Rogério Borges

Os 100 anos da Semana de Arte Moderna

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Até 1929, Tarsila do Amaral era uma mulher de família aristocrática que vivia entre o Brasil e Paris e ostentava looks do estilista francês Paul Poiret. Tudo mudou com a crise daquele ano de quebra da Bolsa de Nova York --sua família perde a fazenda, ela se casa novamente depois da separação de Oswald de Andrade e viaja à Rússia.Segundo Paulo Kuczynski, que exibe um raro quadro feito após essa viagem em sua galeria, o olhar dela para o mundo muda nesse período. Tarsila se despede da fase antropofágica de sua produção e entra para a social.A obra "Segunda Classe", feita no mesmo ano da emblemática "Operários", em 1933, estava em coleção privada e foi vista poucas vezes pelo público. Agora, a tela está à venda --e o valor é estimado em R$ 90 milhões.As últimas duas grandes vendas de obras de Tarsila foram "A Lua", comprada pelo MoMA, o Museu de Arte Moderna de Nova York, e "A Caipirinha", vendida por R$ 57 milhões em 2020.A transação envolvendo "A Lua" não tem valores confirmados, mas pessoas próximas afirmam à época que a cifra que circulava no mercado, de US$ 20 milhões, aproximadamente R$ 102 milhões, não estaria distante da realidade.Paulo Kuczynski exibe "Segunda Classe" em seu Escritório de Arte, em São Paulo, junto com "Paisagem com Dois Porquinhos", obra de 1929 avaliada em R$ 45 milhões que tem as cores vibrantes da fase antropofágica da artista. Nela, as formas ainda são exuberantes e fartas, distantes dos rostos lânguidos de "Segunda Classe".As duas pinturas juntas, para ele, mostram "uma despedida dela de um mundo para outro" --a de uma senhora fazendeira para o lado do povo.É uma mostra de duas obras apenas e que reuniu textos de nomes como Paulo Venancio Filho, Aracy Amaral, Regina Teixeira de Barros, Juan Manuel Bonet e Jorge Schwartz para um catálogo.O esforço para organizar um material desse porte em torno de duas telas se justifica pela raridade de encontrar quadros da artista para comprar. "Não existem obras dela à venda no mercado nunca, e o que é importante da Tarsila foi feito em 1924 e anos 1930." Ou seja, num espaço que não chega a duas décadas.Segundo o galerista já há compradores interessados em "Segunda Classe". Essa compra faz parte de um interesse do mercado por obras que retratem pessoas excluídas, além de pinturas feitas por mulheres, segundo Kuczynski.De acordo com ele, Tarsila inclusive é pioneira em fazer o retrato das classes marginalizadas no Brasil, e traz esse tema para as artes visuais antes mesmo de nomes emblemáticos como Candido Portinari.

Tela de Tarsila criada após viagem à Rússia pode valer R$ 90 milhões

Cem anos depois da Semana de Arte que revolucionou o cenário cultural brasileiro, artistas e curadores discutem os reflexos e as ausências do movimento nos dias atuais em documentário original produzido pela Globo News. Além de narrar a história do evento que marcou o início do modernismo no País, o especial Os Novos Modernos, que será exibido pelo canal neste domingo (13), às 23 horas, joga luz nos processos artísticos que buscam pelo novo e pela inovação, sem deixar as heranças do passado de lado.E quem são os novos modernos? O documentário mostra seis artistas que se destacam por suas ideias e conceitos na cultura brasileira e possuem o mesmo espírito dos modernistas de 1922. São eles: Maxwell Alexandre, Panmela Castro, Jonathas de Andrade, Denilson Baniwa, Baco Exu do Blues e Sergio Vaz.“Os novos modernos são artistas contemporâneos, não necessariamente jovens, mas com o mesmo objetivo: criar algo revolucionário. Muitos saíram da periferia e têm se destacado dentro e fora do país.”, explica Ledu Garcia, coordenador de documentários da Globo News.A história da Semana de 22 é recontada pela ótica de familiares de artistas que marcaram época, como a sobrinha-neta da Tarsila do Amaral e o neto de Oswald de Andrade. A produção ouviu ainda especialistas e curadores de arte.

Ecos de 22: Globo News mostra em documentário quem são os novos modernos

Um dos versos da canção Sampa, de Caetano Veloso, faz referência a um livro que por muito tempo ficou esquecido em sebos. É Panamérica, de José Agrippino de Paula, uma espécie de exemplar da contracultura nacional que serviu de inspiração à estética tropicalista. Mas ele não está sozinho nessa – e o próprio livro não deixa de colocar em prática uma das premissas do modernismo de 22: vamos fazer um caldo cultural aqui? Surgido no final dos anos 1960, o tropicalismo de Caetano, Gilberto Gil, Os Mutantes, Tom Zé, Rogério Duprat, Torquato Neto e tantos outros simboliza um pouco esses encontros.Esse movimento, amplificado pelos festivais de música da TV Record e por ser um forte contraponto ao arbítrio político da ditadura militar recém-instalada em 1964, se abastece em variadas fontes, entre as quais está o modernismo. Em ambos se percebe, ainda que por caminhos diferentes, o desejo de falar de uma identidade brasileira produzindo misturas, dando dinamismo a símbolos nacionais sem que isso significasse, exatamente, ufanismo. Uma visão crítica de comportamentos e ícones, que vão de Carmem Miranda a Brasília, das avenidas paulistas às tribos indígenas. Tudo com sonoridades inusitadas e até inéditas.Essa efervescência criativa foi se consolidando em diferentes momentos, com variados contornos. Alguns deles bastante curvilíneos; outros, nem tanto. Artistas plásticos como Hélio Oiticica, Lygia Pape e Lygia Clark exploraram as formas geométricas, dando-lhes novas dimensões, outras noções de profundidade e provocando sensações e debates. Ao mesmo tempo, o cinema novo investia em novos olhares para a cidade – como em Cinco Vezes Favela, de Cacá Diegues e Joaquim Pedro de Andrade, entre outros – e para o sertão – como em Deus e o Diabo na Terra do Sol, de Glauber Rocha. Havia muitos Brasis.Um deles voltou-se para o interior. Brasília é a obra emblemática dessa direção rumo aos nossos terrenos mais profundos. No Cerrado goiano, surgia a cidade-monumento, com uma arquitetura moderna – o nome aí não é acidental. As curvas, cúpulas, rampas, colunas que parecem flutuar, os espelhos d’água e o concreto sendo retorcido são marcas de nomes como Oscar Niemeyer, nossa maior expressão na área, que se formou muito em razão do contato que teve com o mestre franco-suíço Le Corbusier. Ele foi o responsável por trazer ao Brasil os traços de uma arquitetura moderna mais sólida, inspirando os brasileiros.Na beira da Lagoa da Pampulha, em Belo Horizonte, em frente à casa que foi de Juscelino Kubitschek, há quatro estátuas que registram o nascimento desse modernismo na arquitetura em comunhão com a arte. Elas são de JK, Niemeyer, do urbanista Lúcio Costa e do pintor Cândido Portinari – este vinculado à Semana de 22. Eles vislumbram o que fariam na capital mineira no início dos anos 1940, quase 20 anos antes da inauguração de Brasília. O resultado pode ser visto, por exemplo, na joia que é a pequena Igreja de São Francisco, com projeto de Niemeyer e Lúcio Costa e murais de Portinari.Não é forçar a barra dizer que a Semana de 22, para ser emulada ou contestada, é quase uma onipresença nas artes brasileiras dos últimos 100 anos. Mesmo que por um tempo não fosse lembrada enquanto evento específico, seus participantes transitaram, nas décadas seguintes, por amplos espaços, formando discípulos e fazendo com que suas ideias não morressem. Elas eram, isso sim, devoradas e digeridas. Assim, suas diretrizes foram seguidas. A regra era buscar o que parecesse vivo e inovador. Drummond, Geração de 30, concretismo, Brasília, tropicália. Os ecos de 22 estão em toda parte.<div attr-cid="policy:Image_1.2401670" attr-version="policy:Image_1.2401670" class="p-smartmidiabox">-<a class="p-smartembed" data-onecms-id="policy:Image_1.2401670" data-onecms-type="image" href="javascript:window.parent.actionEventData({$contentId:'Image_1.2401670', $action:'view', $target:'work'})" polopoly:contentid="policy:Image_1.2401670">Imagem (Image_1.2401670)</a></div>

Ecos de 22: movimento inspirou formas e sons antropofágicos

Uma coisa leva a outra. Esse ditado popular já tão surrado cabe perfeitamente quando se quer traçar as genealogias de movimentos culturais brasileiros no século 20. Muitas dessas linhas históricas desembocam num foco recorrente: a Semana de 22. O modernismo ali engendrado não desapareceu com um movimento que já nasceu fragmentado e cheio de brigas internas. Ele se expandiu para diferentes leituras, novas estéticas, diálogos que se ampliaram e transformaram ideias, criando outras. Na verdade, é o cerne da antropofagia, defendida na época, numa retroalimentação constante, numa deglutição ininterrupta.Algumas dessas repercussões podem ser medidas pelas formas como obras icônicas do modernismo se eternizaram em constantes releituras em diversas linguagens. O romance Macunaíma, de Mário de Andrade, por exemplo, tem essa potência. Livro lançado em 1928, ele traça o itinerário incrível do “herói sem caráter”, que nasce na Amazônia e vai para São Paulo. Personagem encharcado de referências indígenas e negras que fica branco ao chegar à metrópole, essa criação, encarnada por Grande Otelo no filme de Joaquim Pedro de Andrade, de 1969, tornou-se um dos símbolos do cinema novo.Essa relação não é acidental. O cinema novo é, seguramente, o principal movimento da área que o Brasil produziu, com projeção mundial. Buscar uma das principais obras do modernismo era uma maneira de mostrar uma nação de forma mais profunda, ainda que alegórica e até satírica, demolindo as imagens idílicas de um indigenismo que subtraía a cultura original para submetê-la aos parâmetros europeus, como a observar uma hierarquia entre as diferentes referências. Mário de Andrade, um estudioso nato, foi meio antropólogo para criar em sua literatura um herói que se afasta de Peri e Iracema, brincando com eles.Essa marca distintiva, interessante e surpreendente foi uma fonte para o cinema novo, que também criava metáforas para abarcar uma terra em transe. Isso também aconteceu nos palcos, com a antológica montagem de O Rei da Vela, de Oswald de Andrade, realizada em 1967 pelo Teatro Oficina, de São Paulo. Na leitura quase anárquica do diretor José Celso Martinez Corrêa, o retrato alegórico de um País que acabava de mergulhar na ditadura, mas que buscava no modernismo de quase 50 anos antes a inspiração para gritar por liberdade, colocando em xeque as relações capitalistas a partir de um autor que virou comunista.Oswald de Andrade, que em breve deve ganhar uma biografia escrita pelo jornalista Lira Neto, foi esse camaleão, que antes se dava bem com as elites econômicas e depois virou um homem da esquerda sob influência da militante Patrícia Galvão, a Pagu, ela também um nome expressivo de um segundo momento do modernismo. Militante na imprensa, pioneira do feminismo, artista e escritora, ela conviveu com o casal Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral, mas acabou se casando com ele pouco tempo depois, provocando controvérsia e sendo um dos motivos para o rompimento entre alguns dos membros da Semana de 22.O Rei da Vela foi escrita em 1933, momento em que o modernismo brasileiro já entrava em sua segunda geração. Ainda que esteticamente não houvesse uma continuidade propriamente dita, as produções desse período se amparavam em uma busca do elemento nacional genuíno. Isso mudou os olhares, por exemplo, sobre o que se poderia considerar regionalismo. Saíram as histórias que traziam estereótipos e até certo nível de exotismo, como Inocência, de Visconde de Taunay, ou O Cabeleira, de Franklin Távora, e entravam em cena retratos mais realistas e profundos sobre realidades nacionais ignoradas.A chamada Geração de 30, na qual se destacam os autores nordestinos, é a grande novidade nesse cenário. Jorge Amado, com o ciclo do cacau, José Lins do Rêgo, com o ciclo da cana-de-açúcar, os romances da seca de Raquel de Queiroz e Graciliano Ramos, depois do vanguardista A Bagaceira, de José Américo de Almeida (publicado em 1928), transformaram a literatura brasileira mais uma vez. Foi uma década de mudanças políticas – a revolução de 1930 colocou abaixo a República Velha – e fez o Brasil olhar ainda mais para seu interior, numa tendência que não mais nos abandonaria no restante do século.Na poesia, essa força modernista também se fez sentir para além de seus pioneiros. O nome que mais se destaca é o de Carlos Drummond de Andrade, que dedica seu primeiro livro, Alguma Poesia, ao modernista Mário de Andrade, de quem se tornou amigo e com quem trocou farta correspondência por duas décadas. O contato do poeta de Itabira com os principais representantes da Semana de 22 foi precoce, ainda em 1924, quando Drummond tinha apenas 22 anos de idade e se encontrou com Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Tarsila do Amaral, que visitavam Belo Horizonte na famosa “viagem pelo Brasil”.Drummond, porém, imprimiu sua marca a essa nova fase do modernismo, dialogando também com Manuel Bandeira, pertencente ao movimento original, e, alguns anos depois, sendo ele a inspiração para uma nova geração de poetas, entre os quais o pernambucano João Cabral de Melo Neto. Foi uma espécie de sucessão de gênios, que transformaram a poesia brasileira em vários sentidos. Desde os anos 1920, passando pela poesia concreta inaugurada nos anos 1950 – esta, também, em diálogo com as artes plásticas, a música e a arquitetura –, o Brasil viu sua produção criativa mudar e, vira e mexe, se referir a 1922.<div attr-cid="policy:1.2401773" attr-version="policy:1.2401773" class="p-smartmidiabox">-<a class="p-smartembed" data-onecms-id="policy:1.2401773" data-onecms-type="image" href="javascript:window.parent.actionEventData({$contentId:'1.2401773', $action:'view', $target:'work'})" polopoly:contentid="policy:1.2401773">Imagem (1.2401773)</a></div>