 horas, no Teatro Sesi. A entrada é gratuita. A realização conta com apoio do Governo de Goiás, por meio do Programa Goyazes, operacionalizado pela Secretaria de Estado da Cultura. “Esse show representa muito mais do que dividir o palco. É sobre reencontrar amigos que fazem parte da nossa história musical e afetiva. Orlando e Ricardo são artistas que trilharam caminhos distintos, mas que se conectam pela sensibilidade e pela verdade na música. Sobre Trilhas é exatamente isso: trajetórias que se cruzam e que agora caminham juntas diante do público”, afirma Maria Eugênia.Cantora com mais de três décadas de carreira, Maria Eugênia consolidou-se como uma das vozes mais representativas da música popular produzida em Goiás. Com trajetória internacional e participação em importantes projetos de difusão da cultura brasileira no exterior, ela construiu repertório marcado pela valorização da MPB e da identidade musical regional. É idealizadora do projeto MPB em Série, iniciativa que promove encontros inéditos e homenagens à música brasileira.Maria Eugênia começou sua formação musical ainda criança, aprendendo piano aos quatro anos e conciliando aulas de canto erudito durante a adolescência. Formada pela Universidade Federal de Goiás, sua aproximação com a música popular brasileira aconteceu ao participar de um concurso na Praça Universitária.Ricardo Leão teve papel importante na carreira de Maria Eugênia. Em 1992, ela lançou seu primeiro disco, Maria Eugênia, produzido pelo pianista. O trabalho recebeu o Prêmio Tiokô de Música da União Brasileira de Escritores, consolidando a presença da artista no cenário musical de Goiás com um repertório que valoriza as tradições regionais.Cantor e compositor goiano, Orlando Morais construiu carreira nacional a partir da década de 1980, destacando-se pela combinação de lirismo, influências regionais e sonoridade contemporânea. Suas composições foram gravadas por diversos intérpretes da música brasileira, e sua discografia reúne canções que dialogam com a poesia, a espiritualidade e as raízes culturais do Centro-Oeste. Ao longo dos anos, consolidou-se como um dos nomes mais respeitados da música brasileira contemporânea.Pianista, compositor e arranjador, Ricardo Leão tem atuação marcante na cena musical goiana e brasileira, transitando entre a música instrumental e a canção popular. Ele cursou Licenciatura em Música na UFG e estudou Piano Clássico com os mestres Dalva Pires, Glacy Antunes, Camargo Guarnieri e Luis Eça.Ricardo Leão é detentor de vários prêmios e dá sua assinatura a aproximadamente 300 discos. É compositor da música original de novelas e seriados da Globo como Passione, com Sérgio Saraceni, Aquele Beijo, ao lado de Mu Carvalho, Pé na Cova, Sexo e as Negas, Mr. Brau e A Lei do Amor. Também atuou como produtor musical de programas como Som Brasil, Criança Esperança e Escolinha do Professor Raimundo (Nova Geração). SERVIÇOEspetáculo: Sobre Trilhas –  Maria Eugênia, Orlando Morais e Ricardo LeãoData: Quinta-feira (5), às 20hLocal: Teatro Sesi / Avenida João Leite, nº 1.013, Setor Santa GenovevaEntrada: gratuita (sem retirada prévia)Ação solidária: doação voluntária de 1 lata de leite em pó para a campanha Fieg+SolidáriaMais informações: Instagram @mariaeugeniacantora

Espetáculo 'Sobre Trilhas' reúne Maria Eugênia, Orlando Morais e Ricardo Leão

Vozes  de Goiás

“Longe de ser o espetáculo do ano, a apresentação do grupo Mamonas Assassinas agradou a quem devia: os adolescentes, que lotaram o Ginásio Rio Vermelho.” Foi assim que O POPULAR, na edição de 24 de novembro de 1995, registrou o único show da banda em Goiás, realizado dois dias antes, na quarta-feira, 22, em Goiânia. Sem grandes aparatos de produção e sustentado pelo improviso, o grupo confirmou ali, diante de um público majoritariamente jovem, a força de um sucesso que dispensava solenidade, flertava com o deboche e parecia se divertir tanto quanto a plateia.

No palco, os Mamonas, cuja morte trágica completa 30 anos nesta segunda-feira (2), já se apresentavam como um fenômeno plenamente assimilado por crianças e adolescentes. Dinho, Bento Hinoto, Júlio Rasec, Sérgio Reoli e Samuel Reoli conduziram um show marcado pela irreverência permanente e pela recusa ao estrelato, em sintonia direta com o público que lotou o Ginásio Rio Vermelho. A descontração, registrada pelo repórter Sebastião Vilela de Abreu como sinal de que o sucesso não os intimidava, reforçou a identidade de um grupo que, com humor e escracho, transformou aquela noite em mais uma afirmação de sua força juvenil.

Poucos meses depois, os Mamonas Assassinas morreram na queda do avião em que viajavam, durante a aproximação para pouso em São Paulo, após uma apresentação em Brasília. A morte precoce, no auge da popularidade, produziu um pranto coletivo comparável ao que o País vivera anos antes com Ayrton Senna e, décadas depois, viveria com Marília Mendonça. Para parte do público adolescente que lotou o Ginásio Rio Vermelho naquela noite, o show atravessou o tempo como memória afetiva.

“Fui ao show para realizar um sonho”, conta a gerente comercial Grazielle Calil de Freitas, hoje com 45 anos. A apresentação aconteceu pouco depois da morte de sua mãe, e o ingresso, presente de uma tia que conhecia a devoção da garota pela banda, deu ao espetáculo um sentido que ultrapassou o entretenimento. “Mesmo da arquibancada, veio a sensação de estar perto dos ídolos. Foi um dos primeiros shows da minha vida e a experiência abriu caminho para a paixão pelos palcos, ajudando a ocupar um vazio daquele período”, lembra.

Outros chegaram movidos menos pela devoção e mais pela curiosidade, e acabaram igualmente capturados pelo clima da noite. “Foi surpreendente. O show foi muito bom, todo mundo curtiu, dançou e se divertiu, com uma animação diferente de tudo o que eu já tinha visto”, recorda William Castro, hoje com 54 anos, que foi ao espetáculo após convencer a namorada da época, hoje esposa, a acompanhá-lo. Pouco tempo depois, o acidente aéreo que interrompeu a trajetória dos artistas deu àquela experiência um peso definitivo, fixando o show de Goiânia como parte da história de quem esteve lá.

“Eu já conhecia e era fã, como a maioria das crianças daquela época”, conta o engenheiro de computação Bruno Henrique de Lima, hoje com 39 anos. O que ficou na memória foi a sequência do espetáculo, a entrada no palco, as trocas de figurino, a despedida final, e tudo o que cercou a experiência: o caminho até o ginásio, a ansiedade antes do início, a compra de camisetas e CDs, a camisa guardada por anos como lembrança e até o acompanhamento do ônibus da banda após o show. Para ele, a permanência dos Mamonas Assassinas se explica pela intensidade. “Músicas sabidas de cor, cantadas em coro, capazes de marcar uma geração e ainda hoje reaparecer nas playlists do cotidiano”.

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Victor Henrique Dutra: "O que mais me marcou foi ver o Dinho no palco" (Wildes Barbosa/O Popular)

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Em outros casos, a ligação começou antes mesmo do espetáculo, construída no ambiente familiar. O professor Victor Henrique Dutra, hoje com 36 anos, conheceu os Mamonas por influência do primo e dos discos tocados repetidamente nos fins de semana na casa da avó. “O que mais me marcou foi ver o Dinho no palco. Era apaixonado por ele. Foi ótimo ver todo mundo dançando ‘o Vira’ junto”, recorda. Para Victor, a memória que permanece é a da alegria coletiva e a tentativa de chegar perto da banda após o show, em meio à multidão. Uma noite que entrou para a história.

Irreverência natural

A passagem dos Mamonas Assassinas por Goiânia também ganhou registro nos bastidores da TV goiana. Repórter novato à época, Handerson Pancieri, da TV Anhanguera, entrevistou a banda fora do palco e produziu uma matéria super divertida que atravessou o tempo, ainda hoje compartilhada nas redes sociais. O que mais o impressionou não foi apenas o humor, mas a forma como ele se manifestava. “Era uma irreverência natural, que vinha da vida deles, da experiência deles. Não era pose de artista. Eles eram assim”, recorda. Nos corredores do hotel e nas conversas informais antes do show, a brincadeira era constante e sempre coletiva. “Quando eles brincavam, todo mundo fazia parte da brincadeira.”

Com o passar dos anos, um detalhe daquele encontro ganhou peso especial para o apresentador do Bom Dia Goiás: a postura de Dinho longe dos holofotes. Mesmo já famoso, o vocalista tratava com atenção tanto os fãs quanto as equipes de reportagem. “Eu era muito novo, ainda inexperiente, e ele não me diminuiu por causa disso. Me tratou como trataria qualquer outro jornalista”, lembra Pancieri. O interesse genuíno pelo que era dito, o cuidado nas respostas e a escuta atenta ficaram como marca. “Aquilo não era alguém querendo aparecer para vender ingresso. Era respeito de verdade.” Para o jornalista, essa atitude ajudava a explicar a relação singular do grupo com o público. “Eles não tinham só fãs. Tinham cúmplices da bagunça que faziam.”

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O sexto Mamona

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Rick Bonadio (Divulgação)

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E se você descobrisse que um dos Mamonas Assassinas sobreviveu, deu a volta por cima da tragédia e se tornou um dos nomes de referência no cenário musical brasileiro? Sem esse sexto integrante, que não subia no palco, o fenômeno mais vertiginoso do pop brasileiro não teria existido – e, muito provavelmente, como ele confessa, talvez o próprio Rick Bonadio fosse só um dedicado produtor musical a mais.

Faz 30 anos desde aquele dia em que o Brasil inteiro conheceu a Serra da Cantareira. As lágrimas nos olhos de crianças a avós por uma Tamburello não feita, dois anos antes, também num domingo, agora caíam por outra curva à esquerda, mas que nunca deveria ter acontecido: a do avião que trazia os Mamonas para casa, em Guarulhos. A tragédia na serra, na noite de 2 de março de 1996, fechava de forma súbita uma trajetória relâmpago, de fórmula irrepetível.

Em pouco mais de oito meses, eles – os seis – fizeram acontecer no País números inéditos da indústria fonográfica hoje impraticáveis de ser alcançados. Lançado em 23 de junho de 1995, o disco Mamonas Assassinas, o único gravado pelo grupo, é o álbum de estreia mais vendido da história nacional, com marcadores de referência mundial, também – superou 3 milhões de cópias, tendo alcançado mais de 25 mil exemplares por dia.

Uma banda e um disco que não existiriam sem o hoje consagrado Rick Bonadio, que viu, naqueles cinco jovens da mesma faixa etária dele, potencial para muito mais do que emular o BRock dos anos 80. Ele sacou que Dinho, Júlio Rasec, Bento Hinoto e os irmãos Sérgio e Samuel Reoli tinham estrela para explodir se fizessem de shows e canções a continuidade do que já faziam entre si, nas brincadeiras no dia a dia.

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Música: Bento Hinoto, Sérgio Reoli, Júlio Rasec, Dinho e Samuel Reoli, integrantes da banda Mamonas Assassinas, posam para foto. Foto de Mujica/Folhapress

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“Por que não juntam ao trabalho como banda a quinta série natural que há em vocês?” Foi por essa proposta de Rick, não exatamente com essas palavras, ao ouvir a gravação feita no estúdio dele – para uma zoação em churrasco de amigos – de duas músicas, Mina (que virou Pelados em Santos) e Demerval, o Machão (primeiro nome de Robocop Gay), que o sisudo quinteto Utopia virou Mamonas Assassinas.

A partir daí, surgiram mais duas obras-primas do besteirock brasileiro: Vira-Vira e Jumento Celestino. Fecharam assim uma demo, que chegou às mãos do executivo da EMI João Augusto, que foi convencido pelo filho Rafael, a gravar os garotos. Rafael Ramos integrava o Baba Cósmica, do qual sairia mais uma pérola do disco que pedia passagem: Sábado de Sol.

Confirmado o talento cômico e musical de Dinho e cia. em um show numa acanhada casa–, o martelo foi batido. Faltava “só” fazer o disco, já que não havia mais música pronta. E aí Bonadio se transformou no Creuzebek – apelido involuntário dado por Dinho, ao errar tentando chamá-lo de “Brezequeba”, um sanfoneiro que também gravava no estúdio.

O produtor pôs a mão na massa: idealizou e executou a miscelânea de ritmos nos arranjos e até ajudou a compor as letras do álbum. Se George Martin virou o quinto Beatle por muito menos, o que falar do papel do Creuzebek? Em poucos dias e relativamente pouquíssimos takes, estava concluída a primeira obra-prima do Midas – esse, não por acaso, hoje o nome do estúdio que já lançou Charlie Brown Jr., CPM 22, Fresno, NX Zero, Rouge e Vitor Kley, entre muitos outros.

De descendência italiana, filho de costureira e de um comerciante de autopeças, criado na zona norte de São Paulo, Bonadio entrou nesse mundo de sons desde a infância, fascinado por um tio que amava música. Ainda adolescente, tornou-se multi-instrumentista, tocou para várias bandas, gravou um disco de rap em dupla (Rick e Nando) nos anos 80 e partiu para ter seu negócio no ramo. Alugou um cômodo nos fundos de uma residência na região. Foi lá, já ocupando a casa principal do lote, que o disco dos Mamonas foi concebido e totalmente gravado – a viagem da banda para os Estados Unidos foi apenas para a mixagem.

O produto final é a pura aura do zeitgeist dos anos 90, onde tudo era insano e possível. No meio daquela atmosfera muito louca, o Creuzebek dobrava a aposta: pra conversar com doido, só sendo doido e meio. O resumo do que os seis Mamonas conseguiram é a cena de um vídeo de uma das centenas de apresentações da turnê: uma criança de uns 3 anos ali no palco, à vontade, enquanto Bento Hinoto, solta o dedo numa guitarra solo e solitária, com performance pra Robertinho do Recife nenhum botar defeito – se todos na banda era musicalmente competentes, Bento era reconhecido como virtuose.

Ouvido hoje e tendo em perspectiva a história curta, gloriosa e abrupta da banda, o álbum grita urgência, em fazer “tudo ao mesmo tempo agora”, em escraches-homenagens a meio mundo de referências – de Belchior a Negritude Jr., de Metallica a Reginaldo Rossi, com a audácia de inserir o riff lendário de “Tom Sawyer”, do Rush, no brega corno-shakesperiano de “Bois Don’t Cry”. Coisas que só aquele união de formato “cinco + um” pôde proporcionar. No fim, a gratidão que tem Bonadio pelo que os Mamonas foram para ele volta para si mesmo. Nada mais justo. ( Texto Elder Dias)

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Banda goiana faz sucesso como cover dos Mamonas&nbsp;

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Os Creusebecks: banda goiana de cover dos Mamonas (Ronny Sim/Divulgação)

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No palco, eles transformaram nostalgia em espetáculo. Mesmo sem terem assistido ao único show dos Mamonas Assassinas em Goiânia, os cinco integrantes da banda Os Creusebecks cresceram impactados pela irreverência, pelo humor escrachado e pela força musical do grupo que marcou os anos 1990. A banda goiana de cover dos Mamonas reúne músicos experientes da cena local: Gustavo Marques Miguel, vocalista de 41 anos; Danilo Almeida, baterista de 42; Douglas Fernandes, baixista de 44; Luiz Eduardo Medeiros, tecladista de 41; e Fernando Fernandes, guitarrista de 43 anos.

Segundo Gustavo, o projeto nasceu quase como uma brincadeira. “Os Creusebecks é, na verdade, o alter ego da banda Johnny Brown. Nos ensaios sempre rolaram muitas imitações e paródias internas, até que resolvemos transformar esse lado ‘quinta série’ numa homenagem aos Mamonas, em 2017”, conta. No palco, a caracterização é parte essencial da experiência. Fantasiados, os músicos criam um ambiente de espetáculo que agrada em cheio as plateias.

O vocalista destaca que as imitações ajudam a manter o clima de humor constante. “Tenho facilidade para reproduzir as vozes e os personagens que o Dinho fazia em cada música, mas também para brincar com figuras como Silvio Santos, Faustão, Raul Gil e até o cantor Leonardo. Isso permite várias piadas entre uma música e outra”, conta. O resultado é um show dinâmico, que mistura música, comédia e interação direta com o público.

A resposta da plateia é realmente o combustível principal das apresentações. “A energia vem do público. Mamonas é atemporal. Tem gente que era criança na época, gente da nossa idade e também crianças de 8, 9, 10 anos, levadas pelos pais”, afirma. Para ele, o sucesso contínuo está na força das canções. “As músicas vão do rock ao pagode, são hits muito bem feitos. Quando começa o riff da primeira música, todo mundo já está pulando e cantando. Essa energia bate e volta pra gente, e faz cada show ser uma experiência única.”

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